Соната как основная форма классических ансамблей

Соната как основная форма классических камерных ансамблей Преподаватель оркестровых инструментов Астафьева Е.В. Знакома ли вам настороженная тишина, которая наступает в концертном зале, когда артисты уже вышли на сцену и едва слышно настраивают свои инструменты? Нетерпеливо ждешь первых звуков, радостно думая, что впереди- целый вечер музыки. …Мягко, даже вкрадчиво пропела первую фразу виолончель. Как будто кто-то нерешительно задал вопрос, оставшийся без ответа. Второй и третий раз повторяется фраза. Но реплики фортепиано не дают ответа. Они лишь подчеркивают неопределенность маленького диалога, где «ответы» не отвечают вопросу, а как бы переспрашивают с такой же вопросительной интонацией. И, словно окончательно убедившись в тщетности своих усилий, замолкает мелодия виолончели, растворившись в фортепианной звучности. Энергичные аккорды нарушают оцепенение. Ярко, полнозвучно откликнулась им виолончель. Нарастает динамика, ускоряется движение, и вот уже музыка полна воли и страстного напряжения. Так начинается соната для виолончели и фортепиано Сергея Васильевича Рахманинова – одно из замечательных произведений камерно- инструментальной музыки, этой «великолепной отрасли музыкального искусства», обладающей, по словам Чайковского, «литературой более богатой, чем все остальные роды музыки» Итальянское название sonata (соната) произошло от латинского «sonare»-звучать. Впервые оно встречается в конце 16 века: однако тогда сонатой называли всякое инструментальное произведение, в отличии от сочинения, предназначенного для пения, - кантаты ( от латинского «cantare»- петь). Сонаты обычно писались для четырех инструментов: трех струнных и одного клавишного (например, две скрипки, виолончель и орган или клавесин ). По своему строению соната состояла из нескольких разнохарактерных пьес, как правило, не связанных между собой по содержанию. Такие сонаты писали многие крупные композиторы 17-18 веков, в том числе А.Корелли, А.Вивальди, Д.Тартини. Однако, как особая форма, имеющие свои строгие законы построения и развития, соната сложилась лишь к концу 18 века в творчестве великих композиторов-классиков И.Гайдна, В.А.Моцарта и особенно Л.Бетховена. Именно с этих пор сонатой называются произведения для одного или двух инструментов, написанное в виде сонатного цикла, то есть состоящее из нескольких частей, объединенных единой мыслью. Непременным условием такого цикла является и то, что хотя бы одна из его частей, чаща первая, должна быть в сонатной форме. Сонатная форма, или, как часто ее называют, «сонатное аллегро» , с ее ярким противопоставлением различных по характеру тем и их активным развитием, дает большие возможности для воплощения в ней самых разнообразных замыслов. Вторая часть сонатного цикла- обычно лирическая, медленная (условно ее называют Andante). Драматургические задачи этой части не столь сложны, как задачи первой, поэтому и форма здесь проще- обычно трехчастная или вариационная. Для последней части - финала- характерен быстрый темп и почти всегда радостные, светлые настроения. Нередко в финалах используются народные песенные темы и танцевальные ритмы. Помимо сонатной формы или вариаций, встречаются финалы в форме рондо (от французского слова «rond» - круг), особенность которой составляет неоднократное вращение вокруг нее всей остальной музыки. Сонатный цикл может быть и четырехчастным за счет еще одной части, чаще всего- менуэта (танец, распространенный в 18 веке) или скерцо («scherzo»- по- итальянски шутка). Обычно название «скерцо» относится к подвижной пьесе, бодрой и энергичной по характеру, с контрастирующим трио в середине. Однако в дальнейшем своем развитии форма скерцо далеко не всегда оправдывает название шутки. Содержание многих скерцо весьма значительно, а иногда и по-настоящему драматично. Разобранный здесь тип сонатного цикла наиболее распространен, но его ни в какой степени нельзя считать обязательным. Иногда композиторы изменяют количество частей сонатного цикла, темпы каждой из них и порядок их последовательности. Известны камерные сонаты вовсе без медленных частей (композиторы Гайдн и Моцарт заменяют их обычно менуэтом). Иногда медленной оказывается первая или третья часть, встречаются и медленные финалы. Классическую ансамблевую сонату, то есть сонату, написанную для нескольких исполнителей, обычно называют по числу участников: для двух исполнителей – скрипки или виолончели, или какого-либо духового инструмента (кларнета, валторны) с фортепиано – сонатой-дуэтом. Сонату для трех исполнителей – трио, для четырех – квартетом. Более крупные по составу ансамбли, встречающиеся реже, называются квинтетом – для пяти участников, секстетом – для шести, септетом – для семи, октетом – для восьми, нонетом – для девяти (от латинских названий цифр – 2, 3, 4… до 9). Гениальный создатель как сольных, так и ансамблевых сонат – Людвиг ван Бетховен (1770 – 1827). Каждая его соната – это драматическое произведение, насыщенное острым содержанием, где страстные диалоги сменяются гневными монологами, а философское раздумье уступает место эпизодам, полным народного юмора. Одно из таких сочинений Бетховена – соната для скрипки и фортепиано соч. 30 №2 (1802). Волевой, полной сдержанного драматизма главной теме первой части противопоставлена светлая, энергичная вторая тема, мелодический склад которой интонационно связан с немецкой народной песней. В их контрастном столкновении и приемах развития уже сказываются черты героического стиля Бетховена, с такой силой развернувшегося в его зрелых симфониях. О борьбе и героизме человека, его высоких мыслях рассказывают нам и остальные три части. В сонатах Бетховена встречаются и другие образы. Идиллически безмятежным настроением пронизана соната для скрипки и фортепиано соч. 24 (1801), называемая «Весенней». В ней нет драматических конфликтов ни внутри, ни между отдельными частями. Ощущение счастья и полноты жизни выражает её первая часть. И этот светлый образ не нарушается ни во второй части – спокойном размышлении, ни в третьей – шутливом, полном грации скерцо. Последняя часть, рондо, своим нежным и прозрачным характером напоминает финал сонат Моцарта. Среди сонат Бетховена для скрипки и фортепиано особенно популярна соната соч. 44 №9, известная под названием «Крейцеровой» сонаты. Созданная композитором в 1802 – 1803 годах, почти одновременно с «Героической» симфонией (соч. 55, 1804 год), соната поражает грандиозностью замысла, страстностью выраженных в ней чувств. О её больших размерах свидетельствует надпись, сделанная Бетховеном на первом экземпляре: «Соната для фортепиано и облигатной скрипки, написанная в концертирующем стиле, - как бы концерт». Всего у Бетховена 16 сонат- дуэтов для сольных инструментов с фортепиано. Из них – десять для скрипки, пять для виолончели и одна для валторны с фортепиано. Ценнейший вклад в развитие камерной ансамблевой соната внесли сонаты великих композиторов Шуберта, Шумана и Брамса, разнообразные по своему идейно-эмоциональному содержанию, художественным образам и форме. Сразу завоевала себе признание и соната для виолончели и фортепиано Грига, соч. 36. Музыка сонаты, как всегда у Грига, оригинально претворяя норвежские народно-песенные интонации и ритмы, подкупает искренностью чувства, поэтичностью лирики. Вместе с тремя сонатами Грига для скрипки и фортепиано она прочно вошла в репертуар исполнителей всего мира. Русские музыканты издавна были тесно связаны с мировой музыкальной культурой, всегда были почитателями и пропагандистами всего лучшего, созданного человечеством. Уже в конце XVIII века в петербургских «малых эрмитажах» (так назывались тогда небольшие музыкальные собрания) с успехом исполнялись квартеты Гайдна. Широкой популярностью пользовалось и имя Моцарта. Известно, что в 1802 году в Москве подготавливалось издание его квартетов и квинтетов. Музыку Бетховена в России узнали и полюбили еще при его жизни. В 1823 году молодой Глинка готовит с крепостным оркестром вторую симфонию и увертюру «Фиделио». По инициативе видного музыкального деятеля и мецената М. Ю. Виельгорского в 1822 – 1823 годах звучат шесть симфоний Бетховена. С именами любителей-музыкантов Н. Б. Голицина и А.К. Разумовского связана история создания некоторых бетховенских квартетов. В. Одоевский, известный музыкальный деятель и крупный знаток музыки Бетховена, написал интересную полунаучную, полуфантастическую новеллу «Последний квартет Бетховена». Она была горячо одобрена Пушкиным. Прекрасным исполнителем фортепианных сонат Бетховена был А.С. Грибоедов, а юный Лермонтов в своем наброске «Панорама Москвы» пишет о восходе солнца над Москвой как о чудной, фантастической увертюре Бетховена. Насыщенное идеями демократизма творчество гениального композитора нашло живой отклик у передовой русской интеллигенции. Большой интерес к музыке Бетховена проявили выдающиеся деятели русской культуры А. И. Герцен, Н. П. Огарев. Многие русские композиторы в процессе роста и формирования своего таланта испытали несомненное влияние западноевропейских мастеров. Однако лучшие представители русской музыкальной культуры с первых же шагов ее развития не были только слепыми подражателями. Творчески претворяя выдающиеся достижения западноевропейских классиков, они в музыке прежде всего искали самобытное национальное начало. Блестящий образец камерного ансамбля того времени – двухчастная соната для альта и фортепиано М. И. Глинки. Её музыка подкупает широкой мелодичностью и искренностью чувства. Народнопесенные обороты и характерные для того времени задушевные романсовые интонации, использованные в сонате, способствовали популярности сочинения, делали его доступным пониманию широких кругов слушателей. В дальнейшем, продолжая традиции Глинки, русские композиторы смело обращались в камерных произведениях к неисчерпаемым мелодическим богатствам русских народных песен, расширяя этим демократические возможности жанра. С классической традицией связано и одно из лучших сочинений Рахманинова – соната для виолончели и фортепиано: описанием музыки ее вступления мы начали наш рассказ. Каждая из четырех частей сонаты раскрывает глубоко поэтический образ: взволнованный, полный драматизма в первой части, где музыка напоминает течение полноводной, стремительно несущейся реки; настороженный и тревожный в скерцо, лирический, насыщенный ласковым светом в третьей; в радостном же возбуждении главной темы финала и широком распеве его побочной слышатся отголоски народного праздника. Все это как бы главы одного рассказа. Музыка сонаты Рахманинова глубоко национальна. Основные темы произведения – русские по своему характеру и интонациям. Они передают мысли и чувства русского человека: его любовь к родной природе и песне, его постоянное стремление к радости и веру в светлое будущее. К жанру камерной сонаты обращаются и советские композиторы: Н.Я. Мясковский, С.С. Прокофьев, Д. Д. Шостакович, В.Я. Шебалин, В. В. Нечаев, А.Ф. Гедике и многие другие. Развивая лучшие традиции русской классической музыки, они раскрывают в камерных сочинениях новый строй чувств, душевный мир человека. Одним из таких примеров может быть замечательная соната для виолончели и фортепиано С.С. Прокофьева (соч. 119). Плавно, в характере былинных сказаний, начинается ее первая часть. Неторопливо развертывается главная тема на фоне пассажей фортепиано и аккордов виолончели. Обе побочные темы глубоко лиричны: первая – светлая, вторая – более взволнованная. Развиваясь, она придает разработке напряженно-страстный характер. Очень своеобразна и значительна по богатству настроений вторая часть. Её основная тема построена на материале, связанном с русской народной плясовой мелодией. Для крайних разделов этой части типичен острый ритм, подчеркивающий шутливый характер музыки. Тем поэтичнее и пленительнее возникает в среднем эпизоде любовная тема, звучащая как пламенное признание. Здесь композитор создал своего рода инструментальный дуэт. Оба инструмента (виолончель и фортепиано), как два человеческих голоса, переплетаясь и дополняя друг друга, рассказывают о страстном и нежном чувстве. Романтически-увлеченное настроение дуэта внезапно нарушается, и снова появляется полный веселья и юмора основной образ. Третья часть сонаты – финал – также построена на сопоставлении двух образов: лирического и танцевального, ритмически заостренного. В заключении финала – коде – композитор возвращается к главной теме первой части. Но здесь она возникает более торжественно и грандиозно, чем в начале сонаты, окончательно утверждая эпический образ сочинения. Разнообразие настроений сонаты, то эпически-спокойных, то нежно-любовных, то беззаботно-веселых, как бы рождается богатством человеческих переживаний, сложностью духовного облика человека, раскрыть который было всегдашним стремлением замечательного композитора. «Я придерживаюсь того убеждения, - пишет Прокофьев, - что композитор, как и поэт, ваятель, живописец, призван служить человеку и народу. Он должен украшать человеческую жизнь и защищать её. Он прежде всего обязан быть гражданином в своем искусстве, воспевать человеческую жизнь и вести человека к светлому будущему…» Используемая литература 1Л..Раабен Жизнь замечательных музыкантов 2. Б.Струве Путь развития музыкантов 3.Ю.Янкелевич Педагогическое наследие