Исследовательская работа по теме " Простая формула современного искусства"

Ростовская область Мартыновский район

Муниципальное Бюджетное Общеобразовательное Учреждение Средняя Общеобразовательная Школа №3

село Большая Орловка.

Тема проекта

«Простая формула современного искусства»

Работа ученицы 11 класса
Васильченко Ангелины

Руководитель проекта

Иванова Марина Дмитриевна

Работа допущена к защите «___» ______ 2022 г.

Подпись руководителя ________ расшифровка _____________________.

Содержание

1.Введение……………………………………………….……………...………3

1. Отчаянные романтики………………………………..…………………….4

2. Художники-путешественники …………………………………………….9

3. От Мане до Моне …………………………………………………………16

4. Прекрасная эпоха модерна...........................................................................23

5. Сюрреализм………………………………...……………………………....28

6. Путеводитель по современному искусству……………………………...34

7. Мои рекомендации для работы с современным искусством неподготовленному зрителю…………………………………………...…...37

2. Практическая часть……………………………………………………….….41

3. Заключение………………………………………………………………….42

4. Список литературы………………………..………………………………..43

Введение

Вы, конечно, уже сталкивались с этим ужасным понятием «современное искусство».

«Ужасное» оно, потому что непонятное. А всё непонятное у людей вызывает либо любопытство, либо непринятие и страх. Да и что это за глупости: называть искусством – писсуар М.Дюшана? Какой смысл собирать по кусочкам портрет прекрасной дамы, мысленно вытаскивая глаза из пяток, а губы из ушей? И почему «черный квадрат» не черный и не квадратный?

«Спокойствие, только спокойствие»,— как говорил великий Карлсон.

Искусство не обязано нам с вами доставлять удовольствие, его смысл в том, чтобы транслировать смыслы, не выразимые словами. Художник – это тот, кто говорит на языке образов тогда, когда слова бессильны. Современное искусство, как правило, вызывает раздражение, но если принять его всей душой, то оно будет доставлять радость. Давайте в этом убедимся вместе!

Предмет исследования: современное искусство

Объект исследования: история современного искусства

Цель: помочь зрителям и жюри начать понимать современное искусство

Задачи работы:

• Окунуться в историю современного искусства;

• Провести опрос и проанализировать его результаты;

• Дать рекомендации для работы с современным искусством неподготовленному зрителю.

Гипотеза: современное искусство станет понятнее, если разобраться в его истории.

Методы исследования: анкетирование, анализ литературы.

1.1 Отчаянные романтики

Искусство прерафаэлитов покоряет сердца, потому что оно не просто красивое, но и глубокое: в нем есть смысл и символы, помогающие понять процессы в английском обществе Викторианской эпохи. Как и многие интересные явления, родилось оно из протеста против скучного салонного искусства. Со временем прерафаэлиты обрели популярность, упростили смыслы своих работ и добавили глянцевой красоты в угоду публике. Но вначале им пришлось сражаться за успех.

В 1837 году королева Великобритании Виктория взошла на трон и правила до 1901 года. Этот период в более чем 60 лет называют Викторианской эпохой. Все эти годы страна не воевала, а когда нет войн, у людей есть время созидать, а не разрушать. Благодаря техническому прогрессу экономика Англии развивалась, и соответственно у людей были деньги, которые они тратили в том числе и на картины.

Художники хотели заработать, поэтому подстраивались под желания заказчиков. Они писали красавиц, вдохновляющих мужчин, или бытовые сцены, которые не отличались глубиной. Коммерция убила творчество: настоящего, живого искусства в тот период почти не существовало. Рынок заполнила классическая академическая и салонная живопись, то есть приятные глазу работы без глубокого смысла. Казалось, ничто не может сдвинуть искусство Викторианской эпохи с мертвой точки, где художники пишут милые сюжеты на заказ.

В этой ситуации нашлись смелые романтики, которые хотели встряхнуть сонный арт-мир и впустить свежий воздух в салоны. Такими революционерами в английской живописи стали три художника: погодки Хант, Россетти и Милле.

Уильям Холман Хант Данте Габриэль Россетти Джон Эверетт Милле

Эта тройка возмущенных застоем ребят встретилась на одном из салонов и договорилась потрясти искусство Викторианской эпохи. В качестве ориентира Хант, Россетти и Милле выбрали Рафаэля. Они назвали себя прерафаэлиты, то есть те, кто были «до Рафаэля».

Чем был обоснован их выбор?

Искусство Рафаэля практически идеально, в нем все секреты успеха слились воедино. Он будто создал совершенную схему, которую начала повторять классическая живопись, пока не заездила эту пластинку до неприличия. Из-за бесконечного подражания искусство обмельчало. Но сам Рафаэль по-прежнему был идеалом, как и другие итальянские художники XIV–XV веков. Хант, Россетти и Милле ориентировались на них.

Картина «Юность Девы Марии» (1848) Россетти явно вдохновлена живописью эпохи Возрождения. Это видно по колориту и композиции. Чтобы уловить эту связь, стоит взглянуть на работу Фра Беато Анджелико «Благовещение». В ней нет той эмоциональности, что присуща Леонардо да Винчи и Микеланджело, но в то же время эта работа вдохновенная, красивая, и цвета в ней очень приятные глазу. Такими же были работы художников-прерафаэлитов. Фра Анджелико — мастер построения композиции. Он пишет роскошный интерьер, хотя мы понимаем: свыше 2000лет назад, когда Гавриил пришел к Богоматери, таких интерьеров просто быть не могло. В Библии говорится, что Мария жила в простом доме, а не во дворце с колоннами. Это была скромная и небогатая девушка. Но художники Возрождения помещали своих персонажей в интерьер, который был современен их эпохе, усиливали образы немного в ущерб реалистичности.

В чем отличие прерафаэлитов?

Они взяли у художников эпохи Возрождения колорит — поэтическую нежность, идеальную красоту и соединили с реализмом. То есть прерафаэлиты — это поэтичность плюс реализм.

Три работы мастеров, представленные на салоне 1850 года, публика отвергла.

21-летний Милле выставил картину «Христос в родительском доме» (1850), которая вызвала массу негодования. Почему? Раньше Иисуса и Марию изображали идеальными, а Милле это правило нарушил. Его ругали за излишний реализм. В данной картине множество символов.

Самый главный — это кровь, она сочится из раны на ладони юного Иисуса, указывая на место, куда потом будут вбиты гвозди. На заднем фоне изображены рабочие инструменты, среди них висит треугольник: три его угла — символ Троицы. Подросток (Иоанн Креститель) идет с водой, потому что спустя несколько лет он будет крестить Иисуса. Лестница — это лестница из сна Иакова, соединяющая Землю и Небо. На ней сидит голубь — символ Святого Духа. На заднем плане мы видим стадо, ведь Иисус — пастырь, и он пасет овец. Эту картину можно читать как Библию.

Россетти представил «Благовещение» (1850): растерянная, она вжалась в стену, ничего не понимая… не каждый день к девушке приходит ангел и сообщает, что она станет матерью Спасителя мира. С одной стороны, для нее это честь, а с другой — ей очень страшно. В библейском сюжете художник смог показать настоящую живую эмоцию человека, пораженного новостью. Здесь также важны знаки: лилия, которую ангел преподносит Марии, является символом чистоты и указывает на его неземное происхождение. Публика приняла картину холодно: раньше эту сцену так не писали, а люди не всегда хорошо принимают новшества.

Третий революционер-прерафаэлит Хант на той же выставке показал картину с длинным названием «Английское семейство, обращенное в христианство, защищает проповедника этой религии от преследования друидов». Ее публика тоже не приняла.

Чем же зрителю не угодил Хант?

Казалось бы, работа близка к академизму… Все дело в том, что раньше академические художники, как правило, выстраивали всю композицию пирамидально: в центре самый важный персонаж, а остальные как бы дополняли его. У Ханта герои разбиты по группам, как в живописи эпохи Возрождения.

Все три работы, упомянутые выше, публика отвергла. После салона 1850 года прерафаэлитов нещадно раскритиковали в прессе. Но нашелся человек, которому новое веяние очень понравилось: искусствовед Джон Рёскин. Он утверждал, что «работы прерафаэлитов могут лечь в основу художественной школы более величественной, чем все, кого знали предыдущие триста лет». Весомое слово эксперта поменяло ситуацию: публика присмотрелась к прерафаэлитам повнимательнее — и влюбилась со второго взгляда.

Искусство прерафаэлитов не закончилось на этой тройке. Появилось новое поколение приверженцев живописи «до Рафаэля». Яркий его представитель — Джон Уильям Уотерхаус. Его знаменитая картина «Срывайте розы поскорей» (1909) вдохновлена поэмой Роберта Геррика. Там есть такие слова:

Срывайте розы поскорей,

Подвластно всё старенью,

Цветы, что ныне всех милей,

Назавтра станут тенью.

Поэт призывает каждого радоваться жизни и не откладывать ее на потом, и Уотерхаус с ним согласен: в его картинах всегда столько силы цвета! Он писал мистических женщин и был своего рода предвестником сюжетов нового стиля живописи — ар-нуво.

В 1888 году Уотерхаус пишет картину «Леди из Шалот», вдохновленную сказкой «Волшебница Шалот», которую англичане знают с детства. Шалот — остров на реке, текущей в Камелот, где заколдованная девушка по имени Элейн вынуждена была сидеть в башне без права посмотреть в окно. День за днем она ткала гобелен, наблюдая за миром в зеркало. Однажды в нем она увидела, что в Камелот скачет рыцарь Ланселот, и решила: лучше рискнуть жизнью, чем так и не познать любовь… Девушка покидает комнату, и зеркало разбивается. И даже это не останавливает ее порыва.

Вот такие сказочные и мистические образы, обязательно связанные с тоской или смертью, были главными в творчестве художников-прерафаэлитов во второй половине XIX века. Вскоре их история закончится, зато живописное наследство и бесчисленные легенды о жизни братства останутся в истории искусства навсегда.

1.2 Художники-путешественники

В конце XVIII века путешествия вошли в моду. Закончилась эпоха Просвещения, которая привнесла в массы свободомыслие, и люди осознали, как много интересного и непознанного вокруг. Несмотря на то что самолетов и поездов еще не было, в обществе зародилась необыкновенная жажда познания мира.

Любопытство — отличительная черта художников, поэтому они собирали чемоданы и строили планы первыми. Служители искусства путешествовали как в Европу, так и по России. Порой они делали это не по своей воле: их просто посылали на задание. Фотоаппаратов и видеокамеры еще не было, а Россия постепенно расширялась, становилась огромной, и, например, в 1810 году людям в Москве и Санкт-Петербурге хотелось знать, как выглядит Красноярск. Как решали вопрос? Художников посылали в экспедицию: они писали путевые виды и показывали столичным жителям дальние уголки страны.

Спрос рождал предложение: начали издаваться путеводители, где рассказывалось, что нужно посмотреть обязательно. Наглядные материалы к этим гидам создавали художники: они ездили всюду, зарисовывали основные достопримечательности, и таким образом у людей появлялась возможность выстраивать свой маршрут.

Сильнейшим магнитом для искателей впечатлений была Италия. Русские художники путешествовали в эту страну еще с XVIII века, но особое внимание они уделяли ей с 1790-х по 1820-е годы. Причина тому — Академия художеств в Санкт-Петербурге.

В этом заведении понимали, что, когда ученик освоил технику, сформировался и готов писать масштабные вещи, для дальнейшего развития ему необходимо насытить взгляд и сердце изучением мирового культурного наследия.

Не у всех была возможность поехать куда-то за свой счет. Поэтому в Академии придумали такую форму поощрения талантливых художников, как пенсионерство. К возрасту это не имеет никакого отношения: пенсионером в Академии конца XVIII — начала XIX века считался художник, который отличался талантом, написал выпускную работу и получил за нее золотую или серебряную медаль. Ему выделялись средства на поездку в Европу.

До Великой французской революции художников чаще отправляли во Францию. Однако после в Академии решили, что молодым людям находиться там небезопасно — есть риск подхватить «революционную заразу» и принести ее на территорию Российской империи. Поэтому новым «призом» для талантливых перспективных мастеров стала поездка в Рим, который являлся столицей искусств со времен античности.

Одним из самых первых пенсионеров, отправившихся в Италию, был Орест Кипренский. Атмосфера Рима и Неаполя помогла ему выйти на новые высоты.

Вдохновленный новыми впечатлениями, Кипренский так бодро шагнул вперед в своем даровании, что знаменитая галерея Уффици предложила ему написать автопортрет специально для своей коллекции.

Окрыленные величием искусства эпохи Возрождения, художники расцветали и хотели создавать нечто значимое. Подобное случилось с Сильвестром Щедриным, работы которого можно посмотреть в Третьяковской галерее. Он настолько проникся Италией, что не мог уехать оттуда целых двенадцать лет! Отцу он писал, что в России все плохо: политика Николая I, репрессии, холод… Спустя годы Щедрин все же вернулся с багажом работ. За годы, проведенные в Неаполе, Сорренто и на Капри он так напитался теплом, что сам будто стал ярким солнцем среди нашей в то время коричневатой, мрачной и сухой живописи.

С золотой медалью художники получали немалые средства на пенсионерскую поездку: 400 червонцев выделяли на дорогу, еще 300 — на годовое содержание. Прежде чем добраться до Рима, счастливчики проезжали по всем европейским странам, которые находились по маршруту, с важным заданием в кармане. Им говорили, где и что посмотреть, какие достопримечательности зарисовать. Мастеров обязывали постоянно слать в Россию отчеты — все же это было не праздное путешествие, а выпускная практика. Во избежание чрезмерной расслабленности к ним приставляли специального человека, который следил, чтобы пенсионеры не занимались глупостями.

Русские художники образовали «тусовку»: они жили на виа Систина, что вела к знаменитой Испанской лестнице. Раньше ее называли Счастливая улица — виа Феличита. Там, кстати, жил и писал «Мертвые души» Гоголь. В письме к А. С. Данилевскому мастер слова ярко обрисовал, чем русские пенсионеры занимаются в Риме:

«Что делают русские художники, ты знаешь сам. К 12 и 2 часам — к Лепре, потом — кафе Грек, потом — на монте Пинчо, потом — к Bon gout, потом — опять к Лепре, потом — на биллиард. Зимою заводились было русские чаи и карты, но, к счастию, то и другое прекратилось. Здесь чай — что-то страшное, что-то похожее на привидение, приходящее пугать нас».

Двенадцатилетний рекорд Щедрина нелегко побить, но Карлу Брюллову удалось! Свою пенсионерскую поездку он продлил на целых тринадцать лет, получая финансовую поддержку не от Академии, а от нового Общества поощрения художников. Общество направляло в Италию лучших мастеров, чтобы они учились, смотрели, перенимали, а по возвращении на родину рассказывали о своем опыте и вдохновляли коллег.

Карл Брюллов был весьма необычным пенсионером. Мастер прекрасно владел немецким и французским — предрасположенность к языкам помогла ему быстро заговорить на итальянском. Он был потрясающе коммуникабельным человеком и легко вписался в общество — Брюллов умел очаровывать людей и в любой компании оказывался в центре внимания. После создания копии с «Афинской школы» Рафаэля его талант стал очевиден для местных: посыпались заказы.

Почему римская живопись Брюллова покоряла россиян?

В Риме он, по примеру итальянских коллег, начал писать жанровые сценки. До этого в русском искусстве такого не было. Поэтому, когда на родине публика увидела «Итальянское утро», где молодая женщина, приспустив платье, умывается, залитая солнцем, все ахнули. Это было нечто — глоток свежего воздуха.

В
се бы хорошо, но Брюллова посылали в Италию не ради милых картинок. От него ждали чего-то масштабного, монументального, основанного на мифологическом или историческом сюжете. И Бюллов написал «Последний день Помпеи».

В Санкт-Петербурге все были настолько впечатлены полотном, что выставили его в Академии художеств как руководство для начинающих живописцев. После открытия Русского музея картина переехала в его зал и стала доступна широкой публике. В горячо любимой Италии Брюллову присудили звания почетного академика Миланской, Болонской и Флорентийской академий. С новой картиной он ездил по городам на «гастроли». Надо сказать, до распространения кинематографа картины маслом выполняли роль фильмов: их смотрели долго, не отвлекаясь, обсуждая.

В чем особенность академической живописи?

В ней все построено, как на театральной сцене, а важные детали и образы будто подсвечены софитами. Посмотрите на «Последний день Помпеи»: кажется, что здесь есть кулисы, а где-то вне поля зрения сидит осветитель, направляющий свет на ключевых актеров. В центре сцены — женщина, которая лежит на земле рядом с ребенком. Она очень ярко подсвечена, а углы, напротив, затемнены.

Персонажи полотна разделены на группы. Мама в беспокойстве обнимает дочь, родители прикрывают ребенка своей одеждой, сыновья несут отца… Структура понятна и выверена. Так зрителю легче считывать маленькие истории, из которых соткано большое полотно.

«Последний день Помпеи» везде встречали музыкой и аплодисментами. Брюллова носили по улицам на руках, ему посвящали стихи. Художник затмил всех своих итальянских коллег того времени. Но и родина о своем сыне не забывала. Спустя тринадцать лет его обязали вернуться домой. Новый январь он встречал не с апельсинами зимой, а посреди наших суровых морозов. Однако если вы думаете, что Брюллов провел в Европе слишком много времени, то один из его коллег побил этот рекорд.

Александр Иванов попал в Италию пенсионером Академии и остался почти на тридцать лет — что в пять-десять раз больше привычного срока! На три года в Италию посылали мастеров жанровой и пейзажной живописи, на шесть — баталистов, скульпторов и тех, кто занимался мифологически-исторической картиной.

В чем же секрет Иванова? Сегодня его бы назвали отличным менеджером долгосрочного проекта.

Прибыв в Италию, Иванов задумал создать произведение, которое перевернет всю историю искусства, расскажет о самом важном моменте в истории человечества — о приходе Мессии. Для подготовки почвы он написал «Явление Христа Марии Магдалине после воскресения» и послал ее в Академию. Все были в восторге. Раздразнив аппетит экспертов, мастер заявил: «Я собираюсь делать большой проект — на ту же тему, но еще масштабнее». Под это дело он выбил дополнительное финансирование и время. Так повторялось несколько раз.

Слухи о масштабном замысле Иванова долетели до самого императора. Путешествуя по Италии, Николай I посетил художника в мастерской, выстроенной специально для картины — полотно размером 5,40 на 7,50 метров вместит не каждая комната. Император одобрил работу Иванова.

«Явление Христа народу» Иванов писал около двадцати лет, тщательно прорабатывая образы. Он ходил в синагоги, смотрел на евреев, просил некоторых ему позировать, создавал наброски в Понтийских болотах. Сохранившиеся подготовительные рисунки поражают невероятной красотой!

Закончив писать «Явление Христа народу» в 1857 году, мастер стал ломать голову над транспортировкой работы из Италии в Россию. Новость о скором прибытии полотна быстро разлетелась: публика помнила «Последний день Помпеи» Брюллова и жаждала нового «блокбастера». Но получила нечто другое. Картина Иванова — не блокбастер, не экшн, а глубокая работа души.

Премьера состоялась в Белом зале Зимнего дворца, куда пришел император, президент Академии художеств великая княгиня Мария Николаевна и другие влиятельные гости. Полотно не ругали, но и не хвалили. Стало очевидно, что царская семья не поддерживает художника — и это повлияло на мнение критиков. После переноса в Академию картина стала доступна публике. Через несколько дней в прессе появились сообщения, что новый Иванов до Брюллова не дотянул. Муссировались слухи, что царь недоволен и разочарован.

Почему восторга не последовало?

Во-первых, экшн нравится массам больше, чем тонкие фильмы, после которых хочется подумать или даже поплакать. Во-вторых, построение композиции Иванова было непривычным для зрителя. Если бы эту работу писал Брюллов, Иисус у него стоял бы по центру, будто подсвеченный софитом, как на сцене. У Иванова же Иисус на заднем плане. Видите одинокую фигуру в голубом плаще? Иоанн Креститель указывает на него. Иванов не делит персонажей на группы, как в классической живописи: они стоят единой линией. Автор не указывает зрителю, кто здесь центральная фигура, поэтому каждого хочется разглядывать подолгу и вдумчиво.

Во второй половине XIX века у русских художников расширились границы интересов и возможностей. Они стали путешествовать по восточным странам.

В конце XIX — начале XX века технический прогресс еще больше подстегнул природную страсть художников к путешествиям. Они искали для себя «место силы», центр искусства — и таким «магнитом для талантов» на стыке веков стал Париж. Попадая сюда, наши мастера смотрели на полотна импрессионистов и перенимали их технику.

Вот интересная цитата из Маяковского о Париже тех лет: «Живопись — самое распространенное, самое влиятельное искусство Франции. Не говорю даже о квартирах. Кафе и рестораны сплошь увешаны картинами. На каждом шагу — магазин-выставка. Огромные домища — соты-ателье. Франция дала тысячи известнейших имен. А на каждого с именем приходится еще тысяча пишущих, у которых не только нет имени, но и фамилия их никому не известна, кроме консьержки».

1.3 От Мане до Моне

Нормандия — одно из самых красивых мест в мире, поэтому неудивительно, что почти каждый ее уроженец питает тягу к творчеству. Дети больших городов привыкли к постоянной суете, а жители Нормандии — к скалам, морю, плеску волн и кристально чистому воздуху…

Именно там, в Нормандии, среди прекрасной природы, вырос Клод Моне. Поначалу гениальность сидела в мальчике тихо и ждала своего часа. Он был веселым пареньком с творческой жилкой, но в Гавре, где каждый рыбак — немного художник, этим никого не удивишь. Тем более что Клод рисовал не шедевры, а всего лишь ироничные карикатуры. Однако они получались отличными и продавались в центральном магазине города вместе с работами профессиональных мастеров за довольно высокую цену.

Рядом с его рисунками стояли работы Эжена-Луи Будена, которого по праву можно назвать если не отцом всего импрессионизма, то уж точно творческим отцом Клода Моне. Буден фактически отвел Моне за руку на пляж и сказал: «Тебе надо смотреть на природу, вдохновляться ею и творить!»

Благодаря Будену Моне оставил карикатуры и пришел к живописи. Он решил учиться в Париже, чтобы стать там настоящим художником. Родители были против — они и раньше не особо поощряли его страсть к искусству, а теперь и вовсе пригрозили лишить денег. Но это не заставило парня изменить мечте.

В Париже Клод встретился с потрясающей компанией: Ренуар, Сислей, Мане — они были амбициозны, талантливы и страстно хотели добиться признания, хотя атмосфера тому не способствовала.

Ренуар Сислей Мане

Во французской живописи 60-х годов XIX века господствовали другие настроения. Художники писали то, что покупалось: аппетитных обнаженных античных богинь и нимф. Такая нагота считалась приличной, потому что на картинах было изображено что-то отвлеченное, классическое, не вызывающее прямых ассоциаций с реальной действительностью. Подобные полотна украшали гостиные и кабинеты. Это так называемое салонное искусство: понятное, востребованное и приятное зрителю. Откуда пошло это название? Салон — самая престижная в Париже выставка, на которую картины попадали через строгое жюри, не питающее интерес к творческим экспериментам. Тем художникам, которые не проходили «кастинг», на успех не стоило и надеяться.

Вот что писал Ренуар другу в 1881 году: «Во всем Париже едва ли наберется пятнадцать любителей, способных оценить художника без помощи Салона, и тысяч восемьдесят человек, которые не купят даже квадратного сантиметра холста, если художник не допущен в Салон. Вот почему я ежегодно посылаю туда два портрета, хотя это, конечно, очень мало».

Картины в Салоне экспонировались очень своеобразно — методом ковровой развески: стену от пола до потолка завешивали всеми сюжетами подряд, без системы и концепции. Мы к такому не привыкли, но в XIX веке зрители даже умудрялись получать удовольствие от созерцания подобного «шведского стола».

Так случилось, что для Моне и вообще для развития импрессионизма особенно важной стала работа Александра Кабанеля «Рождение Венеры», которую тот представил в Салоне в 1863 году. Она имела огромный успех, что неудивительно: томная поза обнаженной богини, возникшей из морской пены, не могла не понравиться самой платежеспособной части населения — мужчинам из среднего класса. Для женщин имелось дополнение в виде очаровательных купидонов. Сам император Наполеон III купил работу для личной коллекции, после чего Кабанель стал безумно популярен, а спрос на полотна в стиле «Рождения Венеры» многократно вырос.

Увидев успех Кабанеля, Эдуард Мане предложил в Салон свою работу с обнаженной женщиной — «Завтрак на траве». Ее не приняли. Более того — она настолько шокировала членов жюри, что те объявили: картину нельзя показывать беременным, чтобы не спровоцировать негативные последствия. Были и те, кто предлагал уничтожить холст, стереть безобразное произведение с лица земли.

Чем же «Завтрак на траве» так разгневал публику? В композиции ничего пугающего — всего лишь два господина на пикнике в компании обнаженной. Она-то и стала причиной негодования. Если Венера может показывать нагие прелести зрителю, то земной женщине такое не дозволено. Всем понятно, что незнакомка с холста Мане — барышня определенного сорта, составляющая мужчинам компанию за деньги. Так по велению мастера состоятельные любители живописи впервые увидели на холсте не миф, а реальную жизнь, причем ту ее часть, которую скрывали от жен. Все об этом знали, но никто не говорил вслух.

Второй шок — продажная женщина смотрела зрителям прямо в глаза! Раньше, до Мане, героини картин редко глядели на публику, их взгляд был направлен в сторону или в пространство. Смелый прямой взгляд стал для многих шоком и вызовом.

Так Мане не попал в Салон, но оказался в хорошей компании. В тот год жюри отвергло настолько много картин, что разразился скандал, в который пришлось вмешаться самому Наполеону III. Он посмотрел некоторые не допущенные полотна и разрешил открыть для них отдельную выставку — «Салон отверженных». Следом за работами, не угодившими поклонникам академизма, на выставку хлынули зрители — но не из любви к искусству, а из желания посмеяться. В итоге «Салон отверженных» посетило больше народу, чем официальный.

Помимо сюжета, Мане раздражал массы техникой исполнения. Вся салонная жизнь была гладкая — в буквальном смысле: картины писались мельчайшими мазками, которые растворялись друг в друге и выглядели словно фарфоровые. Мазки Мане — крупные, рельефные, отчего зрителям казалось, будто он просто не успел довести работу до конца.

В общем, новатор и провокатор хорошенько встряхнул арт-мир и открыл совершенно новую страницу в истории живописи. «Завтрак на траве» фактически поставил точку в классическом искусстве и открыли дверь в новый период, где многое дозволялось.

Но помимо ненавистников, были у Мане и поклонники: Моне, Ренуар, Дега и прочие молодые передовые художники просто сходили с ума по его работам! Мане был гораздо старше вышеперечисленных коллег и не считал себя импрессионистом. Они же видели в нем путеводную звезду и гуру. Например, Клод Моне сразу решил написать «Завтрак на траве» в своей интерпретации.

Это полотно тоже стало сенсацией. В нем появилось что-то совершенно новое для живописи: свет стал чуть ли не полноценным персонажем картины! Своенравным и непредсказуемым. До Моне освещение на полотнах было театральным, словно мольберт подсвечивался софитами. Он же писал свет реалистично, что будто переносил зрителя в центр его картин.

Здесь стоит сделать отступление и провести небольшой ликбез, как различать творчество Клода Моне и Эдуарда Мане. Легко запомнить такую шутливую формулу: Моне — это пятна, а Мане — это люди. В целом она хорошо передает суть различия. Эдуард Мане действительно часто писал сюжеты с акцентом на людях. Изображение человека у него обычно довольно объемное, хотя и не такое точное, как в академической живописи.

У Клода Моне самое важное на картине — свет и цвет, а люди уходят на второй план, как дополнение пейзажа. В фигурах нет объема, художник будто помещает их на полотно в качестве отражателей солнца. Кстати, Моне практически никогда не использовал черный, как, впрочем, и все остальные импрессионисты. Мане себя импрессионистом не считал и черный цвет использовал.

Но вернемся к борьбе традиций и новаторства в Париже 1860–1870-х годов. После нескольких Салонов молодые художники решили, что больше не хотят плясать под дудку жюри, нашли спонсоров (в основном среди родителей) и открыли собственную выставку, собравшую 174 гостя. По меркам того времени это было катастрофически мало, да и пришедшие явились ради смеха.

«Обои, и те смотрелись бы более законченными, чем это „Впечатление“. Потрясающе!» — это слова критика Луи Леруа о картине Моне «Впечатление. Восходящее солнце».

Моне вошел в историю как исключительный мастер, критик — как человек, из чьего ехидного комментария родился термин импрессионизм (от французского impression — впечатление). Сначала слово звучало как насмешка, а сегодня ассоциируется с работами, которые радуют глаз и стоят заоблачных денег.

Импрессионизм не только красивый, но и умный. Этот красочный эмоциональный стиль имеет под собой научный фундамент, который создали двое людей: Гельмгольц и Шеврёль. Немецкий физик Герман Людвиг Фердинанд Гельмгольц хорошо изучил особенности человеческого зрения, которые позволяют нам «складывать» множество цветных точек в одно изображение. Это используется не только в живописи — ведь даже телекартинка складывается из множества пикселей.

Этой особенностью зрения пользовались художники-импрессионисты: они перестали смешивать краски на палитре и стали накладывать смелые мазки разных цветов рядом друг с другом. Вблизи это выглядело, как множество разноцветных точек, но с расстояния они сливались в единую композицию.

Второе важное достижение научной мысли, которое помогло импрессионистам сделать искусство совершенно другим — тюбики. Раньше краски хранились в маленьких мешочках, носить с собой их было невозможно: они высыхали и требовали перетирания, что легче было делать в мастерской, чем «на коленке». Поэтому художники делали зарисовки на природе, а до конца работу доводили в четырех стенах.

Импрессионистов стены не ограничивали: они брали тюбики с красками, находили красивое место, ставили мольберт — и творили. Из-за этого кто-то из современников пошутил, что в лесу и на полях художников теперь было больше, чем фермеров.

Чтобы понять принципы импрессионизма, нужно хорошо изучить работы Клода Моне. В его искусстве присутствуют абсолютно все основные черты этого направления. Взять хотя бы знаменитый «Руанский собор».

Это цикл из тридцати картин, на которых строение написано в разное время года и суток, с разным освещением. Моне писал его в 1890-х годах. Внимание к свету, смелые сочные мазки, эмоциональность — здесь есть все, что сделало импрессионистов тем свежим воздухом, который постучал в окно скучного Салона.

Картина Моне «Бульвар Капуцинок в Париже» хорошо демонстрирует важное отличие импрессионизма от академизма — неправильную композицию. Сторонник традиций обязательно придал бы полотну театральности: привлек бы внимание зрителя к центру холста, написал бы сценический свет, затемнив края полотна, будто кулисы, а еще отдал бы предпочтение пирамидальной композиции, выстроив персонажей в виде пирамиды или треугольника. В академической живописи все делалось по принятой схеме. У импрессионистов все было спонтанно, живо, легко. Обрезанная композиция — их конек, что мы и замечаем на «Бульваре Капуцинок в Париже». Люди в цилиндрах смотрят с балкона и словно не помещаются в кадр, как на снимке фотографа, который не умеет строить композицию. Импрессионисты нарушали правила, чтобы передать эмоции, жизнь, реальность. Импрессионисты любили спонтанность и движение.

В своих картинах Моне поймал впечатление на кисть — это то к чему стремились импрессионисты.

Под конец жизни его стиль довольно сильно изменился: Моне ушел в практически абстрактную живопись. Форма растворилась в свете. Из-за проблем со зрением и последующей операции у него изменилось видение цвета. Так что сияние вокруг легендарных «Кувшинок» это не фантазия: художник и в самом деле видел их такими.

1.4 Прекрасная эпоха модерна

«Какая красота!» — первая реакция человека на произведение эпохи модерна. В разных странах стиль находил новое имя: в России он назывался модерн, во Франции — ар-нуво, в Италии — либерти, в Австрии — сецессион, в Германии — югендстиль, в Америке — тиффани, в Испании — модернизм. В принципе достаточно запомнить два термина: модерн — его используют искусствоведы, и ар-нуво, так как именно во Франции этот стиль развился лучшим образом, охватив разные области жизни.

Эпоха модерна была короткой, но яркой. Она продлилась с 1889 по 1914 год, до начала Первой мировой войны. В 1889 году состоялась Всемирная выставка в Париже, на которой представили Эйфелеву башню. Запомните две точки на линии времени: Эйфелева башня и Первая мировая война. Между ними случился ар-нуво. Это был благодатный период, когда в Европе царил мир: франко-прусская война закончилась, а Первая мировая еще не началась, и люди стремились жить в красоте и спокойствии. В такой атмосфере расцвел модерн — последний большой стиль в истории искусства.

Что такое большие стили?

Это классицизм, барокко, рококо и т. д. — те направления, которые охватывали все сферы искусства и даже быта: живопись, графику, архитектуру, дизайн мебели, ювелирных украшений, одежды… Модерн появился во всех перечисленных сферах.

В XX веке нормой стало параллельное развитие множества течений. Только в живописи одновременно существовали абстракционизм, кубизм, соцреализм и много чего еще. Единого стиля уже не появлялось — с Первой мировой и до сегодняшнего дня мы живем в новом культурном пространстве, где не бывает так, что все подчинено одним законам.

Модерн — это особый, знаковый период. Но прежде чем разбирать его тонкости, надо понять, что подтолкнуло к нему художников, архитекторов и поэтов. Да-да, модерн проявился и в стихах через строки символистов. В России период расцвета символизма — это Серебряный век, следовательно, Ахматова, Бальмонт, Блок — это тоже модерн.

Большую часть XIX века в Европе и Америке царил стиль, который в России называется эклектикой, а во всем мире — историзмом. Он напоминал конструктор: брались элементы прежних стилей (барокко, классицизма, готики) и, как декор, накладывались на современные строения.

Примеры такой архитектуры — это Исторический музей и ГУМ, который оформлен в виде древнерусского терема, но на самом деле это декорация, наложенная на современную (для того времени) конструкцию.

Многих в то время печалило, что искусство (и архитектура, в частности) потеряло душу. Оно стало настолько приспосабливаться к запросам человека, что испарилась «химия», волшебство. Образцы историзма казались вторичными и навевали тоску. На этом фоне возникла жажда чего-то нового. Тут и появился модерн: стиль, который перечеркнул все старое.

Модерн родился в Англии, а отцом его можно считать Уильяма Морриса, о котором мы говорили в главе о прерафаэлитах. Он был мыслителем, архитектором, художником, а кроме того — в своем роде пророком. Еще в середине XIX века мастер понял, что проблема человечества в урбанизации, в том, что город в конце концов поглотит своих жителей, высосет их энергию. Он был прав: мегаполис съедает нас, утомляет сверхскоростью, а мы зависим от него.

Он решил, что спасаться нужно в природе: уезжать из городов и жить в сельской местности, среди зелени, природы и вне суеты. Мастер возвел знаменитый «Красный дом», который был для него примером идеального пространства. Этот проект стал вехой в истории дизайна. Внутри дома все сообщает гостю покой: после неторопливой прогулки хочется зайти внутрь, сесть в кресло-качалку у камина, удобно поставить ноги, читать и мечтать. Этого архитектор и добивался: для него на первом месте стояла гармония человека и мира вокруг.

Моррис был одним из первых архитекторов нового времени, которые создавали проект от и до. Он спроектировал не только внешний вид, но и всю «начинку»: от кресел до дверных ручек. Каждая мелочь в доме сообщала гостю комфорт и спокойствие.

Художники модерна предпочитали все необычное: лилии, кувшинки, маки, орхидеи, гортензии, хризантемы, водоросли цветки цикламена — что-то такое, на что раньше живописцы и архитекторы не обращали особого внимания. Но только не розы! Они ассоциируются с классическим искусством, а модерн — это искусство новое.

Хрестоматийный образец модерна — орнаменты чешского художника Альфонса Мухи. Особое внимание стоит обратить на волосы, которые переплетаются и являются частью узора, словно живут своей жизнью.

Альфонс Муха получил признание после знакомства с Сарой Бернар — величайшей актрисой, иконой стиля того времени. Он, чешский паренек, только объявился в Париже и был никому не известен. Саре Бернар требовалось срочно получить афишу, но дело было под Рождество и никто не хотел работать. Муха взял заказ и в результате прославился на весь мир. Его плакат спектакля с Бернар произвел эффект разорвавшейся бомбы и фурор. По ночам за афишами велась охота: каждый хотел сорвать кусочек легенды себе в коллекцию.

Сара Бернар оставалась музой Альфонса долгие годы. В день их знакомства ей было пятьдесят, ему — тридцать четыре, но все были в восторге от этой прекрасной женщины и культовой фигуры своего времени. «Госпожа Сара Бернар как бы создана для изображения удрученного скорбью величия. Все ее движения исполнены благородства и гармонии», — говорили о ней. Она была иконой стиля конца XIX века. Но Муха однажды сказал, что она прекрасна только при искусственном освещении и самом тщательном макияже. Вот так бывает: она сделала художнику имя, а он наградил ее такими «комплиментами».

Альфонс Муха создал еще несколько работ с Бернар, и самой популярной стала афиша трагедии «Медея». Согласно древнегреческому мифу, Ясон, который ходил на корабле «Арго» за золотым руном, был мужем Медеи, у них было двое детей. Когда Ясон полюбил другую женщину, Медея из ревности убила собственноручно и новую избранницу супруга, и общих с ним сыновей.

На руке Медеи Альфонса Мухи мы видим змейку. Посмотрев на афишу, ювелир Жорж Фуке решил в реальности воссоздать такое украшение для Сары Бернар. Она с радостью носила его на спектакли и светские приемы. Благодаря сложной конструкции, змейки двигались, и казалось, будто они живые.

Женщины в то время хотели выглядеть, как героини мистических пьес, как Медея. Они активно использовали белую пудру и рисовали тёмные круги под глазами. Если у тебя, упаси Бог, есть румянец на щеках, значит, ты крестьянка и работаешь в полях. У настоящей светской женщины его быть не может! Её «выдают» темные круги, бледное лицо и постоянная головная боль. Женщины пили уксус и специально не высыпались, чтобы выглядеть нездоровыми.

Пример видной красавицы того времени — Адель Блох-Бауэр. Это дочь генерального директора Венского банковского союза Морица Бауэра, известная по портрету «Золотая Адель» (1907) кисти Густава Климта. Он считается одним из самых значительных произведений венского югендстиля.

Во время его путешествия в итальянский город Равенну, художник увидел византийские мозаики и так впечатлился этими золотистыми кусочками смальты, что решил привнести элемент в свое искусство. Много золота в самом известном произведении Климта «Поцелуй». Еще в нем заметна очень характерная черта модерна: один элемент написан реалистично (здесь это лицо девушки и фигура мужчины), а все остальное — буйство орнамента.

Поэтому, если вам кажется, что искусство и быт несовместимы, вспоминайте прекрасную эпоху ар-нуво, когда художники проявляли себя всюду — даже в создании дверной ручки.

1.5 Сюрреализм

Художественное направление сюрреализм сформировалось к началу XX века (от французского surrеalisme — буквально «сверхреализм», «над-реализм»), но аллюзии и парадоксальные сочетания существовали в искусстве задолго до того.

Одилон Редон — один из предвестников сюрреализма. Его пастели восхитительны. Представьте: на дворе 80-е годы XIX века, в моде импрессионизм, а Редон работал так, как стало модно только в XX веке. Его творения близки к абстракциям и одновременно населены необычными персонажами. Невозможно четко объяснить, что он имел в виду. Это важная особенность сюрреализма: в нем нет однозначной оценки, можно лишь предполагать, что автор подразумевает. Зрителю дается свобода для интерпретации.

Что Редон вложил в образ плачущего паука? Ответ каждый ищет самостоятельно.

Важно понять, что сюрреализм — это явление не новое. Оно появилось именно в тот момент, когда человек решил изобразить подсознательное. Редон родился в 1840 году и умер в 1916-м, все его «странные» работы созданы в 80-е годы позапрошлого века.

После случилась пауза, когда художники больше увлеклись эстетикой, чем играми разума — это был период ар-нуво. Затем началось время авангарда. Появился яркий персонаж — Казимир Малевич. На выставке в 1915 году он выставил «Черный квадрат», поместив его в красный угол, туда, где вешали икону. Этим дерзким жестом он заявил, что пришло время перемен.

Малевич открыл дверь эксперименту, и художники-дадаисты буквально вломились в нее и побежали грязными ботинками по коридору. Главный дадаист Марсель Дюшан довел искусство до абсурда (это слово — главное в характеристике дадаизма). Абсурд — первая ступенька к сюрреализму, ведь по большому счету все, что творится в нашем подсознании — абсолютно нелогично.

Дюшан заявил, что классическое искусство умерло. Любой может стать художником и превратить подручный предмет в произведение. В 1917 году он взял писсуар, подписал, и назвал композицию «Фонтан». Кого-то его эпатаж обескураживает до сих пор, а представьте, что творилось с публикой сто лет назад! Сегодня у нас в голове большая визуальная картотека: мы постоянно что-то смотрим в интернете и на выставках. Для современников Дюшана, привыкших видеть красивые «причесанные» картины, писсуар был шоком.

В 10-е и 20-е годы позапрошлого века дадаисты своими шалостями старались расшатать устои до основания, желая построить нечто принципиально новое. Но в конечном итоге они выросли из этого баловства. Приближался момент нового прыжка…

Есть у Дюшана такое произведение: стул, на котором стоит велосипедное колесо. Это творение стало одним из первых шагов к сюрреализму. Андре Бретон написал манифест сюрреализма, в котором провозглашал: «Красота — это случайная встреча швейной машинки и зонта на анатомическом столе». Что родится после такого свидания? Появится сочетание несочетаемого: соединение в одном произведении разных историй, вещей и понятий.

Одним из вдохновителей сюрреалистов стал Зигмунд Фрейд. В это время он был на пике популярности и художники очень увлекались его теориями. Благодаря Фрейду они узнали, что сновидения — это деятельность подсознания, а сны — реальная работа мозга, но с другой скоростью.

Фрейд стал для сюрреалистов иконой, кумиром, их картины во многом отвечали его теориям. Джорджо де Кирико, родившийся в Греции и работавший в Италии, был растворен в теории подсознания психотерапевта.

На картинах де Кирико всегда звенящая пустота: людей нет — однако тени выдают приближение кого-то большого и страшного. Он повергает в состояние, похожее на пробуждение от тревожного сна. Кажется, вы только открыли глаза и все помните, но еще не можете объяснить, что же с вами произошло.

Картины де Кирико — вместилище загадочной трагедии. Там нет персонажей, но есть понимание: здесь случилось нечто странное. Кажется, в пространстве его полотен есть эхо, будто голоса и смех невидимых людей отражаются о пустоту. Работа подсознания зрителя — неотъемлемая часть его искусства.

Стоит отметить, что Джорджо де Кирико творил в промежутке между двумя мировыми войнами. Важно всегда воспринимать искусство в контексте времени. После такого количества жертв мир не остался прежним. Абсурд сюрреалистов и дадаистов — это реакция на трагедию. Какой смысл вешать картины с идеальными мадоннами и пейзажами, когда жизнь перестала цениться? Человечество превратилось в машину для самоуничтожения.

Вот почему у де Кирико ощущение трагедии вытеснило чувство радости. Его картины пронизаны бесконечной натянутой тишиной. Иногда на них мы видим механизмы, которые выглядят, как живые. Это связано с нарастанием технического прогресса. Неизвестно, думал ли художник про восстание машин, но эти персонажи будто взяты из фантастического фильма будущего. Кажется, что механизм караулит кого-то. Возможно, последнего человека на земле? Мы можем сколько угодно домысливать сюжеты де Кирико. В этом их сила! Это настоящее искусство, которое провоцирует людей на размышления.

Фрейд вдохновил художников на интересный творческий метод. В его основе — особенность человека делать некоторые действия «на автомате». Разговаривая по телефону, многие наверняка рисуют в блокноте. Порой получается такая красота! Это не просто «каляки-маляки», а техника автоматического письма. С ее помощью сюрреалисты создавали как живописные произведения, так и поэтические.

Сюрреалисты боролись за свободу фантазии, творчества и мысли. Какими способами? Писали, например, такие произведения:

Свисают бесцветные газы

Щепетильностей три тысячи триста

Источников снега

Улыбки разрешаются

Не обещате как матросы

Львы полюсов

Море море песок натурально

Бедных родителей серый попугай

Океана курорты

Семь часов вечера

Ночь страны гнева

Финансы морская соль

Осталась прекрасного лета ладонь

Сигареты умирающих.

Автор этих строк — Филипп Супо. Попробуйте как-нибудь, находясь в разных состояниях, выписать на бумагу первые мысли, не анализируя, а потом прочитать их. Можете воплотить этот эксперимент вместе с детьми. Детские строки, как правило, позитивны. У взрослых больше негативных мыслей.

Еще один необычный метод — способ счастливых случайностей. Как это делалось? Например, художники становились на возвышение и кидали на холст или бумагу краску — как растечется, так и будет. Это напоминало гадание на кофейной гуще. Из эксперимента рождались полотна и коллажи счастливой случайности — словно это не художник создал, а случай. Таким творчеством тоже можно заниматься с детьми.

Одним из известнейших сюрреалистов был Сальвадор Дали.

Любимый образ художника — слоны с удлиненными ногами. Один такой пробегает на картине «Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения». С помощью длинного названия автор хочет помочь нам включить подсознание, заметить каждую деталь и «прочитать» сюжет на свой лад.

Почему Дали любил слонов? Ответ нам поможет найти Фрейд. Дали говорил, что слоны — самые прекрасные на свете животные. Когда возникает опасность, слониха выставляет ребенка вперед, а сама убегает. У Сальвадора были проблемы во взаимоотношениях с матерью, поэтому такое поведение животного ему подсознательно казалось правильным.

Травмы из детства художник не скрывал. Основным в картине Дали «Загадки желания: мою мать, мою мать, мою мать» является объект, пронизанный отверстиями и разделенный на ячейки. Он ассоциируется с мозгом. Большинство ячеек содержат надпись «ma mere» («моя мать»), но некоторые художник оставил пустыми — для других навязчивых идей. В центре сюжета — странная скала, которая заканчивается профилем Дали. Этот профиль, терзаемый жуками, появляется на многих картинах, как и слон.

Его мы видим и в «Постоянстве памяти. Мягкие часы». Многие считают, что растекающиеся часы — намек на теорию относительности, с которой художник был знаком. На часах сидят муравьи. В древнемарокканской традиции существовал обряд: когда люди спали летаргическим сном, для поддержания жизни их кормили муравьями. Дали создал сумасшедшую систему символов: время течет, ведь все мы бренны, но тут есть муравьи — а значит, и шанс на жизнь. В этих смысловых наслоениях можно копаться бесконечно. Однако сам Дали комментировал работу со свойственной ему иронией. Автор заявлял, что на создание часов его вдохновил камамбер, который плавится на солнышке.

Сюрреалисты не поучают, не дают ответов, но помогают нам взглянуть внутрь себя и поставить правильные вопросы — а они подчас важнее, чем готовые решения. Это послевкусие заставляет зрителя возвращаться к сюрреализму бесконечно.

1.6 Путеводитель по современному искусству

XX век — время новых слов в искусстве. Перечислим лишь некоторые: супрематизм, кубизм, кубофутуризм, футуризм, реди-мэйд, ассамбляж, инсталляция и видеоинсталляция, перфоманс, флешмоб… Это понятия современного искусства, с которыми нам предстоит познакомиться.

Некоторые называют его надутым мыльным пузырем: цены высокие, а разобраться сложно. Чтобы ситуация начала проясняться, нужно снова вспомнить «новую икону искусства» — «Черный квадрат» Малевича, который на первой выставке наделал шума и многих продолжает возмущать до сих пор. И тем не менее он стал отправной точкой для всех художников, которые вдруг поняли, что впереди новая эра, и можно работать, используя совершенно другие категории и критерии — не такие, как были у старых мастеров.

Например, в 1912 году Пабло Пикассо создал «Натюрморт с плетеным стулом». На картине есть фрагмент спинки настоящего стула из кафе. Наверняка, на нем сидел какой-то друг Пикассо. Художник просто вынул эту часть и вклеил в композицию. Таким образом картина постепенно начала выходить из 2D пространства в 3D.

Появляется такое явление, как футуризм.

Чем характеризуется начало XX века? Люди начали перемещаться гораздо быстрее: распространились машины и самолеты. Чтобы передать ощущение скорости в живописи, художники придумали приемы, сумма которых и называется футуризмом. Футуристы изображали не действительность, а то, как она движется в пространстве. Например, в работе «Скорость мотоцикла» итальянский футурист Джакомо Балла изобразил движение колеса в нескольких проекциях. Благодаря этому мы понимаем и чувствуем, как быстро едет этот железный конь.

На футуризме художники не успокоились. Началось хулиганство, которое называется реди-мэйд (от английского ready — «готовый» и made — «сделанный»). В 1917 году Дюшан поставил писсуар на пьедестал и назвал это произведением искусства. Этим актом он продолжил разрушение классического искусства, которое начал Малевич. Он не просто поставил жирную точку, а растоптал все старое ногами и сказал, что художникам не нужно больше подражать природе. Можно взять что угодно из окружающей реальности и сказать, что это — произведение искусства. Зритель примет, потому что художник выбрал из всего многообразия мира именно этот объект и возвел его в ранг искусства.

Это и есть readу-made — «готовое искусство». Художники брали предмет (например, велосипедное колесо) и ставили на постамент. В этот момент происходила своеобразная инициация. На постаменте колесо велосипеда превращается в арт-объект. Представьте себе людей, которые были совсем не из компании Дюшана. Они воспринимали его метод как хулиганство. Даже у нас до сих пор шок от такого, но ведь это как раз и есть основа того, что сейчас является современным искусством.

Дальше родилось еще одно интересное понятие — ассамбляж. Сначала художники поняли, что можно вытащить любой объект из реальности и сказать: «Я — художник, я считаю, что это — произведение искусства». Потом некоторые решили, что можно взять не только готовый объект, но составить его из других знакомых предметов. Это и есть ассамбляж. Посмотрите на американца Роберта Раушенберга и его «Одалиск» (1955).

Это просто забава, здесь нет никакой подосновы и глубокой концепции. Художник — как ребенок, который учится говорить и произносит отдельные слоги. Потом они соединяются воедино, и ребенку это нравится, он повторяет уже целые слова. Так вот ассамбляж — это примерно то же самое. Художник берет составляющие реальности и приставляет друг к другу — порой в совершено несуразном сочетании.

Интересно, что ассамбляж вышел из readу-made, а readу-made имеет свое название в истории искусства — дадаизм. Дадаизм означает «детский лепет».

Перейдем к другому виду современного искусства — к перформансу. Это искусство в действии, у которого есть «родственники»: хеппенинг и флешмоб.

Перформанс — произведение современного искусства, в котором есть идея, концепция, но она реализуется не за счет неодушевленных объектов, а за счет действия по заготовленному сценарию. Перформанс обычно документируют: снимают видео, фотографируют, а потом выставляют документацию в качестве произведения искусства.

Перформанс «Ритм 0» 1974 года Марины Абрамович — один из самых знаковых в истории искусства. На шесть часов художница превратилась в арт-объект. Она встала в галерее перед зрителями, а на столе перед собой разместила 72 предмета, которыми люди могли пользоваться как угодно. Некоторые вещи могли доставлять удовольствие, другие — боль. Среди них были ножницы, нож, хлыст, розы с шипами и даже пистолет с одним патроном. Художница разрешила публике в течение шести часов манипулировать ее телом и движениями. Она стояла, как недвижимая кукла.

Сначала посетители не были вовлечены. Но потом они вошли во вкус и начали проявлять те человеческие качества, из-за которых случились две мировые войны, фашизм, бесчисленные убийства евреев и другие ужасы. Гости выставки, которые еще час назад выглядели как приличные члены общества, ранили художницу, разрезали ее одежду, брали розы и кололи тело шипами. Один человек ножом надрезал горло Абрамович и пил ее кровь. Другой приставил к ее голове пистолет. К счастью, это вовремя заметили, началась драка и посетителя вывели. Спустя шесть часов, когда перформанс окончился и художница начала двигаться, люди в страхе бежали, как будто с глаз спала пелена. Они залезли в свою тайную сущность, увидели жестокость и, опомнившись, испугались самих себя.

Марина Абрамович потом говорила, что это самое страшное, что с ней случилось в жизни. Шрам на шее остался. Но ее пугал не порез, а степень людской жестокости.

Хеппенинг — это еще одна форма современного искусства, представляющая собой действия, события или ситуации, которые происходят при участии художника, но легко могут выйти из-под контроля. Он обычно включает в себя импровизацию и не имеет четкого сценария — это главное отличие хеппенинга от перформанса.

Самый известный хеппенинг в истории искусства провели Йоко Оно и Джон Леннон. Они много дней лежали в постели и создали слоган Make Love Not War в знак протеста против войны во Вьетнаме.

Современное искусство может помогать человеку меняться.

1.7 Мои рекомендации для работы с современным искусством неподготовленному зрителю

1. Поймите, что это и зачем оно вам

Наиболее распространённых мнений два. Либо что современное искусство — это какое‑то надувательство, а те, кто им интересуется, просто снобы. Либо что для его понимания нужно иметь художественное образование, а обычному человеку его никогда не понять. Но как бы современное искусство ни отличалось от классического, оно часто говорит о том же: об эмоциях, поисках себя, окружающем мире и нашем месте в нём. Просто делает это совсем по‑другому не словами, а образами.

Не спешите говорить, что такое совсем не для вас. Современное искусство настолько обширно, что каждый сможет отыскать что‑то для себя. Наверняка найдётся что‑то, что тронет именно вас и окажется созвучным вашему личному опыту.

Можете начать с более привычных всем музеев и галерей. Просто откажитесь от ожидания увидеть на выставке что‑то «красивое», потому что в современном искусстве главное не красота, а идея и то, как она выражена.

2. Усвойте общие принципы

Первое, что характерно для современного искусства, – разнообразие. И это касается всего: материалов, форм выражения, концепций и тем. Сейчас нет единой идеологии или «изма».

Такое разнообразие сбивает с толку неподготовленного зрителя. Но именно благодаря ему современное искусство, как зеркало, отражает наше общество и культуру. Оно становится инструментом, с помощью которого можно по‑новому взглянуть на привычное и переосмыслить его.

Вторая важная черта — активное участие зрителей в формировании смысла произведения. Некоторые художники говорят, что зритель дополняет или даже завершает его, привнося собственные размышления, толкования и опыт.

Это особенно характерно для перформансов и хэппенингов Произведением искусства становятся действия, происходящие при участии художника, но не контролируемые им полностью. . В них зритель максимально вовлечён в создание произведения.

Не путайте эти жанры с акционизмом. В нём акцент тоже переносится с художественного произведения на процесс его создания, но акции — это чистый жест, декларация. Они часто носят более радикальный, политический, протестный характер.

И в‑третьих, важность объекта современного искусства заключается не в его физической форме, а в смыслах, формирующихся в процессе толкования. Они дополняют те идеи, которые изначально вдохновили автора. Благодаря этому искусство провоцирует нас размышлять о том, что происходит в сегодняшнем мире.

3. Ходите и смотрите

Есть два подхода знакомства с современным искусством.

Первый — понять, почему оно возникло и как связано с предыдущими направлениями. «В противном случае мы будем воспринимать произведения лишь на уровне узнаваемой по силуэту картинки, а в современном искусстве первого уровня зачастую просто нет», — пишут авторы книги «Современное искусство и как перестать его бояться». Чаще всего советуют начать с импрессионистов и проследить историю развития искусства до наших дней.

Второй подход прямо противоположен — просто смотреть на работы, не углубляясь в историю.

«Остановитесь. Дышите. Расслабьтесь. Не думайте, просто смотрите, впустите его в себя. Впитайте окружающую обстановку, ощутите пространство перед собой, освободите сознание, дайте внутреннему монологу отойти на второй план, а глазам — привыкнуть», — пишет британский художественный критик Оссиан Уорд в своей книге «Искусство смотреть». Он советует глядеть «на каждое произведение, как будто вы впервые сталкиваетесь с чем‑то подобным, будь то картина, скульптура или некая не поддающаяся определению инсталляция».

Выбирайте наиболее приемлемый для вас подход, а лучше всего пробуйте оба. И в любом случае спрашивайте себя: «Что я здесь вижу? Что чувствую? Что автор делает, чтобы я это почувствовал?». Если испытали что‑то новое, неважно приятное или нет, вполне вероятно, вы уже поняли замысел художника.

Обратите внимание на то, из каких материалов сделан объект, что они вам говорят, какие ассоциации вызывают. Потом подумайте, не ссылается ли он на другие произведения искусства. Для этого прочитайте текст на сопроводительной табличке, поищите информацию в интернете, вспомните, что вы уже видели раньше.

Если после всего этого объект по‑прежнему вызывает недоумение или отторжение — ничего страшного. Вы не обязаны любить каждое произведение, даже если кто‑то другой считает его гениальным. Ходите, смотрите, взаимодействуйте, обсуждайте и вы найдёте то, что вызовет у вас отклик и желание узнать больше.

4. Расширяйте кругозор

Читайте книги. Чаще заглядывайте на сайты музеев: они регулярно выставляют подборки книг по определённой теме или советуют, что почитать к какой‑то выставке. Музеи часто выкладывают записи своих лекций на YouTube.

5. Будьте более открытым к новым идеям

Современное искусство раздвигает привычные рамки, а значит, для его понимания и вам придётся выходить за собственные границы мышления и избавляться от стереотипов. Не отмахивайтесь от чего‑то только потому, что оно кажется вам странным и непонятным. Вспомните, что импрессионизм тоже когда‑то считался бездарной мазнёй, а сейчас воспринимается как классика живописи.

«Задача художника не в том, чтобы доставлять эстетическое удовольствие — для этого есть дизайнеры, — а в том, чтобы немного отстранившись от мира, попытаться его осмыслить или высказаться о нём при помощи идей, единственное назначение которых — быть идеями», — пишет автор книги «Непонятное искусство». Впустите эти идеи в свою жизнь и они станут для вас вдохновением.

2. Практическая часть

Я провела опрос, для того выяснить какое направление в искусстве пользуется большей популярностью среди учеников и учителей.

Как показывает диаграмма, учителям больше понравились произведения романтизма и модернизма, в то время как школьникам – сюрреализма и импрессионизма. Я думаю, полученные результаты связаны с тем, что подростков больше привлекают в картинах яркие краски, движение и необычный сюжет, а взрослых – размеренность, форма и близость к действительности. Из чего можно сделать вывод: ученики более восприимчивы к современному искусству, нежели взрослые.

3. Заключение

Современное искусство — это искусство, говорящее о нашей жизни и ее проблемах. Оно не обязано нам нравится, его смысл в том, чтобы транслировать смыслы, не выразимые словами. Художник говорит на языке образов тогда, когда слова бессильны. Искусство всегда созвучно своему времени, оно современно и отражает мировоззрение общества в целом.

Современное искусство — это нечто, соприкасаясь с которым мы чувствуем, что оно говорит в нас и про нас. Здесь и сейчас.

Современное искусство требует знаний. Оно закодировано, и чтобы понять, нужно знать язык, код. И без этого никуда. Поэтому если вы хотите понимать искусство, начните с истории.

4. Список литературы

1. «Влюбиться в искусство. От Рембрандта до Энди Уорхола» Анастасия Постригай

2. https://lifehacker-ru.turbopages.org/lifehacker.ru/s/sovremennoe-iskusstvo/

3. https://veryimportantlot.com/ru/news/blog/sovremennoe-iskusstvo

4. https://gallerix.ru/pedia/modern-art/