Энциклопедический справочник школьника по МХК.

Рудзик М.Ф., Бороздина Г.В.

ЭнциклопедиЧеский

справоЧник

длЯ школьника

по мировой

художественной культуре

КУРСК

- 2015 -

Составители:

Рудзик М.Ф., канд. пед. наук, доцент каф. МПМиИИ Курского государственного университета

Бороздина Г.В., учитель музыки и мировой художественной культуры МБОУ «Средняя общеобразовательная школа с углубленным изучением отдельных предметов № 46» г. Курска

Энциклопедический справочник для школьника по мировой художественной культуре. – Курск: КГУ, 2015. – 98 с.

Справочник содержит основные сведения о мифологии, различных видах и жанрах архитектуры, музыки, театра, киноискусства.

В нем представлены биографии людей, оставивших свой след в истории, внесших вклад в развитие мировой цивилизации: государственных деятелей, философов, народных вождей, деятелей науки, техники, культуры и искусства.

Справочник позволяет не только расширить кругозор школьников, но и оказать им практическую помощь в систематизации содержания предмета «Мировая художественная культура», при подготовке рефератов и создании творческих проектов. Представленные в нем сведения дают возможность соотнести предметные знания по МХК с содержанием других гуманитарно-эстетических предметов, изучаемых в школе, а также с жизненным опытом художественного восприятия обучающихся.

@ Рудзик М.Ф., Бороздина Г.В.

Предисловие

Невозможно рассказать об истории какой-либо эпохи, не затронув историю ее искусства. Существуют вековые связи между историческими деяниями человека и его потребностью творить, сообщать посредством искусства о себе и своей жизни миру.

Искусством обычно называют мастерство в эстетическом смысле и созданные благодаря ему произведения, которые отличаются с одной стороны, от творений природы, с другой стороны – от произведений науки, ремесла, техники; причем границы между этими областями человеческой деятельности очень нечетки, так как в величайших достижениях в этих областях участвуют и силы искусства. Различают разные виды искусства в соответствии с различными намерениями художника: архитектура, живопись, поэзия, музыка, мимические искусства (театр, танец), кино. Высочайшие произведения искусства, по-Гете, являются продуктом деятельности человека-творца как величайшего создания природы, тем самым истинное искусство требует целиком всего человека».

Роль искусства в жизни человека переоценить трудно. Действительно, кем же будет человек, не видевший ни одного кинофильма, не посещавший театр, не слышавший музыки? Духовно пустым. Конечно, ни кинофильмом, ни симфонией в материальном понимании сыт не будешь, но у человека есть и эстетические потребности. В основе эстетического чувства лежит любовь к жизни, стремление к красоте. А красота подразумевает, прежде всего, законченность, совершенство. Их как раз и можно видеть в произведении искусства.

Древние греки сложили миф о певце Орфее. Когда он пел, играя на кифаре, все замирало в блаженстве, птицы и звери в согласии слушали певца. Даже злые темные подземные силы в этот миг добрели.

«Красота спасет мир», – говорил Ф.М. Достоевский. Искусство – это особый способ мышления, и если основной ценностью мы признаем жизнь, то искусство – это высшее пробуждение жизненной энергии.

Исторически же искусство развивается как система конкретных видов искусства, в которых многообразие мира предстает во все своем богатстве.

Авангардизм (фр. avant-gardisme – впереди и стража) – общее название художественных направлений 20 в., для которых характерны поиск новых, неизвестных, часто штучных форм и средств художественного отображения, недооценка или полное отрицание традиций и абсолютизация новаторства. Рожденный духовной атмосферой 20 в. с его грандиозными катаклизмами, иллюстрирует не только противоречия между разными системами и техниками композиции, но и борьбу мировоззренческих позиций. Одни теоретики и практики авангардизма декларируют создание элитарного искусства, чуждого социальным задачам, другие, наоборот, ищут принципиально новые выразительные средства для передачи настроений социального протеста, революционного содержания. Выделился главным образом не в законченных формах, а в тенденциях к вытеснению традиционных тем, сюжетов и принципов композиции, гипертрофии условности, сильной (звуковой, цветовой, пластической и др.) экспрессивности. Характеризуется также разрешением объективно обусловленных границ между видами и жанрами (проникновение поэзии и музыки в прозу и «прозаизация» поэзии, перенесение принципов музыкальной композиции на литературу и изобразительное искусство).

Противоречивая природа авангардизма обозначалась в тяготении одних его направлений к формализму (победа словесной образности и символики над содержанием в поэзии и прозе, акцентация колорита, композиционной структуры и бессюжетность в живописи, атональность и какофония в музыке), а других, наоборот, к отрицанию эстетической сути искусства и утилитаризму (слияние искусства с производством, бытом и политической публицистикой). В своих крайних формах смыкается с декадентством, модернизмом, абстрактным искусством. Талантливые представители авангардизма начала 20 в. (футуризма, имажинизма, конструктивизма и др.), которые последовательно придерживались прогрессивного мировоззрения, смогли преодолеть узкие рамки этих направлений и обогатили культуру новыми художественными ценностями (С. Дали, В. Маяковский, Б. Брехт и др.).

Автопортрет – изображение художника, выполненное им самим обычно с помощью зеркала; разновидность портретного жанра. Не только передает внешнее сходство, но и раскрывает внутренний мир художника, его гражданское назначение. Иногда художник вводит в автопортрет предметное окружение. Ранние автопортреты – в миниатюрах и рельефах средневековья. Распространились с эпохи Возрождения – в виде одной из фигур сюжетной картины (Мазаччио); с начала 16 в. – как самостоятельная картина. Форма творческого мировоззрения мастера (А. Дюрер, Н. Пуссен, Рембрандт; А. Матвеев, А. Венецианов, А. Кипренский, К. Брюллов). Новый образ художника-гражданина появляется в русском искусстве 2-й половины 19 в. (И. Крамской, И. Репин, В. Суриков).

Адажио (ит. аdagio – медленно, спокойно) – в музыке медленный темп; в балете медленная часть танца, сопровождающаяся музыкой напевно-лирического характера и состоящая преимущественно из комбинаций широких и плавных движений. Может быть самостоятельным танцевальным эпизодом (па-де-де, па-де-труа и пр.). также это часть урока классического танца, включающая замедленные упражнения, способствующие выработке устойчивости.

Айвазовский (Гайвазовский) Иван Константинович (1817-1900) – русский художник-маринист. Живописец Главного морского штаба (1844), академик Петербургской академии художеств (1844) и ряда заграничных академий. Учился в Петербургской академии художеств (1833-1839). Автор грандиозных полотен, в которых романтически воспевает силу и величие морской стихии («Девятый вал», 1850; «Среди волн», 1898, и др.), а также картин, посвященных героическим делам русского флота («Чесменский бой», «Наваринский бой», обе 1848, Феодосийская картинная галерея). Наивысшее достижение художника «Черное море» (1881). Им написано около 6 тыс. картин.

А капелла (ит. а cappella) – многоголосные, преимущественно хоровые песни без инструментального сопровождения. Как стиль хорового искусства, в котором основное внимание отдается певучести, самостоятельности голосов, гармоничности общего звучания, песни а капелла сложились в культовой полифонии к концу средних веков, достигнув расцвета у мастеров Нидерландской школы. Для православной церкви это единственная форма хорового искусства (крупный мастер – Д. Бортнянский). Начиная с эпохи Возрождения, стиль развивается и в светской музыке. Распространен в народном творчестве. Содержащиеся в стиле возможности наиболее полного раскрытия красоты, тембрового богатства человеческого голоса делают его притягательным для композиторов и в наше время. Существуют хоровые коллективы, которые исполняют исключительно музыку а капелла.

Акварель (от лат. aqua – вода) – водяные краски, предназначенные для живописи, а также живопись, исполненная такими красками. Составные вещества акварели – разные виды растительного клея в соединении с медом, глицерином (для мягких красок) и сахаром-леденцом (для твердых, плиточных). Красящие вещества акварели в основном минерального происхождения, очень мелко крошатся. Пишут на бумаге, мягкими круглыми кистями. Ей присущи прозрачность, тонкое наслоение красок, чистота и ясность цвета. Как техника живописи, известна еще в древние времена (встречается на староегипетских папирусах), позже широко использовались в орнаментах рукописных книг. Самостоятельное значение получила в конце 18 – нач. 19 в. в творчестве французских и особенно английских художников. В русском искусстве время расцвета акварели – 19 в. (А. Иванов, К. Брюллов, И. Репин, П. Соколов, В. Суриков, В. Серов). Позднее в технике акварели работают О. Остроумова-Лебедева, А Дубинский, Н. Куприянов, Д. Митрохин, Н. Тырса и др.).

Аллегория – выражение отвлеченного понятия посредством художественного образа; иносказание. Так, правосудие изображалось в образе женщины с завязанными глазами и весами в руках; аллегория надежды – якорь; аллегория свободы – разорванные цепи и т.п.

Аллеманда – старинный плавный немецкий танец. Счет на 4. В 17-18 вв. Аллеманда входила в так называемую французскую сюиту (для клавесина, лютни, оркестра). Образцы – у Люлли, Баха и др.

Альт (лат. altus – высокий) – 1) низкий детский или женский голос в хоре; вторая по высоте партия в хоровой партитуре. Название закрепилось в средневековой полифонии как обозначение мужских голосов выше тенора; 2) струнный смычковый музыкальный инструмент скрипичной семьи, такой же конструкции, что и скрипка, но больших размеров. Звук более насыщен, густой. Создан в конце 15 – нач. 16 в. Известен преимущественно как ансамблевый и оркестровый инструмент.

Альтман Натан Исаевич (1889-1970) – театральный художник, график и живописец. Учился в Одесском художественном училище. Художник спектаклей «Мистерия-буфф», «Бронепоезд 14-69» «Отелло», «Гамлет» и др. в ленинградских театрах. Элементы схематизма и абстрактности, свойственные ранним работам, уступают место условным приемам для создания реалистического образа спектакля. Ныне известен главным образом по рисункам, изображающим Ленина.

Алябьев Александр Александрович (1787–1851) – русский композитор. Получил домашнее музыкальное образование. Служил в армии, участвовал в Отечественной войне 1812. В 1823 вышел в отставку и переехав в Москву, посвятил себя музыке. В 1825 был арестован по ложному обвинению и в конце 1827 выслан в Сибирь. В 1832 получил разрешение выехать для лечения на Кавказ, а 1833 переехал в Оренбург, в конце 30-х вернулся в Москву, где провел последние годы жизни. Один из основоположников национального лирического романса и камерно-инструментальной музыки. Мелодическая основа его произведений связана с русским народным творчеством. Автор комической оперы «Лунная ночь, или Домовые» (1823), балета «Волшебный барабан, или Следствие Волшебной флейты» (1827), музыки к 20 водевилям, 150 песен и романсов, в их числе «Соловей», «Вечерний звон», «Зимняя дорога», «Иртыш», «Нищая», «Черкесская песня» и др.

Анималистический жанр (лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, отображающий животный мир. Художников, работающих в этом жанре, называют анималистами. Первые изображения животных – в наскальной живописи палеолита. В европейском искусстве как жанр с 17 в., наиболее ярко представлен в живописи Голландии. Среди анималистов Западной Европы – А. Кейп, П. Потер, Б. Ранер, К. Трайон, А. Бари, Б. Лилиефорс. В русском искусстве в анималистическом жанре работали скульпторы П. Клодт, Я. Лансере, живописцы А. Степанов, Н. Сверчков. Широко известны работы скульптора и рисовальщика В. Ватагина.

Аполлон – в греческой мифологии сын Зевса и Леты, один из самых почитаемых богов греческого пантеона: бог света, Солнца, предсказатель судеб, покровитель искусств, предводитель муз. Главным центром культа Аполлона в древности считались Дельфы. Еще в 9 в. до. н. э. в Дельфах, где Аполлон, олицетворявший светлые силы природы, якобы одержал победу над чудовищным змеем подземного царства Пифоном, был сооружен храм. Там находился оракул Аполлона и жрица – пифия – прорицала волю богов. Обычно изображался обнаженным прекрасным юношей, иногда в длинной одежде и с кифарой в руках, часто в лавровом венке. В 4 в. до н. э. в Дельфах была установлена статуя Аполлона, как предполагают , созданная мастером Леохарохом.

Армстронг Луи Даниэл (1900-1971) – американский певец и трубач. Играть на трубе начал с 13 лет, в 1924 впервые выступил на концерте в Нью-Йорке. С 1927 руководил организованным им джаз-оркестром и другими оркестрами, созданными для записи музыкальных произведений на пластинки. Гастролировал в Лондоне, Париже, Берлине как дирижер, певец и трубач. Снимался в фильмах. Как музыкант удостоен высших премий на многих конкурсах джазовых фестивалей.

Архитектура – искусство проектирования и строительства зданий и других сооружений в соответствии с их назначением, техническими возможностями и эстетическими воззрениями общества.

Байрон Джордж Ноэл Гордон (1788-1824) – английский поэт, государственный деятель. Происходил из знатного обедневшего рода. Родился и провел детство в г. Абердин (Шотландия). В 1798 г. унаследовал от двоюродного деда титул лорда и поместье. Учился в закрытой аристократической школе близ Лондона, где начал сочинять стихи. С 1805 г. учился в Кембриджском университете. В 1807 г. издал свой первый сборник стихов «Часы досуга». Окончив университет, путешествовал по Ближнему Востоку и Южной Европе. Вернулся в Англию убежденным сторонником освобождения народов и свободы человеческой личности – вплоть до бунта против Бога. Свои впечатления отразил в поэме «Паломничество Чайльд Гарольда», а также «восточных» поэмах «Гяур», «Лара», «Корсар», «Осада Коринфа» и др. Создал образ бунтаря—одиночки, разочарованного в цивилизации и буржуазных ценностях. Как член палаты лордов, Байрон выступил в поддержку луддитов, протестовавших против внедрения машин в производство и безработицы. Позже, живя в Швейцарии, написал героические поэмы «Манфред», «Каин», а в последние годы жизни, когда поэт стал активно участвовать в национально-освободительных движениях в Италии, Греции, создал сатирическую поэму «Бронзовый век».

Бакст Лев Самойлович (1866-1924) – русский живописец, график, театральный художник. Родился в Гродно, учился в Академии художеств в Петербурге, затем в Париже. Работал в Александринском театре. В 1909 был выслан из столицы как еврей, не имевший права на жительство. Примкнув к балетной труппе Дягилева, переехал в Париж. Оформлял спектакли Дягилева в его «Русском балете»: «Египетские ночи» Аренского, «Шехеразаду» Римского-Корсакова, «Жар-птицу» Стравинского, «Дафниса и Хлою» Равеля и др. В творчестве Бакста, одного из активных деятелей общества «Мир искусства», проявилось стремление к изысканности, стилизации. Оно оказало значительное влияние на декорационное искусство Франции. Позднее работал в театрах Лондона, Брюсселя, Рима, Нью-Йорка.

Балакирев Милий Алексеевич (1837-1910) – русский композитор, пианист, дирижер, музыкальный деятель. Первые уроки музыки получил у матери, в 1847 некоторое время занимался в Москве у А. Дюбюка. В дальнейшем пополнял музыкальные знания отчасти самостоятельно, пользуясь поддержкой просвещенного любителя музыки, автора трехтомной биографии В.А. Моцарта, нижегородского помещика А. Улыбышева, отчасти с помощью местного театрального дирижера и пианиста К. Эйзриха. В 1853-1855 учился на математическом факультете Казанского университета, не оставляя музыкальной деятельности. В 1855 переехал в Петербург, посвятив себя музыке. В 1856 познакомился с М. Глинкой, высоко оценившим его дарование.

В конце 50-х годов становится главой и руководителем творческого объединения «Могучая кучка». В 1862 вместе с Г. Ломакиным основал Бесплатную музыкальную школу. В 1860 совершил поездку по Волге для записи народных песен; начиная с 1862, предпринял несколько аналогичных поездок на Кавказ. В 1866-1867 посетил Прагу, где (впервые за рубежом) осуществил постановку оперы М. Глинки «Руслан и Людмила». В 1867-1869 руководил симфоническими концертами петербургского отделения Русского музыкального общества. В 1872 в результате творческого кризиса временно оставил музыкальную деятельность, вернувшись к ней лишь в 1882, когда вновь возглавил Бесплатную музыкальную школу. В 1883-1894 управляющий Придворной певческой капеллой. Последние годы жизни занимался творчеством.

Вошел в историю русской музыки как преемник Глинки и продолжатель его традиций. Автор кантаты на открытие в Петербурге памятника Глинке, двух симфоний, увертюр на темы трех русских песен, трех симфонических поэм – «Тамара» (1882), «Русь» («1000 лет» (1862), «В Чехии» (1867).

Балет (ит. balletto – танцую) – вид сценического искусства; спектакль, содержание которого воплощается в музыкально-хореографических образах. На основе общего драматургического плана (сценария) балет объединяет музыку, хореографию (танец и пантомиму) и изобразительное искусство (декорации, костюмы, освещение). В разные эпохи соотношение между музыкой и танцем менялось: иногда функции музыки ограничивались аккомпанементом, в др. случаях хореография подчинялась раскрытию содержания музыки. Лучшие образцы балетного искусства отличаются гармоническим равновесием обоих основных компонентов. Танцы и сцены, созданные балетмейстером, исполняются артистами балета: балериной и первым танцовщиком, солистами, кордебалетом. Балет многожанров: героический, драматический, комический, феерия, пантомима и т. д.

Современный европейский балет возник в эпоху Возрождения. В конце 14 в. В Италии намечается различие между бытовым и театральным танцем. На следующем этапе развития балета танец получил драматургическое оформление, стал частью цельного сюжетного спектакля. Первые такие танцевальные спектакли появились во Франции во 2-ой пол. 16 в. в результате работы поэтов «Плеяды», основавших Академию музыки и поэзии (1570н, где под знаком возрождения античной трагедии производились эксперименты по сочетанию стихов, музыки и танца. На протяжении 2-й пол. 17 – нач. 18 вв. устанавливаются правила тематики и формы балетного спектакля, балет вырабатывает стройные и четкие каноны. В 1681 на балетной сцене впервые появляется профессиональная танцовщица Лафонтен. Она выступала в опере-балете «Триумф любви» Люлли.

В России регулярные спектакли ставятся с середины 30-х гг. 18 в. В 1738 в Петербурге организовано первое русское балетное училище. В Москве балетные классы открылись в 1773 при Воспитательном доме. В 1-й трети 19 в. русский балет достиг высокого развития; использовав в процессе своего становления достижения других балетных школ, он сложился как национальная школа.

Батальный жанр (фр. bataille – битва, сражение) – область изобразительного искусства (преимущественно живописи), посвященная военной тематике, включающая главным образом изображения битв, а также других эпизодов войны. Может рассматриваться как особый раздел исторического жанра. В ходе своего исторического развития чаще всего ставил задачи прославления и воспевания воинской доблести. Батальные произведения аллегорического и символического характера, обычно связанные с героизированным образом полководца-победителя, были широко распространены еще в искусстве Др. Востока (особенно Ассирии) и Др. Рима. В средневековом искусстве батальные сцены встречаются в книжной миниатюре, главным образом как иллюстрация к средневековым хроникам.

Художников Возрождения увлекала в батальном жанре его драматическая сторона – напряжение яростной схватки, передача эмоций борющихся (классический образец – «Битва при Ангиари» Леонардо да Винчи); особое внимание уделялось пространственному и композиционному решению, изучению сложных ракурсов и пр., меньшее – исторически реальной обстановке боя. С середины 17 в. развивается документально-хроникальный батальный жанр, фиксирующий эпизоды сражений с большей или меньшей точностью, но лишенный подлинного драматизма (напр., живопись Ф. Воувермана в Голландии). Широко развивается батальный жанр во французской живописи эпохи наполеоновских войн (Гро, Шарле, Раффе). В работах Э. Делакруа и В. Сурикова насыщается новым гуманистическим содержанием. С нач. 19 в. в него все настоятельнее проникает тема «ужасов войны». Таковы произведения испанца Ф. Гойи и русского баталиста В. Верещагина.

Блок Александр Александрович (1880–1921) – русский поэт, драматург, публицист. Родился в интеллигентной семье, детство провел в имении деда, известного натуралиста А. Н. Бекетова, получил хорошее образование; поступил на юридический факультет Петербургского университета, перейдя затем на историко-филологический. Еще студентом издал сборник «Стихи о прекрасной Даме» (1904), разделяя мистические идеи о «вечной женственности». Революционные события 1905 г. определили гражданские мотивы в его произведениях (во время одной из демонстраций он нес красный флаг). В 1906 г. написал драмы «Балаганчик», «Король на площади», «Незнакомка». Затем последовали стихотворные циклы: «Снежная маска», «Вольные мысли», сборник «Земля в снегу», драма «Песни Судьбы», драма «Роза и Крест», «Стихи о России», поэма «Возмездие». В статьях и стихах предрекал гибель старого мира. После революции 1917 г. создал поэмы «Двенадцать», «Скифы», издал публицистический сборник «Россия и интеллигенция», вел культурно-просветительную работу, сотрудничал с советской властью.

Из высказываний А. Блока:

Жить стоит только так, чтобы предъявлять безмерные требования к жизни: все или ничего; ждать нежданного; верить не в «то, чего нет на свете», а в то, что должно быть на свете; пусть сейчас этого нет, и долго не будет. Но жизнь отдаст нам это, ибо она – прекрасна.

Искусство, как и жизнь, слабым – не по плечу.

Бах Иоганн Себастьян (1685-1750) - немецкий композитор, органист, клавесинист, скрипач, певец, хормейстер; основоположник немецкой классической музыки и один из творцов мировой музыкальной классики. Родился в г. Эйзенахе (Тюрингия). Происходил из семьи музыкантов-профессионалов. Оставшись с 9 лет сиротой, воспитывался у старшего брата. До 1700 года занимался в Ордруфской латинской школе. Окончил Люнебургский лицей (1702), после чего год служил скрипачем в Веймаре. В 1704-1707 – церковный органист в Арнштадте и Мюльгаузене, в 1708-1717 – придворный органист и композитор в Веймаре, где писал множество органных и клавирных сочинений. В 1717-1723 – директор камерной музыки в Кетене. Здесь возникли камерно-оркестровые сочинения, в т.ч. сюиты, Браденбургские концерты, сонаты, партиты, сюиты для скрипки, виолончели; первый том «Хорошо темперированного клавира» и др. С 1723 г. работал в Лейпциге, где создал ряд монументальных произведений ораториального характера, в т.ч. «Страсти по Матфею», «Магнификат», «Высокая месса» и др.; второй том «Хорошо темперированного клавира», «Искусство фуги» и др. К концу жизни И.С. Бах потерял зрение.

«Не ручей, море ему имя». Л.В. Бетховен о И.С. Бахе.

Бах Иоганн Христиан (1735–1782) – немецкий композитор, органист, дирижер. Младший сын И. С. Баха. В 1756 уехал в Италию, где работал органистом Миланского собора и оперным композитором; в 1762 переселился в Лондон и стал придворным музыкантом. Творчество Баха оказало заметное влияние на Моцарта. Автор 12 опер, 90 симфоний и др. сочинений.

Бах Карл Филипп Эммануэль (1714-1788) – немецкий композитор, клавесинист, педагог и музыкальный деятель. Второй сын И.С. Баха. В 1740 стал придворным клавесинистом в Берлине, где работал много лет. В 1767 переселился в Гамбург, унаследовав после смерти Г. Телемана должность церковного музик-директора. Музыка Баха отмечена характерной для эпохи сентиментализма чувствительностью и богатством эмоциональных оттенков. Центральное место в его творчестве занимают клавирные сонаты, проложившие путь к музыке венской классической школы. Автор 2 ораторий, 10 духовно-ораториальных произведений, 19 симфоний, 9 концертов для оркестра, 50 концертов для клавира, около 200 клавирных сонат, сонатин, фантазий, рондо и др.

Бенуа Александр Николаевич (1870-1960) – русский художник, историк искусства и художественный критик. Сын академика архитектуры Н. Бенуа. Художественный руководитель «Русских сезонов», идеолог «Мира искусства». Иллюстрации к «Медному всаднику», оформление ряда спектаклей. Окончил юридический факультет Петербургского университета. Живописи учился самостоятельно. Участвовал в выставках (с 1893) как пейзажист и автор исторических композиций, посвященных Франции 17-18 вв. (серии «Последние прогулки Людовика XIV», «Версальская серия»), России 18 в. («Парад во времена Павла I»). С 1899 выступал в газетах и журналах с очерками об искусстве. Постави с М. Фокиным и оформил балеты «Сильфиды» (1909), «Петрушка» (1911) Стравинского и др. В 1913-1915 руководитель Московского художественного театра. Иллюстрировал произведения Пушкина («Медный всадник» и др.). С 1918 зав. картинной галереей Эрмитажа. Занимался станковой и книжной графикой, сотрудничал как художник и режиссер в Мариинском («Пиковая дама») и Большом драматическом («Мольеровский спектакль») театрах в Петрограде. С 1926 жил в Париже, работал в музыкальных театрах Европы. Писал пейзажи, исторические композиции на русские темы.

Березовский Максим Созонтович (1745-1777) – русский композитор и певец (бас). Музыкальное образование получил в музыкально-хоровой школе в Глухове и Киевской духовной академии, затем в Придворной певческой капелле в Петербурге. В 1764 был направлен для усовершенствования в пении в Италию. В 1771 получили диплом академика Болонской филармонической академии. В 1774 вернулся в Петербург и был зачислен на службу в Придворную певческую капеллу. Не добившись признания как композитор, лишенный моральной поддержки и испытывая материальную нужду, покончил жизнь самоубийством. Один из основоположников русской хоровой классики. Автор оперы «Демофонт», духовной музыки, в том числе 9 хоровых концертов (наиболее известный – «Не отвержи меня во время старости», хоров и др.

Бетховен Людвиг Ван (1770-1827) – немецкий композитор, органист. Детские и юношеские годы провел в Бонне. В 1787 совершил поездку в Вену для занятий с Моцартом. В 1792 переселился в Вену, некоторое время занимался с Й. Гайдном, И. Альбрехтсбергером, А. Сальери. На рубеже 18 и 19 вв. был поражен тяжким недугом – глухотой. Мужественно преодолев вызванный заболеванием душевной кризис, вступил в период полной творческой зрелости, начало которой ознаменовалось созданием Третьей («Героической») симфонии. Вершины прижизненной славы достиг в 1812-1814. Ему было присвоено звание почетного гражданина Вены. Однако последние годы его жизни были омрачены житейскими невзгодами и материальными лишениями.

Величайший из классиков мирового музыкального искусства. В его творчестве, отмеченном глубоким идейным содержанием, реализмом и демократичностью творческих замыслов, нашли воплощение передовые идеи эпохи Просвещения, героика борьбы за счастье человека, свободолюбивые призывы, выдвинутые Французской революцией (1789). Новизна содержания музыки Бетховена, отмеченной исключительной эмоционально-драматической силой и глубиной мысли, привела к обновлению и обогащению им всех музыкальных выразительных средств. Творчество Бетховена явилось вершиной венской классической школы и оказало огромное влияние на дальнейшее развитие мировой музыкальной культуры. Автор оперы «Фиделио», балета «Творения Прометея», музыки к драме В. Гете «Эгмонт», 2 месс (в том числе «Торжественной мессы»), 9 симфоний, 9 симфоний, 7 концертов, многочисленных произведений для фортепьяно, 10 сонат для скрипки и фортепьяно, свыше 90 песен и др.

Бизе Жорж (1838-1875) – французский композитор. Выдающийся представитель национальной оперной школы, создатель музыкальной драмы. Учился в Парижской консерватории. Среди лучших юношеских произведений – классическая по стилю симфония C-dur (1855) и оперетта «Доктор Миракль» (1875). Творческие связи с Гавели и Гуно и сильное влияние искусства Италии, где Бизе жил одно время как лауреат Римской премии, укрепили его интерес к театру (комические оперы «Дон Прокопио», «Гузла Эмира»). Несколько оркестровых пьес этого времени и симфония-кантата «Васко де Гама», связаны с традициями Берлиоза. Оперы 60-х – «Искатели жемчуга», «Иван Грозный», «Пертская красавица» – означены поисками. Несмотря на недостатки либретто, в них выявились лучшие качества стиля Бизе: полнота мироощущения, щедрый мелодизм, красочная инструментовка. После симфонии «Рим», «Маленькой оркестровой сюиты» и 12 детских пьес для фортепиано он создает оперу «Джамиле» по арабской новелле Мюссе «Намуна». Красочна музыка к драме Доде «Арлезианка». Наивысшее достижение композитора – опера «Кармен» (1874) по новелле Мериме. Богатство жизненных наблюдений, сочность и выразительность музыкального языка с элементами цыганского и испанского фольклора, драматизм, стремительность действия принесли опере всемирную известность.

Бородин Александр Порфирьевич (1833-1887) – русский композитор, ученый-химик, общественный деятель. Музыкой занимался с 8 лет, композицию изучал самостоятельно. Окончил Петербургскую медико-хирургическую академию, с 1859 по 1862 находился за границей в командировке для научного усовершенствования (Германия, Франция, Италия). С 1862 до конца жизни профессор, а с 1877 и академик Медико-хирургической академии. В 1877 познакомился с Ф. Листом, с которым с тех пор находился в дружеских отношениях. Активный участник творческого содружества «Могучая кучка». Характерные черты творчества – народность, монументальность, эпическая и эмоциональная мощь, оптимизм, красочность языка, стройность и ясность формы. Создал жанр национально-эпической песенкой симфонией. Автор оперы «Князь Игорь» (1869–1887), комической оперы «Богатыри» (1867), 7 пьес для фортепьяно, 16 романсов («Для берегов отчизны дальной», «Море», «Песнь темного леса», «Спящая княжна» и др.), статей о музыке.

Брут Марк Юний (85–42 до н. э.) – римский политик, потомок основателя Римской республики Луция Юния Брута. Воспитанный в республиканском духе, постоянно боролся против установления диктатуры, монархического правления. В гражданской войне встал на сторону Помпея против Юлия Цезаря, после победы которого был прощен и получил высокую должность. По одной версии, Цезарь усыновил Брута, по другой – являлся его отцом.

Брюллов Карл Павлович (1799–1852) – русский живописец. Профессор Петербургской академии художеств (с 1836), почетный член Миланской, Болонской, Флорентийской, Пармской академий. Учился у отца, академика орнаментальной скульптуры, в Академии художеств у А. Иванова, А. Егорова, В. Шебуева. Ранние портреты (Кикиных, Н. Рамазанова, все 1822) открывают связь с творчеством Кипренского. В 1823–1834 жил в Италии, создал ряд жанровых картин («Итальянское утро», «Итальянский полдень»), в которых решал проблемы осветления, показывал взаимосвязь человека с природой. Черты романтизма имеют автопортрет, портреты А. Брюллова, Г. Гагарина, Ю. Самойловой с воспитанницей и один из лучших – Дж. Паччини («Всадница»). Поэтичны акварельные портреты И. Тургенева, З. Волконской. Широко известно полотно «Последний день Помпеи» (1830–1833, золотая медаль в Париже). Трагическая гибель людей извержения Везувия, поэтика чувств, величие человеческого духа перед слепой стихией иллюстрировали драматическое восприятие художником жизни. Патриотическая тема – «Осада Пскова польским королем Стефаном Баторием».

С 1843 более четырех лет расписывал Исаакиевский собор. Главные достижения этого времени – портреты деятелей русской культуры (Кукольника, Витали, Жуковского, Крылова). В 1849 из-за болезни уехал на о-в Мадейру, в 1850 переехал в Рим, там написал портреты археолога Ланчи и членов семьи Титони. Творчество Брюллова – одна из вершин русской живописи 30–40-х гг. 19 в. В искусство классицизма он внес жизненность и непосредственность. Реализм его произведений имел преимущественно романтическую окраску.

«Бубновый валет» – объединение московских художников (1910–1916, обращавшихся к живописным пластическим приемам в духе творчества Сезанна, кубизма, а также к приемам русского лубка и игрушки. Художники П. Кончаловский, А. Лентулов, Р. Фальк решили проблемы построения формы цветом и материальностью натуры.

Бытовой жанр – область изобразительного искусства, посвященная событиям повседневной жизни. Как самостоятельный раздел искусства оформился в основном в 17 в. Представлен в это время, прежде всего, произведениями мастеров голландской школы: П. Де Хоха, Остаде, Стена, Терборха, Вермеера Дельфтского и др. В их творчестве сложились некоторые специфические особенности бытового жанра: глубокий интерес к многократно повторяющимся событиям обыденной жизни, наличие простого, безыскусного сюжета, повествовательные элементы в его трактовке, психологическая тонкость в обрисовке характеров, общий интимный тон произведения (с чем связаны обычный для жанровых произведений небольшой формат, тщательность и проработанность выполнения) и т. д. В 18 в. в бытовом жанре все более утверждаются морализирующие и сатирические направления (Грез, Хогарт).

Широкое распространение во всех национальных школах бытовой жанр получил в 19 в., являясь одним из передовых форпостов реализма и все более проникаясь демократическими настроениями (напр., во Франции в творчестве Милле, Курбэ, в Германии – Менцеля, Лейбля и т.д.). Новое слово в развитии бытового жанра было сказано русскими реалистами 19 в., особенно во второй половине. Опираясь на достижения А. Венецианова и П. Федотова, художники-демократы В. Перов, И. Прянишников, В. Максимов, В. Маковский, К. Савицкий, И. Репин и др. решительно преодолели узкие рамки не только голландского жанра (связанные с его бюргерским характером), но и несколько отвлеченное морализирование, присущее жанру в 18 в., а также склонность к пассивному воспроизведению жизни, к анекдоту, которые типичны для западноевропейского бытового жанра 19 в.

Ван Гог Винсент (1853–1890) – голландский живописец. Один из зачинателей постимпрессионизма. Ранние произведения, проникнутые сочувствием к тяжкой жизни простых людей Голландии, написаны в сумрачной, сдержанной манере («Едоки картофеля»). С 1886 жил во Франции, где писал пейзажи («Рыбацкие лодки в Сент-Мари», «Вороны над пшеничным полем»), портреты («Автопортрет», «Дядя Танги»), натюрморты («Подсолнухи»), интерьеры («Спальня художника в Орли»). Этим произведениям свойственна динамическая манера письма пастельными ломаными мазками, светлая, интенсивная световая гамма, построенная на острых контрастах. Позже в его творчестве страстная эмоциональность, драматическое восприятие жизни, черты социального протеста и мучительные поиски духовных ценностей сливаются с напряженной субъективной экспрессией («Красные виноградники в Орли», «Прогулки заключенных»). Покончил жизнь самоубийством.

Ван Дейк Антонис (1599–1641) – фламандский живописец. Учился у Х. ван Балена. Около 1618–1620 помощник у П. Рубенса, творчески сформировался под его влиянием. Уже ранние произведения художника стали шедеврами фламандской живописи («Апостол Петр» и др.). С особым успехом писал портреты, полные красоты и благородной одухотворенности. В 1621–1627 жил в Италии, выработал тип парадного портрета барокко, которому свойственны элегантность образов, богатство теплой цветовой гаммы (портрет кардинала Бентиволье). Вернувшись в Антверпен, создал народу с религиозными композициями («Мадонна с куропатками») наиболее проникновенные и глубокие по характеристике портреты (ван ден Вауэра, серию «Иконография»). С 1632 работал в Лондоне как придворный художник Карла I, портретист английской знати (портрет Карла I на охоте, его детей, Томаса Челланера и др.). Со временем у него сложился условный и безличный стандарт аристократического портрета.

Вахтангов Евгений Багратионович (1883–1922) – русский актер и режиссер. Его постановки «Потоп» Бергера, «Эрик XIV» Стриндберга, «Принцесса Турандот» Гоцци характерны поисками новых форм. Из созданной им в 1915 студии выросла 3-я Студия МХТ, переименованная в 1926 в Гос. театр им. Евг. Вахтангова.

Венецианов Алексей Гаврилович (1780–1847) – русский живописец, один из основоположников бытового жанра в русском искусстве. Академик Петербургской академии художеств (с 1811). Живописи учился у В. Боровиковского. Большинство картин написано на темы быта крестьян («Гумно», «Утро помещицы», «На пашне», «Спящий пастушок», «Захарка»). Автор ряда портретов, основатель школы и целого направления в русской живописи. Внес значительный вклад в развитие русской литографии (портрет Гоголя и др.). С 1819 жил в деревне Софронково Тверской губернии, где основал первую в России частную художественную школу (Венециановская школа).

Венская классическая школа – направление в музыке, сложившееся в Вене во 2-й пол. 18 в. Основоположники – Й. Гайдн и В. А. Моцарт. К этой школе примыкает Х. Глюк. Последний и высший этап школы – творчество Л. ван Бетховена. Оптимистическое утверждение жизни, гуманизм и народность – общие черты венских классиков при всех различиях между ними. Школа связана с реформой музыкально-сценических жанров: бытовая комическая и сентиментальная оперы превращаются в творчестве композиторов школы в высокую реалистическую комедию («Свадьба Фигаро» Моцарта) и психологическую комедию-драму («Дон Жуан» его же), а сказочная феерия – в народную сценическую сказку («Волшебная флейта» его же). Творчеству Моцарта предшествовало преобразование Глюком мифологической оперы, превращение ее в правдивую, драматически цельную музыкальную трагедию. Бетховен внес в оперное творчество революционно-героические идеи («Фиделио»), радикально изменив стиль немецко-австрийского Зингшпиля в духе характерного для эпохи Французской революции жанра так называемого оперы спасения.

Верди Джузеппе (1813–1901) – итальянский композитор, дирижер, органист. В 1838 в Милане дебютировал в театре «Ла Скала» оперой «Оберто». С 1849 обосновался в приобретенной им усадьбе Санта Агата в окрестностях г. Буссето, откуда выезжал в города, где ставились его оперы. В 1861–1862 дважды посетил Россию в связи с постановкой написанной им по заказу петербургского Мариинского театра оперы «Сила судьбы». Основная область творчества – опера. До нач. 50-х выступал главным образом как выразитель героико-патриотических чувств и национально-освободительных идей итальянского народа (современники называли его «маэстро итальянской революции»). В последующие годы уделял преимущественное внимание драматическим конфликтам, порожденным социальным неравенством, насилием, угнетением, изобличал в своих операх зло и несправедливость. Характерные черты творчества Верди: народность музыки, реализм.

Вокальная музыка – музыка для голоса (солистов или хора) с инструментальным сопровождением или без него.

Вольтер Мари Франсуа Аруэ (1694–1778) – знаменитый французский писатель и философ, просветитель. Сыграл большую роль в идейной подготовке Французской революции конца 18 в. Подверг резкой критике феодальную идеологию. В своей философии противопоставил теорию «врожденных» идей теорию познавания, основанную на чувственном опыте («Философские письма», 1733»; «Философский словарь», 1764). Лучшие литературные произведения: трагедия «Заира», сатирическая поэма «Орлеанская девственница», философско-сатирические повести «Микромагас», «Кандид, или Оптимизм», «Простодушный». В них подверг критике сословные предрассудки, общественные нравы, политическую систему абсолютизма, суд, церковь. Большое значение для своего времени имели исторические тракты «История Карла XII», «Век Людовика XIV». «Опыт о всеобщей истории и о нравах и духе».

Врубель Михаил Александрович (1856–1910) – русский живописец, график, скульптор. Окончил Петербургскую академию художеств. В 1884–1889 расписывал Кирилловскую церковь в Киеве, написал ряд икон. С 1899 в Москве, участник художественных выставок, им выполнено панно на фасаде гостиницы «Метрополь». В картинах «Демон сидящий» (1890) и «Демон поверженный» (1902) выразительно показана трагическая мятущаяся личность.

«В свету» – термин музейно-выставочной практики, обозначающий способ приблизительного измерения обрамленных произведений живописи или графики. Если работа художника (которую нельзя почему-либо вынуть из обрамления) недоступна для обмера с оборотной стороны, обычно измеряют лишь видимую часть ее лицевой поверхности.

Высоцкий Владимир Семенович (1938–1980) – актер, поэт. В 1960 окончил Школу-студию МХАТа, работал в Московском драматическом театре им. А. С. Пушкина, затем с 1964 в Театре на Таганке. Сыграл ряд интересных ролей – Галилея и др. С 1959 снимается в кино – Петя в фильме «Сверстники». Первая большая кинороль – радист Володя в фильме «Вертикаль» (1967), где актер исполнял собственные песни, сочиненные к этому фильму. Среди киноролей: Максим («Короткие встречи»), офицер Брусенцов («Служили два товарища»), браконьер Рябой («Хозяин тайги»). Снялся в экранизациях русской классики – фон Корен («Плохой хороший человек» по Чехову) и Дон Гуан («Маленькие трагедии» по Пушкину). Удачной получилась роль капитана Жеглова в телесериале «Место встречи изменить нельзя» (1979). Снимался в более чем 30 фильмах. Автор многих песен, в том числе, к фильмам.

Гагарин Юрий Алексеевич (1934–1968) – советский космонавт; первый человек, поднявшийся в космос. Родился в семье колхозников с. Клушина Смоленской области. Окончил ремесленное училище в подмосковном г. Люберцы, получив специальность формовщика-литейщика, и был направлен в Саратовский индустриальный техникум, который окончил в 1955 г. Обучался в Саратовском авиаклубе, поступил в 1-е Чкаловское военное авиационное училище, после которого служил на Северном флоте летчиком-истребителем. С 1960 г. Гагарин был зачислен в отряд космонавтов. 12 апреля 1961 г. на космическом аппарате «Восток» он первым в мире поднялся на космическую высоту и облетел за 1 час 48 минут земной шар. Этот полет показал великие научно-технические достижения человечества и нашей страны. Руководителем проекта был Генеральный конструктор Сергей Павлович Королев (1906–1966). Ю. А. Гагарин совершил триумфальные поездки по странам мира. Первый космонавт погиб в катастрофе при выполнении тренировочного полета на самолете.

Гайдн Франц Йозеф (1732–1809) – австрийский композитор и дирижер. С 1740 по 1749 пел в хоре собора св. Стефана в Вене, где продолжал занятия музыкой. В 1759–1761 был дирижером домашней капеллы графа Морцина в Лукавце, близ Пльзеня, где в 1959 создал Первую симфонию. С 1761 по 1790 служил дирижером капеллы князя Эстергази в г. Эйзенштадте и в усадьбе Эстергаз на озере Нойзидлер. 1790–1792 и 1794–1795 провел в Лондоне, где его сочинения пользовались огромным успехом. Созданные здесь симфонии (так называемые лондонские) – вершина его инструментального творчества. В 1791 получил звание почетного доктора Оксфордского университета. Последние годы жизни работал в Вене. Тесно дружил с Моцартом. Вошел в историю музыки как один из создателей классической симфонии (его называют отцом симфонии) и квартета (Первый квартет написан в 1755), наиболее совершенные образцы которых он сочинил в 90-е гг.

Музыка Гайдна, особенно инструментальная, тесно связана с народным искусством, проникнута неистощимым оптимизмом, сочетает добродушие с лукавым юмором, пленяет свежестью и богатством мелодики. Композитор в ярких и выразительных образах запечатлел радость труда и отдыха, любовь к природе, сердечные чувства простых людей. Один из основоположников венской классической школы. Автор около 30 опер, ораторий «Возвращение Товия», «Сотворение мира», «Времена года», 14 месс, кантат и др. духовных произведений, не менее 104 симфоний, в их числе «Прощальной», около 50 концертов и др.

Герцен Александр Иванович (1812–1870) – русский писатель, философ, публицист. Был внебрачным сыном богатого барина И. Я. Яковлева, получил хорошее образование, окончил естественный факультет Московского университета. В 1834 г. за свободомыслие был арестован и сослан; жил в Перми, Вятке, Владимире. Вернулся в Москву убежденным революционером-демократом. Опубликовал блестящие сочинения: «Дилетантизм в науке» (1843), «Письма об изучении природы» (1846). Написал роман «Кто виноват?» (1845), повести «Сорока-воровка, «Доктор Крупов» (1846). На следующий год уехал с семьей за границу и уже не возвращался на родину. В Лондоне основал в 1853 г. «Вольную русскую типографию», в которой стал печатать сборники «Полярная звезда», продолжавшие традиции декабристов, и газету «Колокол», призывавшую к свержению крепостничества и самодержавия. Самым значительными сочинением Герцена стала книга воспоминаний и размышлений «Былое и думы».

Из высказываний А.И. Герцена:

Награда всякому труду в самом труде, в деятельности.

Человек живет не для свершения судеб, не для воплощения идеи, не для прогресса, а единственно потому, что родился и родился... для настоящего.

Одна крайность вызывает всегда такую же крайность с противоположной стороны.

Гершвин Джордж (1898–1937) – американский композитор. Родился в Нью-Йорке, в семье выходцев из России. Композиторскую работу начал в 1916 как автор музыки к спектаклям. Первая его оперетта «В половине девятого» не имела успеха и быстро сошла со сцены. Последующие оперетты строились по образцам модных ревю и пользовались большой популярностью. В начале 20-х гг. впервые использует негритянские народные мелодии в одноактной опере «135 улица», близкой по характеру к бытовой драме. Однако у бродвейской публики, привыкшей к легким, развлекательным спектаклям, популярностью не пользовалась. В 1935 написал оперу «Порги и Бесс», получившую всеобщее признание как глубоко гуманистическое произведение: впервые в истории американской музыки появляется сюжет из жизни негров; в основе музыки негритянский фольклор – блюзы и спиричуэлс. Разговорная речь в опере сочеталась с развернутыми ариями, ансамблями, хорами, ритм был стремителен и разнообразен. Также автор музыки к кинофильмам «Король джаза», «Безумная», «Люби меня сегодня вечером» и др. Песни из фильмов получили популярность во многих странах. Написал несколько оперетт для нью-йоркских театров. Удостоен Пулитцеровской премии.

Глазунов Илья Сергеевич (р. 1930) – русский живописец и график. Автор патетических, иногда эксперссивных картин на патриотические темы – серия «Поле Куликово», «Русский Икар», «Русская твердыня», «Сын Малюты Скуратова», «Мистерия ХХ века», «Рассвет над древним Кремлем» и многих других. Им написано большое количество портретов – поэтов Слуцкого и Глазкова, актрисы Т. Самойловой, короля Лаоса, короля Швеции, министра Щелокова, писателей Коротича и Сергея Михалкова, семьи Кобзонов и другие. Иллюстрировал произведения русских классиков, особенно удались графические работы к романам Ф. Достоевского. Автор дизайнов самолета президента России (1996).

Глинка Михаил Иванович (1804-1857) – русский композитор. Первоначальное музыкальное образование получил дома. Спустя несколько лет систематизировал музыкально-теоретические познания в Берлине. В 1830-1834 жил за границей (Италия, Австрия, Германия). С января 1837 до конца 1839 состоял капельмейстером Придворной певческой капеллы. В 1838 ездил по делам капеллы на Украину. В июне 1844 выехал в Париж, оттуда, после годичного пребывания, в Испанию, где провел два года, изучая испанский музыкальный фольклор. В 1847-1851 жил в Смоленске, Варшаве, Петербурге. В 1856 уехал в Берлин. В историю мировой музыкальной культуры вошел как основоположник русской музыкальной классики. День первого исполнения оперы «Иван Сусанин» (1836) можно назвать днем рождения русской классической музыки. Родоначальник основных жанров отечественной профессиональной музыки. Героическая народно-патриотическая опера «Иван Сусанин» и эпическая волшебно-фантастическая опера «Руслан и Людмила» наметили основные пути развития русской оперы. Симфонические творения, насыщенные яркой образностью, определили дальнейшее движение русской симфонической музыки. Романсы стали классическим примером воплощения поэтических образов в музыке.

В творчестве Глинки нашли свое начало основные эстетические принципы, ставшие впоследствии великими демократическими традициями русской музыки: высокая идейность, оптимизм, народность, национальная определенность музыки, мастерство. В силу всего этого творчество Глинки оказало огромное влияние на последующее развитие русской музыкальной культуры.

Гоген Поль Эжен Анри (1848-1903) – французский живописец, представитель импрессионизма и символизма. Уроженец Парижа, он с юных лет вынужден был самостоятельно зарабатывать на жизнь, стал моряком, а затем биржевым маклером, банковским служащим, обзавелся семьей. Ему было 35 лет, когда он увлекся живописью и решил стать художником. Испытывал бедность, порвал с семьей, скитался. В 1887 жил на о-ве Мартиника, в 1891-1893, 1895-1901 на о-ве Таити, позже на о-ве Доминика. Жизни островитян, их легендам посвятил живописные работы, керамику, резьбу по дереву и автобиографическую книгу «Ноа-Ноа». Идиллией образов, яркой декоративной красочностью отличаются картины «Беседа» (1891), «А, ты ревнуешь?» (1892), «Женщина держит плод» (1893), «Идол» (1989) и другие.

Гогена не устраивали буржуазные ценности, ненасытная жажда денег, суета технической цивилизации. В своем творчестве он утверждал свободу человеческой личности, счастье простой жизни в единстве с природой, окружающими людьми и самим собой. Его картины наполнены светом, завораживают цветовыми контрастами, одновременно яркими и гармоничными. С 1891 г. художник, живет в согласии со своими убеждениями, работает как скульптор, график, керамист, пишет теоретические статьи. Наиболее прославлены его живописные полотна. Скончался в своем простом доме на о. Фату-Ива Маркизского архипелага.

Гоголь Николай Васильевич (1809-1852) – русский писатель, драматург. Родился в Великих Сорочинцах, на Украине; детство провел в имении отца, принадлежавшего к старинному дворянскому роду. Получил хорошее домашнее образование. Отец увлекался театром, писал водевили, стихи. Николенька с детства играл в спектаклях (предпочитая комические роли), любил рисовать. Окончил Нежинскую гимназию высших наук. С 16 лет стал сочинять стихи, сатиры, повесть, трагедию. В 1828 г. переехал в Петербург. Первые опыты сочинительства окончились неудачей. Поступил на службу и состоял чиновником до 1831 г. Посещал литературные салоны; познакомился с В.А. Жуковским; А.С. Пушкиным. В год окончания служебной карьеры издал рассказы «Вечера на хуторе близ Диканьки», имевшие успех у публики и критики. Поступил на должность профессора истории Петербургского университете, но вскоре оставил эту работу. Издал сборники «Миргород», «Арабески», затем петербургские повести. В его произведениях соединились юмор, сатира, мистика, философия, народная мудрость и реалистические образы в самых фантастических порой ситуациях. Его «смех сквозь слезы» проявился, прежде всего, в «Записках сумасшедшего», «Невском проспекте», «Шинели». Комедия «Ревизор» и роман «Мертвые души» (часть 1; рукопись 2 части автор сжег в 1852 г.) показали чиновно-крепостную Россию без прикрас. Его последней работой, проникнутой религиозными идеями, стали «Выбранные места из переписки с друзьями».

Гойя Франсиско Хозе (1746-1828) – испанский живописец и гравер. Много путешествовал, посетил Италию. Ранние произведения, исполненные частично в традициях рококо, в основном наполнены радостным мироощущением. С 1789 придворный художник Карла IV. В 90-е и нач. 19 в. создал портреты, удивительные по остроте и убедительности характеристик (групповой портрет королевской семьи и др.). Близки к портретному жанру два произведения – «Маха обнаженная» и «Маха одетая», в которых воспевается красота молодой женщины из народа. В 90-е гг. углубляется критическое восприятие художником действительности. Наиболее значительное произведение этого времени «Капричос» (серия из 83 офортов) – яркий образец острой сатиры. В фантастических звериных образах художник показывает мир зла, позора, фанатизма, невежества.

В 19 в. становится более мощным драматическое начало, особенно в произведениях о борьбе и страданиях испанского народа в войне с Наполеоном («Расстрел повстанцев ночью на 3 мая 1808 года», графическая серия «Бедствия войны»). После изгнания Наполеона и укрепления феодальной реакции в произведениях художника начинают преобладать трагическая растерянность, кошмарная фантастика образов, пессимизм (фрески «Дома глухого», графическая серия «Диспаратес»). В конце жизни Гойя снова возвращается к теме народа, создает монументальные образы простых людей («Водоноша» и др.). Творчество художника – вершина испанской национальной культуры на рубеже 18 и 19 вв.

Горький Максим (1868-1936) – русский советский писатель, публицист, драматург, общественный деятель. Родился в Нижнем Новгороде в семье столяра-краснодеревщика. Мать была дочерью владельца красильного завода, у которого и воспитывался в детские годы Алексей Максимович Пешков (такова настоящая фамилия писателя, избравшего псевдоним М. Горький). Он рано потерял отца, с 11 лет пошел «в люди»: работал в магазине, посудником на пароходе, учеником в иконописной мастерской, позже – грузчиком, пекарем. Посещал просветительские кружки, упорно занимался самообразованием. В поисках смысла жизни и для познания России странствовал. Был арестован в 1889 г. как причастный к революционерам-народникам, находился под надзором полиции. В 1892 г. опубликовал первый рассказ «Макар Чудра». Стал сотрудничать в журналах Нижнего Новгорода, Самары. Его двухтомник «Очерки и рассказы» (1989) имел успех. Большой общественный резонанс вызвали «Песня о Соколе» (1895) и «Песня о Буревестнике» (1901), повесть «Фома Гордеев», пьесы «Мещане» и «На дне» (1902). Горького избрали почетным академиком, но Николай II не утвердил его кандидатуру. Революционное движение отразил роман «Мать» (1906), пьеса «Враги». После 1905 г. много жил за границей, лечился в Италии. Приветствовал революцию 1917 г. в России, но резко критиковал большевиков и В.И. Ленина за террор и установление военной диктатуры (очерки «Несвоевременные мысли»). Позже признал советскую власть, дружил с И. В. Сталиным, организовал Союз писателей СССР и стал председателем, много работал как редактор, просветитель. Остановил большое литературное наследие, в частности крупный незавершенный роман «Жизнь Клима Самгина».

Гравюра (фр. graver – вырезать) – в изобразительном искусстве раздел графики, включающий в себя произведения, исполненные посредством печатания с гравюрной доски. Отдельное произведение соответствующего раздела графики также называется гравюрой. В прошлом собственно гравюрная, техническая часть работы нередко выполнялась специализировавшимися в ней мастерами. Гравюра называется оригинальной, если она целиком, включая всю обработку доски, исполнена самим художником. Репродукционная гравюра (появившаяся в Европе с 15-16 вв.) воспроизводит обычно живопись (с различной степенью полноты и точности). На старых гравюрах встречаются следующие краткие обозначения исполнителей: для автора воспроизводимого оригинала «pinx», «pinxit» – написал, изобразил; для рисовальщика «del.» (delineavil) – зарисовал; для гравера «sc.» (scuipait) – вырезал; для печатника «imp.» (impessit) или (exc.) (excudit) – изготовил, выполнил. По назначению делится в основном на станковую, т.е. рассчитанную на самостоятельное существование, и книжную.

Основные этапы исполнения гравюры: перевод подготовительного рисунка с бумаги на поверхность доски, гравирование в собственном смысле и печатание. Разновидности гравюрной техники различаются в основном по способам гравирования (т.е. нанесение на поверхность доски мелких углублений и неровностей при помощи металлических инструментов или химических средств). Такие способы довольно многочисленны: резцовая, меццо-тинто, сухая игла, офорт, мягкий лак, акватинта, карандашная манера, пунктирная манера, резерваж, лавис, серный цвет, ксилография, линогравюра, гравюра на камне и другие. Основные материалы гравюры – металл, (медь, цинк, сталь), дерево (самшит, пальмовое, грушевое и др.), линолеум. Обработка гравюрной доски производится или механическими средствами, т.е. при помощи инструментов из металла (штихеля, гравировальной иглы, специального ножа, качалки, шабера и др.) или травлением кислотою.

Иногда гравюрной техникой называют механические способы обработки доски (относятся химические способы к самостоятельной области офорта в широком смысле слова). Когда углубления на поверхности обработанной доски соответствуют белым частям отпечатка, гравюра называют выпуклой, при соответствии же черным его частям – углубленной. Тоновая гравюра использует светотень в качестве основного художественного средства; она может выполняться тонкими тесно расположенными линиями – штрихами – с расчетом на восприятие этих линий в массе, слившимися в тоновое пятно той или иной светосилы.

Графика (греч. grаpho – пишу, рисую) – один из видов изобразительного искусства, близкий живописи по содержанию и форме, но имеющий свои собственные конкретные задачи и художественные возможности. В отличие от живописи, основным изобразительным средством графики является однотонный рисунок (т.е. линия, светотень); роль цвета в ней сравнительно ограниченная. Со стороны технических средств графика включает в себя рисунок во всех его разновидностях. Как правило произведения графики исполняют на бумаге, изредка применяются и др. материалы (напр., шелк или пергамент). В зависимости от назначения и содержания подразделяется на: станковую, которая охватывает произведения самостоятельного значения (не требующие для раскрытия своего содержания непременной связи с литературными текстом и не ограниченные суженным, строго определенным практическим назначением), книжную и журнально-газетную, образующую идейно-художественное единство с литературным или сопроводительным текстом и одновременно предназначенную для декоративно-художественного оформления книги, журнала и т.п.; плакатную, представляющую собой самый массовый вид изобразительного искусства, призванную осуществлять художественными средствами задачи политической агитации; художественно-производственную, или прикладную (этикетки, грамоты, почтовые марки и пр.).

Обладает большей по сравнению с живописью и скульптурой оперативностью. Она способна с исключительной быстротой отзываться на новые явления и запросы общественной жизни, активно участвуя в ней. Произведения графики обращаются к самой широкой аудитории, так как предназначаются не только для показа на выставках и в музеях, но прежде всего для массового воспроизведения на страницах газет, журналов и книг, в специальных альбомах, в многочисленных видах плакатной продукции, на денежных знаках, марках, этикетках и т.п.

Григ Эдвард (1843–1907) – норвежской композитор, пианист, дирижер, критик. В детстве обучался музыке у матери, пианистки. Дальнейшее образование получил в Лейпцигской консерватории. В 1863 переехал в Копенгаген, где сблизился с Н. Гаде и автором норвежского гимна Р. Нурдроком. Последний пробудил в нем интерес к национальному музыкальному фольклору. В 1866 вернулся в Норвегию, жил в Христиании (ныне Осло), Бергене и его окрестностях. Концертировал как пианист и дирижер в Германии, Англии, Франции и других странах. Избран почетным членом Шведской академии музыки, доктором Кембриджского и Оксфордского университетов. В историю музыки вошел как основоположник норвежской национальной композиторской школы и первый классик норвежской музыки.

Преимущественная область творчества Грига – инструментальная и вокальная миниатюра. Национальное своеобразие сливается в его музыке с ярко индивидуальным творческим почерком. Творчество Грига высоко ценили русские композиторы. Чайковский, который познакомился с ним в 1888, писал: «Григ сумел сразу и навсегда завоевать себе русские сердца. В его музыке... есть что-то нам близкое, родное». Автор 3 сцен из неоконченной оперы «Улаф Трюгвасон», вокально-симфонических произведений, в их числе «У врат монастыря» для женского хора и оркестра, музыки к драме Б. Бьернсона «Сигурд Юрсальфар», пьесе Г. Ибсена «Пер Гюнт», увертюры «Осенью», симфонических танцев, 68 лирических пьес и др.

Гуттузо Ренато (1912–1987) – итальянский художник, типичный представитель социалистического реализма. Тематика картин Гуттузо, предпочитавшего стиль «плоскостного» изображения с большим количеством деталей, всегда занимала равноправное положение наряду с художественной композицией.

Гуттузо родился в Багерии, под Палермо (Сицилия), в семье земельного администратора. В школьные годы мальчик посещал курсы рисования. В 1930 Ренато поступил в Палермский университет на факультет права, но через год оставил учебу.

В 1937 примкнул к движению антифашистов. Он отказался от тематики раннего периода (ландшафты, позирующие натуры) и стал писать картины с политическим звучанием. Свою картину «Расстрел в чистом поле» (1938) он посвятил испанскому поэту Федерико Гарсиа Лорке, который через несколько дней после начала гражданской войны в Испании был убит фалангистами. В том же году Гуттузо стал одним из основателей объединения художников-антифашистов, которые боролись против диктатуры Бенито Муссолини.

Через год Гуттузо вступил в запрещенную в то время Коммунистическую партию Италии (КПИ), и стал работать учителем рисования в гимназии.

Вскоре после окончания второй мировой войны Гуттузо опубликовал серию рисунков под общим заголовком «Бог с нами», напомнив о зверстве фашизма.

В начале 50-х Гуттузо вновь обратился к кубизму в ландшафтах, натюрмортах и интерьерах. Этот период продолжался около двух лет, и по окончании его Гуттузо создал многочисленные зарисовки из жизни рабочих и крестьян, своим реалистичным стилем во многом обязанные французскому живописцу Гюставу Курбе.

В 70-е картины Гуттузо стали автобиографичными. Из-под его кисти вышли ландшафты родной Сицилии, портреты друзей.

В 1976 Гуттузо был избран в итальянский сенат депутатом от КПИ (что не мешало ему держать ливрейного лакея, ежедневно прислуживавшего за столом).

В 1987 Гуттузо скончался в Риме в возрасте 75 лет.

Гюго Виктор Мари (1802-1885) – французский писатель, драматург, член Французской академии с 1814 г. В его семье существовал идейный разлад: отец был офицером, мать – приверженкой королевской власти. Виктор воспитывался матерью, окончил Лицей Святого Людовика и в первых своих одах (1822) восхвалял монархию. В дальнейшем его взгляды стали революционно-демократическими. Он написал драмы «Кромвель» (1827) и «Эрнани» (первая постановка в 1830 г.), «Рюи Блаз» (1838). Создал образы романтических героев, борцов за свободу, человеческое достоинство. Его драма «Король забавляется» легла в основу либретто оперы Верди «Риголетто». Стал знаменит как поэт во Франции, а всемирную славу принесли ему романы «Собор Парижской Богоматери» (1831) и более поздние: «Отверженные», «Труженики моря», «Человек, который смеется, «93-й год». После прихода к власти Луи Наполеона в 1851 г. вынужден был отправиться в изгнание, продолжавшееся 19 лет. Гюго не был сторонником революционных переворотов, однако выступал в поддержку революционеров, подвергавшихся несправедливым наказаниям.

Давид Жак Луи (1748-1825) – французский живописец, основоположник классицизма во французском искусстве, общественный деятель. Его творчество наиболее полно отразило бурный революционный закат эпохи Просвещения во Франции – в стиле возвышенного, порой несколько театрального классицизма. Учился в Париже; удостоившись Римской премии, уехал в Италию; вдумчиво изучал классическое искусство. вернувшись в Париж, получил заказ от Людовика XVI и создал полотно «Клятва Горациев» на героический античный сюжет. Когда король заказал ему свой портрет, Давид в качестве одного из образцов обратился к картине Ван Дейка «Карл I», где изображен английский король, которому вскоре отрубили голову. Та же участь постигла в 1793 г. и Людовика XVI, а «Клятва Горациев» стала восприниматься как революционный призыв к свободе и защите Родины. В том же году Давид написал «Смерть Марата». Художник был членом Конвента, организовывал народные празднества, превратил Лувр в Национальный музей, разогнал бездарную Королевскую академию художеств, создав Коммуну искусств... После поражения революции был арестован, но избежал смертной казни. При Наполеоне отказался стать «художником правительства». У Давида было очень много учеников и еще больше поклонников (в их числе и Наполеон). Художник не старался угодить не только правительству, но и общественному мнению. В период революционного угара и наполеоновских войн он написал картину «Сабинянки», где показано, как над яростью и смертельной враждой торжествует любовь.

Главные произведения «клятва Горациев», «Брут», «Смерть Марата» отличаются героичностью образов, ясностью композиции, скульптурностью форм. Большая реалистическая сила характерна для портретов («Зеленщица», Лепелетье, Энгр, автопортреты). В годы монархии Наполеона отошел от революционных идей и стал писать официально–академические картины и парадные портреты.

Дали Сальвадор (1904–1989) – испанский художник, скульптор и график, важнейший представитель сюрреализма. Стилистические эксперименты и эксцентричные поступки сделали его одной из самых популярных и спорных фигур среди художников ХХ столетия.

Сальвадор Фелипе Хасинто Дали родился (Каталония) в семье нотариуса. Уже в раннем детстве он начал проявлять интерес к рисованию в живописи и брать частные уроки. В 16 лет он был зачислен в Художественную академию в Мадриде.

В начале двадцатых Дали был очарован работами футуристов, способных визуально представить движение. В Мадриде он познакомился с поэтом Федерико Гарсии Лоркой и кинорежиссером Луисом Бунюэлем. В 1923 за нарушения дисциплины Дали был на год отчислен из академии. В этюдах того времени он обращался к работам в стиле кубизма Пабло Пикассо и Хуана Гриса, О чем свидетельствует, например, разложение на многочисленные грани фигур в картине «Молодые девушки» (1923).

В 1926 Дали был изгнан из академии. Уже в картинах 1928 заметно влияние сюрреалистов (особенно Ива Танги) и метафизической живописи Джорджио де Хирико.

В том же 1928 Дали уехал в Париж, вступил в группу и создал первые самостоятельные сюрреалистические работы (например «Кровь слаще меда», 1928, «Светлые радости», 1929).

В 1929 Дали влюбился в Галу, жену писателя Поля Элюара. Гала ушла от мужа и стала спутницей жизни и музой испанца. Известность Дали принесли такие картины, как «Расплывшееся время» (1930) и «Постоянство памяти», (1931). Мотивами его творчества являлись смерть и разрушение, а также мир сексуальных переживаний человека. В начале 30-х Дали вступил в конфликт с сюрреалистами по вопросам политики. Его монархические наклонности и восхищенные отзывы об Адольфе Гитлере восстановили многих против него. Дали порвал с сюрреалистами после того, как те обвинили его в контрреволюционной деятельности.

Дали назвал целью своей живописи точное описание бессознательных картин сновидений. Примером могут служить, в частности, «Метаморфозы нарцисса» и «Сон» (обе – 1937).

В том же 1937 Дали приехал в Италию, где интересуется главным образом живописью Возрождения, маньеризмом и барокко. В «Испании» (1938) Дали расположил сражающихся всадников на заднем плане таким образом, что одновременно они представляли лицо женщины.

В 1940 Дали уехал из Франции в Калифорнию, где открыл новую мастерскую. Порвав с авангардистами, он занялся разработкой религиозно-фантастической тематики.

В 1973 Дали и Гала открыли в Фигуэрасе «Музей Дали» – культурное место художников. Спустя шесть лет искусство инсценировки Дали достигло апогея: на одном из собраний Французской Академии он произнес темпераментную речь, в которой объявил, что после смерти желает быть замороженным, чтобы воскреснуть в один прекрасный день, за что был причислен Академией к лику святых. В 1982 умерла его жена Гала, и Дали уединился в замке Пуболь. Ему было 84 года, когда он скончался в Фигуэрасе.

Данте Алигьери (1265–1321) – итальянский поэт, мыслитель. Уроженец Флоренции, он принадлежал к аристократическому роду. Еще ребенком Данте влюбился в ровесницу Беатриче, дочь соседа. Чувство это пронес через всю жизнь (прекрасная Беатриче умерла в юности). Оно вдохновило его на создание стихов. Но Данте был не только поэтом, но и активны м гражданином, участвовал в городском самоуправлении. В 1295 г. он отказался от дворянства и вошел в цех аптекарей. Занимая высокую должность, препятствовал сторонникам папы римского захватить Флоренцию. Когда же его противники победили и приговорили Данте к смертной казни, ему пришлось покинуть родной город, а затем и Италию. Он долго скитался по чужбине, стал знаменитым поэтом, написал несколько философских трактатов, но так и не смог вернуться на родину. Последние 6 лет жизни провел в г. Равенне, где создал великую поэму о своих хождениях по кругам ада, пребывании в чистилище и в раю. Данте назвал ее комедией. Позже название дополнили восторженные читатели: «Божественная комедия».

Говорят, в Вероне местный правитель оказывал Данте меньше внимания, чем своему шуту. Кто-то сказал об этом Данте, который ответил: «Каждый больше любит себе подобного».

Даргомыжский Александр Сергеевич (1813-1869) – русский композитор. Получил домашнее музыкальное образование. В 1853 в Петербурге состоялся концерт из произведений Драгомыжского, завоевавший ему широкое общественное признание. С конца 50-х гг. сотрудничал в сатирических журналах «Искра» и «Будильник». Принимал участие в создании Русского музыкального общества, в 1867 был избран директором петербургского отделения общества. Проложил новые пути в русском музыкальном искусстве, откликаясь на идейно-эстетические запросы передовых общественных кругов своего времени. В его творчестве – горячее сочувствие к «маленьким» людям, обличение социального неравенства, глубокое раскрытие душевного мира простого человека. Появились новые приемы и средства музыкальной выразительности. Особенно примечательно в этом отношении создание им выразительного, гибкого мелодического речитатива, который, не теряя напевности, передавал оттенки и краски человеческой речи. Наиболее последовательное воплощение эта декламационная форма пения нашла в «Каменном госте», оказавшем значительное влияние на дальнейшее развитие русской классической оперы. Мусоргский назвал Драгомыжского великим учителем музыкальной правды. Автор опер «Эсмеральда», «Русалка», «Каменный гость», оперы-балета «Торжество Вакха», шутки-фантазии «Баба-Яга», фантазии «Малороссийский казачок», Чухонской фантазии, около 100 романсов и песен, в их числе «И скучно, и грустно», «Расстались гордо мы», «Мне грустно», «Шестнадцать лет», «Ночной зефир», «Я здесь, Инезилья», «Свадьба», «Лихорадушка», «Титулярный советник», «Мельник», «Червяк», «Старый капрал» и др.

Дебюсси Клод Ашиль (1862-1918) – французский композитор, пианист и дирижер. В 1885-1886 жил в Италии, в дальнейшем бывая в Англии, Австрии, Голландии, Италии. В 1913 в третий раз приезжал в России для исполнения своих сочинений. В историю музыки вошел как зачинатель музыкального импрессионизма. Творчество его, на формировании которого частично сказалось влияние русской музыки («Бориса Годунова» Мусоргского, «Антара» Римского-Корсакова и др.), отмечено яркой самобытностью, поэтичностью, преобладанием светлых, радостных эмоций, тонкой звукописью, богатством красок. Он сочетает типично французские черты – хороший вкус, чувство меры, изящество формы, красочность музыки, тягу к изобразительности – со смелым и вдохновенным новаторством.

Стремясь запечатлеть в звуках мгновенные ощущения, мимолетные впечатления, тончайшие оттенки эмоций, контуры пейзажа и т.п., обновил средства музыкальной выразительности, обогатил звуковую (особенно оркестровую) палитру, создал новые типы произведений. Не отказываясь от рациональной организации музыкального материала и стройности пропорций, избегал классических схем формообразования и традиционных принципов тематического развития. Автор опер «Пеллеас Мелизанда» (по драме М. Метерлинка), балетов «Игры», «Ящик с игрушками» мистерии «Страсти святого Себастьяна», кантат «Блудный сын», «Дева-избранница», прелюдии «Послеполуденный отдых фавна», ноктюрнов, многочисленных произведений для фортепиано.

Дега Эдгар (1834-1917) – французский живописец и скульптор. Ранние работы – портреты и исторические композиции. Зрелые произведения рассказывают от тогдашней жизни Парижа (скачки, балет, театр). Примыкал к импрессионистам, но в отличие от них придерживался тщательного рисунка. Лучшие работы («Абсент», «Гладильщицы») отличаются высокой техникой, правдивостью и остротой характеристик, которые часто имеют социальную оценку. Со временем в творчестве художника укрепились декоративные тенденции («За туалетом», «Голубые танцовщицы», «Звезда»). Это картины со строго выверенной асимметричной композицией, гибким и точным рисунком, неожиданными ракурсами фигур. В конце жизни занимался скульптурой.

Дейнека Александр Александрович (1896-1969) – русский живописец. В 1920-1925 учился во ВХУТЕМАСе у В. Фаворского. Член левой группы художников «Октябрь». В 20-е гг. работал в области журнальной графики, создал свое лучшее произведение – картину «Оборона Петрограда» (1928), в 30е гг. создал картины «Мать», «Донбасс. Обеденный перерыв», «Будущие летчики». В годы войны отразил суровое время в картинах «Окраины Москвы. Ноябрь 1941 года» и «Оборона Севастополя». Одно из лучших произведений послевоенного периода – картина «У моря». Автор многих монументальных работ: панно и росписи в Центральном театре Советской Армии (1940) и на ВДНХ (1957); мозаики – плафоны станций московского метро. Много работал в области станковой графики (серии «Севастополь», «Москва военная»).

Декоративно-прикладное искусство – искусство изготовления бытовых предметов, обладающих художественными, эстетическими качествами и предназначенных не только для удовлетворения прямых практических потребностей, но и для украшения жилищ, архитектурных сооружений, парков и т.д. К области декоративно-прикладного искусства относятся художественно выполненные мебель, посуда, одежда, ковры, вышивка, ювелирные изделия, игрушки и др. предметы, а также орнаментальные росписи и скульптурно-декоративная отделка интерьеров и фасадов зданий, облицовочная керамика, витражи и т.п.

Делакруа Эжен (1798-1863) – французский живописец-романтик. Автор революционно-романтической картины «Свобода на баррикадах», картин, посвященных борьбе Греции против турецкого владычества («Резня на Хиосе»), и исторических картин («Взятие Константинополя крестоносцами»). Многие произведения написаны на восточные («Алжирские женщины») и литературные темы. Работал в области монументальной живописи и литографии. Его искусству свойственны яркость и смелость образов, большая эмоциональная выразительность.

Державин Гаврила Романович (1743-1816) – русский поэт и государственный деятель. Сын мелкопоместного провинциального дворянина, не получивший хорошего образования. Начав службу простым солдатом и лишь в 1772 г. получив офицерский чин, Державин, казалось бы, обречен был прозябать в безвестности. Но, отличившись при подавлении Пугачевского восстания, был оценен, перешел на статскую службу и быстро стал заметной фигурой при дворе. Был личным секретарем императрицы Екатерины II, губернатором, сенатором, министром, государственным казначеем, правителем императорского Совета... Но славен и остается в памяти потомков как поэт. Именно своей одной «Фелице», посвященной Екатерине II, обратил на себя внимание. Писал не только тяжелозвучные торжественные оды, но и философские стихи, и застольные шуточные песни. Стих его далеко не всегда чист и прозрачен. Поэт порой возводит словесные громады, в особенности, когда пишет о сути бытия, о неотвратимости смерти и о том, что преодолевает ее, – о Божественном Духе, пронизывающем все мироздание. Его гениальную поэму «Бог» следует не только читать, но и изучать. О человеке Державин сказал:

Я телом в прахе истлеваю,

Умом громам повелеваю,

Я царь – я раб, я червь – я Бог!

Державин ясно понимал и безмерность, и ограниченность человеческих возможностей, бренность земной жизни. И полагал, что Бога почтить можно лишь стремлением к нему подниматься,

В безмерной разности теряться

И благодарны слезы лить.

Дефо Даниель (ок. 1660-1731) – английский писатель, журналист. Получил мировую известность, благодаря роману «Жизнь и удивительные приключения Робинзона Крузо» (1719). Однако при жизни он был известен, прежде всего, своими политическими фельетонами, памфлетами. Он мечтал разбогатеть, пускался в авантюры, занимался коммерцией, но периодически разорялся. При это публиковал острые статьи в защиту свободы мысли и убеждений, за что был наказан: три дня простоял к колодках у позорного столба на лондонской площади. Это стало его триумфом: горожане его приветствовали, забрасывали цветами. Позже писал по указке, притворяясь «независимым» журналистом. Он признавался: «Я видел изнанку всех партий. Все это видимость, простое притворство и отвратительное лицемерие... Их интересы господствуют над их принципами». Его перу принадлежат романы «Капитан Синглтон», «Молль Флендерс», «Счастливая куртизанка, или Роксана» и др., а также две книги, продолжающие тему «Робинзона». И все-таки история Робинзона Крузо, мужественно и умело осваивавшего остров, высоко оцененная еще Ж.Ж. Руссо, оказалась в его творчестве непревзойденной, потому что посвящена она вечным ценностям: великолепию природы, величию человеческого духа, торжеству разума и труда.

Джаз (англ. jazz) – род музыки, возникшей на основе фольклора американских негров и африканских народных ритмов, обогащенных элементами европейской гармонии и мелодии. Термин джаз происходит, по одной версии, от французского слова «болтать, трещать» или английского «преследовать, погоня», по другой – от имени негритянского музыканта Джазбо Брауна, организатора и руководителя первого джазового ансамбля в Нью-Йорке в 1915. Как новый тип музыки возник на юге США в конце 19 нач. – 20 в. Оказал влияние на творчество многих западных композиторов: элементы джаза есть у Гершвина, в операх Равеля, в некоторых симфониях Дебюсси, Мийо и других.

Дизайн (англ. design – проектировать, конструировать) – разновидность художественного творчества, охватывающая конструирование и создание рациональных и эстетических форм изделий, объектов и всей предметной среды, окружающей человека.

Дикс Отто (1891–1969) – немецкий художник и график, посвятивший себя критике социальной несправедливости. В своих произведениях военных и послевоенных лет он с поразительной точностью изображал смерть, насилие и нищету.

Дикс родился в Унтермхаусе в семье литейщика. После того, как в 1905–1909 он выучился на художника-оформителя, он стал стипендиатом Школы прикладных искусств в Дрездене. В его ландшафтах того времени заметно влияние постимпрессионизма и экспрессионизма. С 1912 Дикс занялся написанием автопортретов в стиле мастеров ХV–ХVI столетий. В самом начале войны Дикс записался в армию добровольцем и был определен в полевую артиллерию. Он узнал ужасы и мерзости окопной войны, был несколько раз ранен. Война крепко запала ему в душу – она была темной более чем сотни рисунков и портретов. Чтобы добиться точной передачи перспективы полевых окопов, он разработал собственную технику так называемого «кромсания на куски»: опираясь на опыт кубизма, Дикс разбивал целое на отдельные составляющие.

В 1919 Дикс приехал в Дрезденскую Академию и организовал «Дрезденский Сецессион». К тому времени относятся гравюры на дереве в экспрессионистком стиле группы «Мост», а также картины в духе дадаизма, выполненные из подручного материала. В начале 20-х Дикс приблизился к реализму, показывая бедность послевоенной жизни.

В то же время Дикс не считал себя политическим художником – он всего лишь хотел создать «объективные, нейтральные и беспристрастные картины».

В 1922 он перебрался в Дюссельдорф. Там он создал графическую серию «Война» и свою самую известную работу «Полевые окопы» (1923). В 1923 Отто Дикс женился на Марте Кох. Еще через два года он переехал в Берлин.

В 1927 Дикс стал профессором Дрезденской Художественной академии. Контрасты между роскошью и нищетой он показал в триптихе «Большой город» (1927/28). Один из следующих триптихов «Война» посвящен бедам, принесенным войной, – этой теме Дикс остался верен вплоть до 40-х годов. 1933 вскоре после захвата власти национал социалисты обвинили Дикса в «безнравственности и подрыве обороноспособности», лишили его профессионального поста и запретили выставлять свои работы.

Уже в 1933 перебрался в замок своего шурина в Рандегге. Там он написал ландшафты. Кроме того, он обратился к религиозной тематике. После покушения на Гитлера в мюнхенском пивном подвальчике (1939) Дикс был арестован в числе прочих неблагонадежных лиц, но уже через неделю отпущен. Несмотря на пропагандистские нападки в его сторону, он остался в Германии. Незадолго до конца войны, когда художнику было уже 54 года, он был признан в фольксштурм и через несколько дней оказался во французском плену. В лагере для военнопленных в Эльзасе его определили в группу художников, где он перерисовывал фотоизображения Шарля де Голля на транспаранты и написал икону для капеллы.

1946 г. после освобождения Дикс месяц работал на покраске автомобилей. Во время летнего путешествия в Грецию в 1967 у Дикса произошло кровоизлияние в мозг. В 1969 оно повторилось снова, и в том же году художник умер в Зингере в возрасте 77 лет.

Добужинский Мстислав Валерьянович (1875-1957) – русский живописец и график. Входил в объединение «Мир искусства». Учился в Мюнхене и Петербурге у В. Матэ. Известен графическими портретами, циклом рисунков старых городов, иллюстрациями («Белые ночи» Достоевского). С 1907 работал в театре, создал декорации к спектаклям «Месяц в деревне» по Тургеневу, «Николай Ставрогин» по Достоевскому, «Горе от ума» по Грибоедову. Один из организаторов Большого драматического театра в Петрограде. С 1922 профессор. С 1924 за границей.

Домье Оноре (1808-1879) – французский живописец и литограф. В своих политических и бытовых карикатурах изобличал пороки буржуазного общества («Законодательное чрево», «Улица Траснонен» и др.). Многие картины в литографии посвящены людям труда («Прачка» и др.) и темам революции («Восстание», «Семья на баррикаде»).

Дымковская игрушка – русский народный художественный промысел по изготовлению глиняных лепных расписных фигурок людей и животных.

Екатерина II Алексеевна (1729-1796) – российская императрица с 1762 г., автор пьес и мемуаров. Жизнь ее похожа на волшебную сказку. Родилась в г. Штетине, в семье захудалого немецкого князька, звалась Софией Фредерикой Августой, принцессой Ангальт-Цербстской, не отличилась ни внешностью, ни знатностью, ни богатством. В детстве тяжело заболела. Физический недуг помог ей укрепить характер, а одиночество – разум: она много читала и размышляла. Благодаря сложным дворцовым интригам, была представлена императрице Елизавете, сумела ей понравиться, освоила русский язык, стала невестой наследника престола Петра Федоровича и приняла православие, получив имя Екатерина. Обладала здравым умом, деловитостью, трудолюбием, сильной волей; научилась управлять собой, а затем и руководить другими. Произведя государственный переворот при подрежке гвардейцев, она продолжила дело Петра I, но в духе эпохи Просвещения. Умея выбирать себе достойных помощников и фаворитов, постоянно укрепляла самодержавие. В ее царствование в результате успешных войн к России были присоединены Крым, Кубань, Правобережная Украина, Литва, Курляндия, Белоруссия. Россия превратилась в одну из влиятельнейших мировых держав, а бывшая «бедная принцесса» стала прославленной и просвещенной императрицей. Она с полным основанием могла заключить: «Счастье не так слепо, как его себе представляют... счастье отдельных личностей бывает следствием их качеств, характера и личного поведения». Выступала как литератор и драматург. По утверждению исследователей, в написании пьес ей помогали И. Елагин, А. Храповицкий и др. литераторы. Автор нравоучительных комедий, осмеивающих пороки мелкого дворянства – невежество, чванливость, щегольство, пристрастие к сплетням: «О время!», «Именины госпожи Ворчалкиной», «Госпожа Вестникова с семьей», «Передняя знатного боярина» (все 1772), «Расстроенная семья осторожками и подозрениями» (1787), «Недоразумения» (1788). Некоторые комедии направлены против масонов, которых императрица подозревала в заговоре. Пьесы Екатерины обычно назывались «улыбательной сатирой». Они основаны на несложной комедийной интриге; в них действуют резонерствующие положительные персонажи. Рассматривая свои произведения как школу нравов, старались писать простым разговорным языком.

Ермолова Мария Николаевна (1853-1928) – русская актриса. Первая получила звание народной артистки республики (1920). Играла в московском Малом театре. Выступала в пьесах героического и романтического репертуара, воодушевляя зрителей пламенным протестом против угнетения и насилия. Ее именем назван один из московских театров.

Есенин Сергей Александрович (1895-1925) – русский поэт. Родился в крестьянской семье в с. Константинове Рязанской губернии. Окончил церковно-учительскую школу. В 1912 г. переехал в Москву, работал в типографии, слушал лекции в Народном университете Шанявского, вступил в литературно-художественный кружок. Опубликовал первые стихи в 1914 г., а через год – первый сборник «Радуница». В Петрограде (1915) познакомился с А. Блоком, Н. Клюевым. По его словам: «В годы революции был всецело на стороне Октября, но понимал все по-своему, с крестьянским уклоном» (добавим: с анархическим пониманием свободы). Усиление государственной власти и вторжение техники в жизнь наводили на него тоску:

Мир таинственный, мир мой древний,

Ты, как ветер, затих и присел.

Вот сдавили за шею деревню

Каменные руки шоссе.

О его жизненном пути говорят названия стихотворных сборников: «Преображение» (1918), «Сельский часослов», «Исповедь хулигана» (1921), «Стихии скандалиста», «Москва кабацкая» (1924), «Русь советская», «Персидские мотивы» (1925). Ему принадлежат поэмы: «Сорокоуст», «Пугачев», «Баллада о двадцати шести» (бакинских комиссарах), «Анна Снегина», «Черный человек», пьеса «Страна негодяев». В 1922-1923 гг. Побывал в Германии, Франции, Италии, Бельгии, Канаде, США. Главное впечатление: «В страшной моде Господин доллар... Пусть мы нищие, пусть у нас голод, холод и людоедство, зато у нас есть душа...». Но и новая Россия его не устраивала; он покончил жизнь самоубийством.

Жанр (фр. genre – род, вид) – в изобразительном искусстве понятия, характеризующее область искусства, ограниченную определенным кругом тем. Различают жанры исторический, бытовой, батальный, жанр портрета, пейзажа, натюрморта. Понятие сложилось в 15-16 вв. в связи с развитием искусства; разделение искусства на отдельные жанры способствовало более глубокому изучению и отражению искусством действительности, а также выработке и развитию необходимых для этого средств. Современное понятие жанра особенно развито в станковой живописи. В скульптуре подразделения на жанры почти не существует, так как здесь в основе классификации лежит скорее целевое назначение скульптурного произведения, чем тематический принцип; но и тут сохраняется все же устойчивый тематический жанр портрета. Понятие жанра – историческая категория. Сложившиеся жанры претерпевают серьезные изменения в процессе исторического развития искусства. Некоторые из существовавших ранее жанров отмирают (напр., мифологический), возникают новые (напр., появление архитектурного пейзажа и марины как особых разновидностей пейзажного жанра). Возможно также возникновение новых жанров синтетического характера (напр., сочетание бытового жанра с пейзажем, группового портрета с историческим жанром и пр.). В обычном словоупотреблении термин жанр означает нередко сокращенное название бытового жанра.

Живопись – один из основных видов изобразительного искусства; в узком смысле – художественное изображение предметного мира красками. Исходя из практического назначения и связанных с ним специальных задач, живопись подразделяют на станковую, монументальную и декоративную. Широкие возможности живописного искусства полнее всего обнаруживает станковая живопись, которой доступно особое многообразие содержания при глубокой разработанности формы. В основе живописных художественных средств лежат цвет, в неразрывном единстве со светотенью, и линия; цвет и светотень разработаны живописью с полнотой, недоступной другим видам искусства. Этим обусловлено присуще реалистической живописью совершенство объемной и пространственной моделировки, живая и точная передача действительности и др. изобразительные достоинства.

Основные разновидности живописной техники принято обозначать по разновидностям красок. Простейших признаков такого рода не всегда, однако, достаточно, чтобы провести границу между живописью и графикой в каждом отдельном случае: произведения, выполненные, напр., акварелью или пастелью, могут относиться и к той и к другой области, в зависимости от подхода художника и поставленных им задач. Существовала с древнейших времен, но всестороннее развитие получила, начиная с 16-17 вв., когда произошло разделение искусства на жанры, и стала распространенной техника масляной живописи.

Зимний дворец в Петербурге – памятник архитектуры русского барокко, построенный в 1754-1762 (арх. В. Растрелли). Резиденция русских императоров, в 1917 – Временного правительства. Здание в виде каре, с внутренним двором, фасады обращены к Неве, Адмиралтейству и Дворцовой площади. Богатое убранство фасадов и внутренних помещений.

Зощенко Михаил Михайлович (1895-1958) – русский писатель. Печататься начал с 1922. Автор новелл, повестей. Написал комедии «Уважаемый товарищ», «Преступление и наказание», «Опасные связи», «Парусиновый портфель», «Очень приятно», «Пусть неудачник плачет» и др. В основе комедий обычно бытовой анекдот, сатирически заостренный, поданный с шутливой назидательностью. Сатира Зощенко направлена против мещан, стяжателей, невежд. Однако, в отличие от прозы пьесы монотонны, действие вялое, успеха не имели.

Иван Великий – колокольня, выдающееся произведение русского зодчества, входящее в архитектурный ансамбль Московского Кремля. Основное здание строилось в 1505-1508 (арх. Бон-Фрязин). Построен в 1600. Представляет собой увенчанную позолоченной главой многоярусную башню (свыше 80 м высотой), величественно возвышающуюся над остальными кремлевскими сооружениями. В 30-х гг. 16 в. пристроена средняя часть здания; в 1624 северная часть, увенчанная шатром.

Иванов Александр Андреевич (1806-1858) – русский живописец. Для него профессия художника стала наследственной. Его отец – Андрей Иванович – был академиком живописи, создавал картины на исторические сюжеты в стиле классицизма. Александр поступил в Петербургскую Академию художеств и окончил ее с золотой медалью. В 1830 г. как стипендиат Общества поощрения художников отправился в Италию, посетив Германию и Австрию. Все последующие годы жизни провел преимущественно в Риме. Ранние произведения написаны в традициях академического классицизма («Приам просит у Ахиллеса тело Гектора», «Аполлон, Гиацинт и Кипарис», «Явление Христа перед Марией Магдалиной»). После поэтической картины «Аполлон, Гиацинт» начал главный и великий труд всей своей жизни – полотно «Явление Христа народу». Сделал более 300 эскизов, многие из которых являются самостоятельными произведениями искусства. Жил замкнуто, работал с необыкновенным упорством. Когда не завершенная еще картина была открыта для обозрения, итальянская публика, а в особенности специалисты, пришли в изумление и восторг. Великолепно выполненные человеческие тела, все детали пейзажа находились в полном соответствии с грандиозностью замысла: Иоанн Креститель возвещает верующим о пришествии Спасителя – светлого, мужественного человека, одухотворенного великой идеей. Этюды к этой картине принадлежат к числу высших достижений мировой живописи. Последние работы Иванова – эскизы росписей на библейские и евангельские темы – характеризуются выдающимся художественным мастерством.

Изобразительные искусства – искусства, связанные со зрительным восприятием и создающие изображения видимого мира на плоскости и в пространстве. Виды изобразительного искусства – живопись, графика, скульптура. Часто к ним относят также архитектуру и всю область декоративно-прикладного искусства, поскольку их произведения пространственны и воспринимаются зрением. Однако архитектура и большая часть прикладного искусства (бытовые изделия – мебель, одежда, посуда и пр.) существенно отличаются от живописи, графики и скульптуры тем, что образное отражение ими действительности не носит характера непосредственного воспроизведения явления, т.е. изображения в собственном смысле слова. Виды искусства, сочетающие пространственное решение с временным, зрительные образы со слуховыми (театр, кино), обычно не причисляются к изобразительному искусству: – это синтетические виды искусства. Из тесной связи изобразительного искусства с актом непосредственного восприятия предметного мира вытекает целый ряд присущих им эстетических качеств: возможность передать ощущение как бы живой, доподлинной действительности, показать ряд явлений в их одновременном сосуществовании, запечатлеть с предельной точностью и полнотой индивидуальный облик человека и т.п.

Иисус Христос – сын Божий, второе лицо Пресвятой Троицы, по предвечному божественному совету воплотившийся ради спасения рода человеческого от Пречистой Девы Марии и нареченный по повелению архангела Гавриила именем Иисус, т.е. Спаситель, Христос означает помазанный. Это имя было дано воплотившемуся сыну Божьему, ибо он совершил дело спасения падшего человечества в трех главных своих служениях – пророческом, первосвященническом и царском. Родился в Палестине, в г. Вифлееме, по наитию Св. Духа от Пресвятой Девы Марии. Время его рождения относят обычно к 754 от основания Рима, хотя некоторые богословы утверждают, что он родился в 749 от основания Рима. До тридцатилетнего возраста прожил в неизвестности в небольшом городке Назарете, в семье плотника Иосифа, который был обручником Пресвятой Девы Марии. Когда ему минуло 12 лет, он вместе с родителями отправился в Иерусалим на праздник Пасхи и пробыл три дня в храме, беседуя с книжниками. На тридцатом году жизни принял от Иоанна крещение в Иордане.

Прежде чем начать общественное служение, отправился в пустыню, где постился 40 дней и был искушен сатаной. Общественное служение начал в Галилее избранием 12 апостолов. Прежде всего, он начертал им образ своего истинного последователя как человека, смиренно мудрствующего о себе, скорбящего о своей греховности, желающего примириться с милостивым Богом, чистого сердцем и миротворца. Чудесное претворение воды в вино, совершенное им на брачном пире в Кане Галилейской, укрепило веру учеников его. Пробыв несколько дней в Капернауме, он отправился в Иерусалим на праздник Пасхи. Здесь он впервые возбудил против себя вражду старейшин иудейских, в особенности фарисеев, тем, что изгнал торгующих из храма. После Пасхи созвал своих апостолов, дал им необходимое наставление и послал проповедовать о наступлении Царства Божия. Сам он тоже ходил по всяким местам и проповедовал, собирая учеников и распространяя свое ученик по всей земле. О себе говорил как об искупителе падшего человечества, согласно ветхозаветным пророчествам, т.е. как о Мессии.

Еще раньше самого Иисуса Христа говорил о нем как об искупителе всего человечества Иоанн Предтеча: «Вот Агнец Божий, который берет на себя грех мира». Впоследствии все апостолы распространяли это учение о нем. Часто Иисус Христос говорил о себе как о лице, сошедшем с небес, посланном Богом. «Бог послал Сына своего единородного, – говорит апостол Павел, – в подобии плоти греховной в жертву за грех». Иисус Христос говорил еще, что он Сын Божий. На вопрос иудеев «кто ты?» он отвечал: «От начала сущий». Наряду с этим называл себя сыном человеческим в случаях, когда должен был указать на свои божественные свойства: «Сын человеческий имеет власть на земле прощать грехи. Сын человеческий придет во славе Отца своего». Главным, и существенным, предметом учения Иисуса Христа было Царство Божие. Он возвестил миру, что Бог един по сути и троичен в лицах, что он есть любовь и то он ради спасения грешного человечества послал в мир Сына своего. О своем учении говорил как о богооткровенном, данном ему свыше. «Мое учение, – говорил он, – не мое, а пославшего меня». Истину своих проповедей доказывал ссылкой на свои дела и чудеса.

Чудеса Иисуса Христа можно разделить на две группы: 1) совершаемые над людьми, одержимыми болезнями и над людьми уже умершими; 2) чудеса в области внешней природы. Существует несколько гипотез для естественного объяснения евангельских чудес: 1) натуралистическая гипотеза, предполагающая физическое влияние Иисуса Христа на больных обыкновенными медицинскими средствами, часто психическое воздействие на воображение больных, для которых одного слова Мессии было достаточно для исцеления всякой болезни; 2) экзегетическая, которая старается объяснить чудесный элемент в евангельских повествованиях грамматическими изменениями некоторых выражений, – так, напр., в Евангелии сказано, что Иисус Христос ходил по морю, а по экзегетический гипотезе – у моря; 3) аллегорическая, объясняющая все чудесные события чувственными образами каких-либо общих идей и внутренних состояний. Эти гипотезы опровергаются теологами.

Общественное служение Иисуса Христа продолжалось более трех лет. Первосвященники, книжники и фарисеи не могли примириться с его учением и искали случая убить Мессию. Вскоре такой случай представился. За шесть дней до Пасхи, окруженный народом, торжественно, как царь Изралиев, он вошел в храм, но увидев, что первосвященники «дом молитвы превратили в вертеп разбойников» изгнал оттуда всех торговцев и менял. Все это вызвало сильное раздражение со стороны фарисеев и первосвященников. Один из учеников Иисуса Христа, Иуда Искариот, предложил членам синедриона тайно предать своего учителя за 30 серебряников. Первосвященники согласились. Желая совершить Пасху вместе со своими учениками в Иерусалиме, Иисус Христос отправился туда. Он показал ученикам пример смирения, омыв им ноги, что у евреев делали обыкновенно слуги. Затем Иисус Христос совершил Пасху и указал своего предателя, а после ветхозаветной вечери установил новозаветную – таинство евхаристии. После этого он вел беседу со своими учениками до полуночи о Царстве Божием. Потом он отправился в загородный Гефсиманский сад и в сопровождении трех учеников – Петра, Иакова, Иоанна – пошел вглубь сада и, повергшись на землю, молился своему Отцу о том, чтобы миновала его предстоявшая ему чаша страданий. В это время в сад ворвалась толпа вооруженных слуг первосвященников, и бывший с ними Иуда лобызанием указал своего учителя.

Пока первосвященник Каиафа созывал членов синедриона, воины отвели Иисуса во дворец, где состоялся суд над ним. Римский прокуратор Понтий Пилат не решался утвердить смертный приговор, но иудеи стали угрожать доносом в Рим. Иисус Христос был отдан римским воинам для исполнения приговора. Около полудня его вместе с двумя разбойниками отвели на Голгофу и распяли на кресте. Померкло солнце, и тьма воцарилась вокруг на три часа. Иисус Христос воззвал к Отцу своему: «Боже мой, Боже мой, зачем ты меня оставил?!» Потом, видя, что все исполнилось по пророчествам ветхозаветным, он сказал: «Свершилось! Отче мой, в руки твои предаю дух мой!» И сказав это, он склонил голову и умер. Последовали страшные знамения: завеса в храме разодралась надвое, затряслась земля. В смерти Иисуса Христа никто не сомневался. Два члена синедриона – Иосиф и Никодим, его тайные ученики, – получили разрешение снять тело с креста и погребли его в саду близ Голгофы. Члены синедриона позаботились, чтобы тело не было украдено, у пещеры выставили стражу, вход запечатали.

В воскресенье, на третий день после смерти, Иисус Христос воскрес из мертвых. Стражники видели ангела, сошедшего ночью с небес, который отвалил камень от дверей. Мария Магдалина и др. мироносицы, отправившиеся к гробу еще до рассвета, чтобы помазать тело своего учителя нашли гроб пустым. Но они увидели воскресшего Иисуса Христа. Он являлся многим своим ученикам в разное время, а в сороковой день вознесся на небо. Образ Иисуса Христа многократно запечатлен в изобразительном искусстве.

Ильинский Игорь Владимирович (1901-1987) – русский актер и режиссер. Работал в театре Мейерхольда, затем в Малом театре. Среди ролей: Счастливцев («Лес» А. Островского), Аким («Власть тьмы» Л. Толстого). Главные роли в фильмах «Праздник святого Йоргена», «Волга-Волга», «Карнавальная ночь» и др.

Импрессионизм (фр.; впечатление) – направление в искусстве последней трети 19 – нач. 20 в., которое объявило основной целью искусства непосредственное отражение явлений действительности так, как они представляются в мгновенном отражении, чувственном субъективном понимании художника.

Интерьер (фр. interieur – внутренний) – архитектурно и художественно оформленное внутреннее помещение здания, обеспечивающее человеку благоприятные условия жизнедеятельности. Различают интерьер жилых квартир, общественных и производственных помещений. Функциональное назначение здания и помещения обусловливает его объемно-пространственную организацию и художественное оформление интерьера (отделка ограждающих поверхностей, мебель и оборудование, декоративное убранство). В современных интерьерах зданий придается большое значение искусственному свету, цветовому колориту, влияющему на психофизиологический комфорт человека, разнообразию отделочных материалов, декоративным тканям, зелени.

Исторический жанр – область искусства, отображающая конкретные исторические события общественной жизни прошлого и современности и действия исторических лиц. К историческому жанру принадлежат также исторический портрет и исторический пейзаж. Термин особенно употребителен в отношении живописи. Сложившись в качестве самостоятельного жанра в эпоху Возрождения, получил широкое развитие в искусстве 19 в. Академические эстетические воззрения 17-19 вв. ограничивали, как правило, тематику исторического жанра лишь темами из античной истории, а также античной мифологии и христианских религиозных сказаний. Долгое время оставался условно понимаемым или официальным жанром изобразительного искусства, далеким от реализма. Но многие из великих мастеров искусства прошлого сумели преодолеть узость в понимании этого жанра официальной эстетикой и насытить свои исторические произведения подлинным историческим пафосом, поставить в них большие общественные вопросы, правдиво отразить некоторые существенные стороны исторической жизни народа (напр., Ф. Гойя, Э. Делакруа, А. Иванов). Значительная роль в развитии исторического жанра многих прогрессивных романтиков, и прежде всего Делакруа, внесших в него ноты глубокого драматизма, заботившихся о ярком воссоздании обстановки исторического действия.

В это же время в исторический жанр все более начинает проникать современная тема. В развитии реалистического исторического жанра исключительное место принадлежит В. Сурикову, автору «Утра стрелецкой казни», «Боярыни Морозовой», «Покорения Сибири Ермаком» и др. исторических полотен. С непревзойденным мастерством и проникновенностью показал он русский народ в трагические, переломные моменты его истории, впервые воспел его как подлинную движущую силу исторического развития, решительно порвав с традиционным приемом изображения идеального исторического «героя» на фоне безликой «толпы». Выдающимися историческими живописцами были также В. Васнецов («После побоища Игоря Святославича с половцами», «Царь Иван Васильевич Грозный», «Каменный век» и др.), В. Верещагин, И. Репин и др.

Камерная музыка – инструментальная и вокальная музыка для небольшого состава исполнителей (дуэт, трио и т.п. ансамбли), а также соло. Первоначально предназначалась для небольшого круга слушателей (буквально – комнатная, т.е. домашняя, музыка). Теперь исполняется и в больших концертных залах.

Кандинский Василий (1866–1944) – немецкий художник родом из России, своими первыми абстрактными акварелями (1910) освободивший живопись от «предметности». Тем не менее, во многих картинах Кандинский использовал и предметные элементы.

Сын торговца чаем, Кандинский родился в Москве и вырос в Одессе. После развода родителей (1871) он жил большей частью у тети. В 1886 Кандинский начал обучаться экономике и праву в Москве. В 1893 получил ученую степень и женился на своей кузине Ане Чимякиной, (развод в 1904).

1985 одним из ключевых событий в жизни Кандинского стало посещение выставки французских импрессионистов, на которой он увидел серию «Копны сена» Клода Моне. Вскоре Кандинский порывает с карьерой юриста и в 1896 уезжает в Мюнхен, где обучается живописи.

В 1901 Кандинский основал группу художников «Фаланда», где познакомился с Габриэлой Мюнтер, ставшей подругой жизни. На выставках группы Кандинский демонстрировал поначалу картины, созданные под влиянием импрессионизма, но затем в творчестве художника наметился поворот к стилю модерн («Ночь», 1903).

1908 во время летнего пребывания (Верхняя Бавария) Кандинский написал первые картины-ландшафты, для которых были характерны энергичные краски и простые формы: черные контуры пригорков, улиц и зданий сменяют друг друга, как например, на картинах «Церковь» (1910) или «Композиция IV» (1911). Образы картин едва угадываются, за счет чего работы приближаются к абстракции.

После того, как однажды, сидя в вечерних сумерках в мюнхенской мастерской, художник разглядел на своей картине всего лишь сочетание форм и цветов, он понял, что предметность как таковая диаметрально противостоит его живописи. Этот случай стал для Василия Кандинского отправной точкой на пути к абстрактной живописи. В 1910 Кандинский создал «Первую абстрактную акварель», в которой хотел наглядно представить «движения души» посредством чистой цветовой гармонии. В следующем году объявил о создании группы «Синий всадник». Целью этого объединения его создатели (в числе которых был немецкий художник Франц Марк) провозглашали «духовное обновление искусства». В 1912 Кандинский изложил свои теоретические соображения в работе «О духовном в искусстве». Примером могут служить работы «Инвалиды войны за карточной игрой» и «Торговцы спичками» (обе – 1920). В продолжение так называемого белого, или пуристического, периода (1917/18) он сводил композицию картины к монохромным белым плоскостям с белыми же формами.

В начале первой мировой войны Кандинский покинул Германию и вернулся на родину; писал он в то время мало. В 1916 он познакомился с дочерью генерала Ниной Андреевской, на которой женился через год. После Октябрьской революции 1917 Кандинский работал в комиссариате народного искусства и стал профессором Государственных художественно-технических мастерских в Москве. В 1919 по его распоряжению создавались новые музеи в провинциях.

В 1921 Кандинский вновь оказался в Германии и в следующем году стал преподавателем школы «Баухаус» в Веймаре. Для его стиля стала характерна геометрическая строгость, в которой преобладают косые линии, круги и треугольники. При создании цветочного ряда Кандинский переходил от более светлых красок к более темным.

В середине 20-х годов он получил немецкое гражданство.

В 1933 Кандинский уехал в Париж. Особенностью его парижских картин стали биоморфные элементы, которые кажутся парящими в пространстве (как, например, «в небесной голубизне», 1940 или «Сумерках», 1943). В 1944 художник умер во французской столице от кровоизлияния в мозг.

Качалов Василий Иванович (1875-1948) – русский актер. С 1900 во МХАТе. Обладал редкой творческой разносторонностью, глубиной мысли, тонким мастерством. Создал социально значимые и типовые образы. Большое место в его репертуаре занимала драматургия Чехова и Горького. Лучшие образы: Трофимов, Тузенбах («Вишневый сад», «Три сестры» Чехова), Барон («На дне» Горького), Чацкий («Горе от ума» Грибоедова), Гамлет, Юлий Цезарь (пьесы Шекспира). Мастер художественного слова. Создал жанр исполнения драматических произведений, так называемый монтаж, исполняя сразу несколько ролей.

Кижи – одно из старых поселений на побережье Онежского озера, в котором сохранились замечательные памятники русской деревянной архитектуры 18 в.: девятиглавая Покровская церковь и двадцатидвухглавая Преображенская церковь – шедевр мирового деревянного зодчества. Шатровая колокольня построена в 1874.

Кипренский Орест Адамович (1782-1836) – русский живописец и рисовальщик. Более известен как портретист. Ранние портреты Кипренского проникнуты жизнерадостной романтикой и оптимизмом (автопортрет, портреты Е. Давыдова, мальчика Челищева), психологической сосредоточенностью (А. Швальбе); лирической задушевностью отличаются женские портреты (Е. Растопчиной и Д. Хвостовой). Автор галереи портретов деятелей Отечественной войны 1812 и прекрасного портрета А.С. Пушкина (1827), исторической картины «Дмитрий Донской».

Крамской Иван Николаевич (1837-1887) – русский живописец и художественный деятель, талантливый педагог. Возглавил группу учащихся – сторонников реализма, демонстративно вышедших из Петербургской академии художеств в 1863. Был руководителем художников, объединившихся в Артель художников и Товарищество передвижников. В картине с евангельским сюжетом «Христос в пустыне» стремился изобразить драму своего современника, выбирающего путь борьбы и страданий за народ. Глубоким психологизмом отличается картина «Неутешное горе». Основной творческий вклад Крамского в русскую живопись составляют исполненные им замечательные по глубине социальной и психологической характеристики портреты крестьян и деятелей русской культуры.

Курбе Гюстав (1819-1877) – французский живописец. В ранних произведениях выявились черты романтизма: «Автопортрет с трубкой», «Человек с кожаным поясом». Реалистически отражают жизнь картины «Послеобеденный отдых в Орнане», «Дробильщики камня», «Похороны в Орнане», «Веяльщицы», «Встреча». Эти картины поставили художника во главе прогрессивного направления во французском искусстве. В предисловии к каталогу персональной выставки 1855 в Париже он обосновал реализм как демократическое искусство. в 60-е гг. работал в жанрах пейзажа, портрета, натюрморта. Активный член руководства Парижской коммуны в 1871, после поражения которой заключен в тюрьму. В 1873 скрылся в Швейцарию, где и умер.

Кориолан Гней Марций (VI-V вв. до н. э.) – римский полководец. Завоевал в 493 г. до н. э Кориолы, город вольсков – италийского племени, населявшего долину р. Лирис в Центральной Италии. По имени покоренного города и получил произвище. Кориолан презирал плебеев, а потому не был избран консулом. Бежал к вольскам, с которыми выступил против Рима и осадил город. По преданию, снял осаду, вняв уговорам родственников. По одной из версий – был убит, по другой – вернулся в Кориолы и там умер. Ему посвящена драма Шекспира и увертюра Бетховена.

Кустодиев Борис Михайлович (1878-1927) – русский живописец, график, театральный художник. Участник объединения «Мир искусства». Основная тема картин – пейзаж, типы (преимущественно купечество), обычаи провинциального города («Масленица», «Купчиха», «Чаепитие», «Ярмарка», «Московский трактир» и др.). Многим из этих работ присущи черты стилизации. Написал портреты Шаляпина, Билибина, иллюстрировал произведения Гоголя, Лескова, Некрасова и др. Одним из первых обратился к советской тематике («Демонстрация на площади Урицкого в день открытия II конгресса Коминтерна, 1921» и др.). Ряд произведений посвятил Ленину.

Кутузов или Голенищев-Кутузов Михаил Илларионович (1745-1813) – русский полководец, государственный деятель, светлейший князь. Получив прекрасное образование в артиллерийском и инженерном корпусах, стал офицером и отличился в русско-турецкую войну, прежде всего в сражении при Ларге, где действовал смело и решительно. Из-за ранения в 1774 г. лишился одного глаза, но снова стал в строй. При штурме Измаила его часть первой ворвалась в крепость. В 1795 г. стал начальником Сухопутного шляхетского корпуса и генерал-губернатором Петербурга. В 1805 г. его назначили главнокомандующим русскими войсками в Австрии, воевавшей с Францией. Переведенный на Южный фронт, он разгромил турецкую армию. При нашествии Наполеона на Россию, в трудное для родины время, Кутузов возглавил армию и определил победоносную стратегию в войне. Нанеся материальный и моральный урон противнику в битве при Бородине, оставил Москву, укрепил свою армию, вынудил Наполеона к отступлению и по частям разгромил его войско. Продолжая преследовать французов, заболел и умер в Польше. А русская армия прошла почти всю Европу и завершила свое наступление в Париже под командованием военного министра, полководца Михаила Богдановича Барклая-де-Толли (1761-1818).

Левитан Исак Ильич (1861-1900) – русский живописец, мастер реалистического пейзажа. В своем творчестве глубоко и поэтично раскрыл своеобразие и многостороннюю красоту русской природы. Пейзажной живописи Левитана присущи широта обобщения, эмоциональная насыщенность, разнообразие изображаемые состояний природы и передаваемых душевных переживаний – от бодрых и радостных («Березовая роща», «Свежий ветер», «Март») до задумчивых и грустных («Летний вечер» и др.). В одной из лучших картин, «Владимирке», очень выразительно передана горькая скорбь об угнетенном народе.

Леонардо да Винчи (1452-1519) – итальянский художник и ученый эпохи Возрождения. Его живописные работы «Поклонение волхвов», «Мадонна с цветком», «Мадонна Литта», «Тайная вечеря», «Мадонна в скалах», «Мона Лиза» («Джоконда»), а также рисунки принадлежат к числу высших достижений искусства эпохи Возрождения; они отличаются глубиной образа, тончайшей психологической характеристикой, мастерством композиции, мягкостью светотени. Скульптурные работы не сохранились. Считая природу объектом искусства и науки, смело выступал против средневековой схоластики, отстаивал решающее значение опыта в познании природы; опыт и математика являются, по его учению, основанием для построения всякой научной системы. Считал наукой и живопись. Весь запас знаний в области различных наук, в частности знание анатомии человека, законов перспективы, света и тени и др., положил в основу принципов своего искусства. Некоторые идеи значительно опередили его время.

Лист Ференц (1811-1886) – венгерский композитор, пианист-виртуоз, дирижер. С 6 лет стал заниматься музыкой с отцом, концертировать начал с 9 лет. В 1825 в Париже состоялась премьера его единственной оперы «Дон Санчо». С 1835 по 1838 жил в Швейцарии (Женева), выезжал в Италию, Париж, Вену. В 1839 начались концертные поездки по Европе, сопровождавшиеся небывалым успехом и принесшие ему славу величайшего пианиста. В 1861 переехал в Рим, где с небольшими перерывами находился до 1869, (в 1865 принял духовный сан аббата). В последние годы жизни (1869-1886) вновь обосновался в Веймаре, откуда систематически выезжал в Рим и Будапешт, где в 1875 открылась Музыкальная академия, президентом и профессором которой он состоял. Был удостоен множества наград, почетных званий, степеней.

Создал новый вид программной симфонической музыки – одночастную симфоническую поэму; обновил содержание музыки. Этому способствовало новаторство в области формы, гармонии и др. элементов композиции. Расширил сферу пианизма, достигнув при этом вершин виртуозности, не превращая ее, однако, в самоцель. Характерные черты его музыки – импровизационность, романтическая приподнятость чувств, достигающая нередко ораторского пафоса, частая смена настроений, экспрессивная мелодика, содержательная виртуозность. Автор около 700 произведений, в том числе оперы «Дон Санчо, или Замок любви», оратории «Легенда о св. Елизавете», «Рождественской мессы», симфонии к «Божественной комедии» Данте, симфонии «Фауст», 13 симфонических поэм (в их числе «Тассо», «Прометей», «Мазепа», «Орфей», «Гамлет»), вальсов, романсов и др.

Литография (греч. litos – камень и grapho – пишу, рисую) – в изобразительном искусстве широко распространенная разновидность графической техники, связанная с работой на камне (плотный известняк) или заменяющей его металлической пластинке (цинк, алюминий). Литографию художник исполняет, рисуя по зернистой или гладкой поверхности камня жирным литографским карандашом и специальной тушью. Вслед за травлением камня кислотой (воздействующей на не покрытую жиром поверхность) рисунок смывают; взамен наносится типографская краска, которая пристает лишь к непротравленным частицам камня, в точности соответствующим рисунку. Краску накатывают валиком по увлажненному камню; печатание производится на специальном станке. Существуют и др., менее употребительные разновидности литографской техники. Нередко взамен работы на камне оригинал исполняется на специальной переводной бумаге: в этом случае его переносят на камень без участия художника.

Преимущества литографии: большая свобода авторского исполнения, не связанного при работе на бумаге даже зеркальным изображением; широкий диапазон художественных средств при большой точности воспроизведения; сравнительная простота техники, многотиражность, дешевизна и пр.

Изобретенная в Германии А. Зенефельдом на рубеже 19 в., литография стала ко второй его четверти распространенным художественным средством. Весьма заметную роль она сыграла в области карикатуры и политической сатиры. Отдельное произведение художественной графики, исполненное литографической техникой, также называется литографией.

Ломоносов Михаил Васильевич (1711-1765) – русский ученый-энциклопедист, поэт, просветитель. Сын поморского зажиточного крестьянина, с юных лет ходил с отцом в плавания; научившись читать, решил продолжить образование; в 19 лет без родительского дозволения ушел в Москву и сумел поступить в Славяно-греко-латинскую академию. Знания усваивал он легко и жадно. В числе лучших учеников в 1735 г. его отправили в университет при Петербургской Академии наук, а оттуда – на учебу в Германию. Ломоносов изучал естественные науки в Марбургском университете, а горное дело – в Саксонии. Через 5 лет он вернулся на родину. Сначала занимался физикой, затем химией. В 1745 г. ему присвоили звание профессора химии Петербургской Академии наук (академика). Поборник отечественного просвещения своими открытиями обогатил почти все отрасли знаний. Заложил основы современного русского языка. Крупнейший представитель русского классицизма, написал две трагедии – «Тамара и Селим» и «Демофонт». Драматургия Ломоносова противостоит придворной трагедии сумароковской школы, им намечен новый тип трагедии, где личные судьбы героев определяются ходом исторических событий, в которые они вовлечены.

Ломоносов основал первую в России химическую лабораторию. При содействии графа И.И. Шувалова Ломоносову удалось добиться создания первого российского университета – в Москве. Научные достижения его необычайно велики и разнообразны: в физике, химии, геологии, метеорологии, приборостроении, истории, лингвистике, оптике, астрономии, горном деле, металлургии... Ясный ум и удивительная способность проникать мыслью в неведомые области познания позволили ему совершить множество открытий, из которых не все оценены по достоинству. Например, он не только обнаружил атмосферу на Венере, доказал закон сохранения вещества и т.д., но теоретически предсказал существование Антарктиды, обосновал существование «морозного слоя» планеты (криосферы), разрабатывал методы геохронологии (определения возраста земной коры), создал модель вертолета... Его достижения были поняты и оценены только в XX в. Не лучшее ли это доказательство его гениальности! А при жизни он был прославлен – заслуженно – как поэт!

Лубок – лубочные картинки, народные картинки, – картинки, выполнявшиеся безымянными художниками-самоучками и печатавшиеся на отдельных листах во многих экземплярах, сопровождавшиеся пояснительными надписями. Получили широкое распространение в России с 17 в., печатались преимущественно на ручных станках с деревянных досок и раскрашивались от руки. Сюжеты лубков очень разнообразны. Наряду с официально поощряемыми религиозными и прославляющими царей и царских полководцев сюжетами в лубках бытовали противоправительственные, сатирические сюжеты, отражавшие подлинные настроения народных масс, сетования на нужду, барщину, рекрутчину. Сатирические картинки печатались иногда в подпольных типографиях, их изображения часто были иносказательными. Большой популярностью пользовались лубки, иллюстрирующие классиков: Пушкина, Гоголя и др. При всей наивности и грубоватости художественных средств, лубки – дешевые, широкодоступные, занимательные – заменяли для неграмотных иллюстрированную книгу. В этом смысле они играли положительную роль, являясь вместе с тем своеобразной отраслью народного творчества, фольклора. Лубок на самые разнообразные сюжеты широко распространены в Китае, где они издавна были очень популярны, любимы народом и исполнялись на высоком художественном уровне.

Мазурка – польский народный танец. Счет на три. Характерны резкие ритмические акценты. В 19 в. пользовалась большой популярностью в России. Замечательные образцы мазурки в русской музыке создали Глинка и Чайковский.

Малевич Казимир (1878–1935) – русский художник, основатель супрематизма – направления искусства, использующего в качестве изобразительных элементов исключительно геометрические фигуры Малевич, считается одним из пионеров абстрактного искусства.

Казимир Северинович Малевич родился в Киеве, в семье сахарозаводчика. Пройдя пятилетний курс обучения в сельскохозяйственном училище, он стал учиться живописи, а в 1900 уехал в Москву.

В начале века стиль Малевича тяготел к импрессионизму, после февральской революции 1905 года художник вступил в контакт с символистским движением «Голубая роза». Малевич создал три серии картин, которые представил в 1911 на Первом Московском салоне: «Желтая серия» включает в себя изображения ангелов и святых, «Красная серия» состоит в основном из изображений купающихся натур.

Примерно в 1910 любимым сюжетом художника стало изображение крестьянского труда: фигура работающих на земле людей выполнены в ярких красках и упрощенных очертаниях. С 1911 в «крестьянских сценах» стало явственно ощущаться возрастающее влияние кубизма. Малевич создал геометрические и блочные фигуры с металлическими блестящими поверхностями. Кроме того, появлялись насыщенные красками картины, в которых он воссоздал фигуры и пространство через шаро- и ромбовидные изображения (например, «Лесоруб», 1911/1912, «Урожай», 1912). В таких работах, как «Стол и комната» (1913) и «Англичанин в Москве» (1914), он ориентировался на французский вариант кубизма.

В 1913 Малевичу заказали костюмы и декорации для футуристической оперы «Победа над солнцем». Работая над этим заказом, художник сознательно отверг все известные стили искусства и создал декорацию, которая состояла из одного-единственного черного квадрата. Эту композицию он перенес затем на холст, назвав картину «Черный квадрат на белом фоне» (около 1913). Стиль своего искусства Малевич обозначил термином «супрематизм», под которым подразумевал «постановку опыта чистой, не имеющей практического значения беспредметности». Свои работы он поначалу компоновал преимущественно из квадратов; позже он стал работать с линиями, кругами, прямоугольниками и крестами. В художественном развитии супрематизма можно проследить три этапа. До 1915 доминирующими элементами были простые парящие формы из квадратов и широких цветных полос. Вторым этапом было создание напряженных групп из скрещенных между собой горизонтальных и вертикальных форм.

После Октябрьской революции 1917 супрематизма, стал составной частью официальной культурной политики, нацеленной на научно-художественную реориентацию нового общества. Малевич был назначен руководителем всех московских музеев. Свою картину «Супрематизм» (1921-27) он рассматривал как постулат «бесполезной беспредметности». Художник в течение некоторого времени занимался дизайном помещений, а также архитектурой и прикладными искусствами.

В 20-х Сталиным пропагандировался художественный стиль социалистического реализма, и Малевич в своей живописи стал более ориентироваться на предметное искусство, создавая портреты, изображения людей и ландшафтов (например «Деревенские девушки» 1928-32). В 1935 Малевич умер в Ленинграде в возрасте 57 лет.

Марат Жан Поль (1743-1793) – французский революционер, государственный деятель. Это был тип «космополита» (гражданина мира), готового все опровергать и не имеющего привязанности к определенной родине. Родился в г. Будри, принадлежавшем Пруссии (ныне Швейцария). Отец, выходец с о. Сардиния, был врачом, преподавал иностранные языки и постарался, чтобы его 7 детей получили хорошее образование.

Марат с 16-ти лет начал самостоятельную жизнь, стал скитаться по Европе; жил преимущественно во Франции, работал домашним учителем, врачом, проводил научные исследования; в Лондоне опубликовал двухтомный трактат «О человеке». Имея конфликтный характер, не мог подолгу служить на одном месте. Приветствовал начало революции во Франции; стал издавать газету, яростно нападал на власть имущих, ведущих политиков и богачей, подписываясь: «Друг народа». Призывал к террору и разоблачал врагов революции – подлинных и мнимых. В 1792 г. стал депутатом от Парижа в Национальном конвенте (высшем законодательном собрании Франции). Он достиг вершины славы и авторитета, хотя был уже тяжело больным человеком. Погиб от удара кинжалом 25-летней Шарлоты де Корде, принадлежавшей к обедневшему дворянскому роду.

Масляные краски – пасты, получаемые тщательным перетиранием красящих пигментов с олифой, смолами и др. связующими веществами.

Матисс Анри (1869–1954) – французский художник, основоположник фовизма, стремившийся к обновлению искусства, ясность и радостная уравновешенность которого должны были, по его мнению, предаваться зрителю. Плоскостные картины Матисса проложили последующим поколениям художников путь к абстракции.

Матисс родился на севере Франции в семье торговцев красками и семенами. Окончив среднюю школу, он изучал право и в 1889 стал помощником адвоката. Болезнь и операция надолго приковали его к постели; в то время он начал рисовать и решил стать художником.

В 1891 Матисс поступил в парижскую «Академию Жюльен», однако уже через год бросил учебу. С 1893 он посещал уроки Гюстава Моро в Школе изящных искусств, а в 1895 записался туда официально. После смерти своего учителя (Моро умер в 1898) Матисс ушел из академии. Хотя его супруга была владелицей модной лавки, их финансовое положение оставляло желать лучшего. Под влиянием позднего импрессиониста Поля Синьяка, из-под кисти Матисса появился первый шедевр – «Роскошь, покой и наслаждение» (1904/1905). Довольно скоро Матисс отказался от использования техники пуантилизма (техника, при которой изображение наносится небольшими точками из чистых несмешанных красок) в пользу широких, энергетических штрихов. Формы он растворял в цветовых плоскостях. Когда в 1905 он выставил свои работы в парижском «Осеннем салоне» вместе с другими художниками, среди которых были, в частности, Андре Дерен и Морис де Вламинк, их резкие, энергетичные краски буквально потрясли публику, и один из критиков дал художникам ироническое прозвище («Фовисты»).

Под впечатлением поездки в Алжир в 1906 Матисс увлекся линейными орнаментами мусульманского Востока. Его представление о монументальном, декоративном искусстве нашло высшую форму отражения в двух больших настенных картинах, написанных в доме русского коллекционера Сергея Щукина: «Танец» (1909/1910) и «Музыка» (1910) – на обеих изображены пять красных тел.

В начале первой мировой войны 44-летний Матисс хотел уйти в армию добровольцем, но получил отказ. В картинах, созданных между 1914 и 1916, Матисс сводил формы к основным геометрическим фигурам.

После войны Матисс провел зиму в Ницце, а в 1921 переселился туда окончательно. Расслабляющая атмосфера Южной Франции вдохновила его на создание чувственной серии «Одалиски» – в ней он изобразил облаченных в экзотические наряды женщин на декоративном фоне. В Ницце он написал множество интерьеров.

В 1941 Матисс перенес тяжелую операцию на кишечнике. Ухудшение здоровья вынудило его упростить свой стиль. Чтобы сберечь силы, он разработал технику составления изображения из обрезков бумаги, которая давала ему возможность добиться долгожданного синтеза рисунка и цвета. В 1943 он начал серию иллюстраций к книге «Джаз» из раскрашенных гуашью обрезков (закончена в 1947). В 1944 его жена и дочь были арестованы за участие в деятельности Сопротивления.

В период 1946–1948 краски написанных Матиссом интерьеров снова стали крайне насыщенными: такие его работы, как «Красный интерьер, натюрморт на синем столе» (1947) и «Египетский занавес» (1948), построены на контрасте между светом и темнотой, а также между внутренним и внешним пространствами. В конце 40-х Матисс создал витражи для часовни Розового Венца, которая была спроектирована и построена на его деньги. В 1954 художник скончался в Семиезе под Ниццей в возрасте 84 лет.

Маяковский Владимир Владимирович (1893-1930) – русский советский поэт, драматург, публицист. Родился в грузинском селе Багдади в семье русского лесничего. После смерти отца семья в 1906 г. переехала в Москву. Бунтарь по складу характера и ума, Володя уже в гимназии вступил в революционный кружок, стал членом партии большевиков, а в 16 лет угодил в Бутырскую тюрьму. В 1911 г. поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Писал стихи и рисовал, разрывая традиции. Называл себя футуристом (от латинского слова «футурм» – будущее); полагая, что творит искусство будущего, резко отвергал буржуазные ценности. Вершинами его творчества стали поэмы: «Облако в штанах», «Флейта-позвоночник», «Война и мир», «Человек». О 1917-м написал: «Моя революция. Пришел в Смольный. Работал. Все, что приходилось». В 20-е гг. созданы «Левый марш», героическая и сатирическая «Мистерия-буфф» (театрально-цирковое агитационно-политическое представление), революционная поэма «150.000.000». Но тогда же было и задушевное «Хорошее отношение к лошадям». Поэт работал на советскую власть, строящую новую жизнь в обновленной стране. Побывав в капиталистических странах, он лишь укрепился в своих убеждениях («Париж», «Стихи об Америке» и др.), хотя умел и хлестко критиковать советских чиновников («Прозаседавшиеся»). Писал он и про любовь («Про это», «Люблю»). Но главной оставалась патриотическая и агитационная тема (поэмы «Владимир Ильич Ленин», «Хорошо!», «Во весь голос»). Пьесы его бичевали новых советских мещан-приспособленцев и звали в светлое будущее: «Клоп», «Баня».

Мейерхольд Всеволод Эмильевич (1874-1942) – русский режиссер. Сценическую деятельность начал в 1898 актером в МХТ, в 1906-1907 главный режиссер в Драматическом театре Комиссаржевской. В 1908-1917 режиссер в Александринском и Мариинском театрах. В 1920-1938 возглавлял театр РСФСР 1-й (с 1923 Театр им. В.Э. Мейерхольда). Постановки: «Мистерия-буфф», «Клоп», «Баня» Маяковского, «Последний, решительный» Вишневского, «Доходное место» А. Островского, «Ревизор» Гоголя, «Смерть Тарелкина» Сухово-Кобылина и др. Творчество Мейерхольда, стремившегося к созданию нового, революционного театра, к новым формам театрального представления, отличилось противоречивостью, грешило иногда необоснованным формализмом.

Месса – главное богослужение в католической церкви. Многочастное произведение культовой музыки для хора, иногда с участием певцов-солистов и инструментальным сопровождением. Название «месса» происходит от латинского выражения «ite, missa est ecclesia” – “идите, собрание распущено”. Форма мессы сложилась в Х1У веке. Музыку месс создавали великие композиторы эпохи Возрождения – Палестрина, Жоскен Депре, в ХУ111 и Х1Х веках – И.С. Бах, В.А. Моцарт, Л.В. Бетховен, Ф. Шуберт, Д. Россини, Ф. Лист и др.

Микеланджело Буонарроти (1475-1564) – итальянский скульптор, живописец, архитектор и поэт. Один из величайших художников эпохи Возрождения. В своих произведениях, потрясающих силой драматизма, грандиозностью замысла, горячо отзывался на события современной ему жизни. Главный герой его искусства – человек, исполненный титанических сил, духовной мощи. Ранние скульптурные произведения – рельеф «Мадонна у лестницы», статуи «Давид», «Моисей», фигуры умирающего и скованного рабов – проникнуты героическим воодушевлением, пафосом борьбы. Скульптурное пластичное начало свойственно и живописным произведениям Микеланджело: «Мадонна Дони», роспись потолка Сикстинской капеллы в Риме, поражающая богатством могучих образов, ощущением величия человеческих деяний. Произведения последующего периода навеяны трагическими ситуациями, связанными с наступлением феодально-католической реакции, с гибелью демократических свобод Флоренции: статуи капеллы Медичи в церкви Сан-Лоренцо во Флоренции, героический бюст Брута, группа «Снятие со креста» (собор во Флоренции), фреска «Страшный суд» в Сикстинской капелле. Архитектурное творчество Микеланджело отличается монументальностью и мощной динамикой (библиотека Лауренциана во Флоренции, работы по строительству собора св. Петра и застройка п. Капитолия в Риме). Глубокое мастерство Микеланджело знаменует одну из вершин мировой художественной культуры.

«Мир искусства» – художественное объединение, существовавшее в России с 1890-х гг. по 1924 г. Идеологами (А. Бенуа и др.) была выдвинута программа утонченно-эстетического искусства, обращенного в прошлое. Вместе с тем практика художников «Мира искусства» и примыкавших к нему мастеров была шире этой программы. Внес значительный вклад в развитие исторического жанра, портрета, пейзажа, а особенно книжной графики и театральной декорации. В «Мир искусства» входили различные художники – от эстетов и стилизаторов до крупных реалистов (М. Добужинский, К. Сомов, Л. Бакст, Н. Рерих, Е. Лансере, Б. Кустодиев, В. Серов и др.).

Мифологический жанр – в истории искусства жанровая разновидность изобразительного искусства, черпающая сюжеты из мифологии, т.е. из древних религиозно-фантастических сказаний о богах и героях. В отличие от собственно религиозного искусства, мифологический жанр как ветвь искусства светского допускал относительно более свободную трактовку легендарных сюжетов, не связанную каноническими культовыми формами. В эпоху Возрождения мифологический жанр, насыщенный гуманистическим содержанием, знаменовал поворот от средневековой религиозной догматики в искусстве к материалистическому художественному мировосприятию и был, поэтому, в исторических условиях своего времени прогрессивен; у великих художников-реалистов 17 в. (напр., у Рембрандта) мифологическим образам нередко придавался иносказательный смысл, они наполнялись современным жизненным содержанием. Впоследствии, укоренившись в качестве основного жанра в художественных академиях, мифологический жанр стал тормозить продвижение искусства к тематике, непосредственно связанной с действительностью. В 19 в. вырождается, приобретая условный, бессодержательный характер. Русские художники-реалисты середины 19 в. в борьбе за современную тематику объявили бойкот мифологическому жанру, демонстративно отказавшись писать программы на задаваемые академией мифологические сюжеты.

«Могучая кучка» – творческое содружество выдающихся русских композиторов 60-70-х гг. 19 в. (Балакирев, Кюи, Мусоргский, Бородин, Римский-Корсаков). Кружком руководил Балакирев. Образное имя дал кружку его идеолог – критик В. Стасов. Деятельность «Могучей кучки» была связана с общим направлением передовой культуры России 60-х гг. и во многом определялась влиянием русских революционных демократов. Боролась за создание национального стиля, за народность и реализм в музыке. Продолжая традиции Глинки, композиторы кружка опирались в своем творчестве на народную музыку, черпали сюжеты из отечественной истории, народного быта, русской и мировой литературы. Внесли огромный вклад в развитие оперы, симфонической, хоровой, романсово-песенной и камерно-инструментальной музыки.

Модерн (фр. moderne – новейший, современный) – направление в архитектуре, изобразительном и декоративном искусстве конца 19 в. – нач. 20 в. Возник около 1890 как реакция на эклектизм и отсутствие стиля в тогдашнем искусстве, обозначил смену стилевых эпох в развитии мирового искусства. Пытался преодолеть характерные для культуры 19 в. противоречия между художественной и утилитарной основами. Характерные черты модерна – новые принципы формообразования, богатая орнаментика с включением стилизованных элементов готики, античного и народного искусства, широкое использование волнисто-ломаных линий в декоре и в текучих декоративных формах декоративно-прикладного искусства и архитектуры, асимметрично-криволинейные завершения дверных и оконных проемов, возрождение синтеза искусств.

Прогрессивные черты архитектуры модерна – введение свободной, функционально обоснованной планировки, обусловившей живописно-асимметричный и динамический характер объемно-пространственной композиции здания, целенаправленное построение синтетически целостного интерьера, подчеркивание конструкций выразительными элементами композиции и декора.

Моне Клод (1840-1926) – французский живописец-пейзажист, глава импрессионизма. Создал ряд богатых по колориту, жизнерадостных пейзажей, отмеченных остротой наблюдения, тончайшей передачей солнечного света и воздуха. Во многих своих пейзажах (в том числе в сериях картин 1890-1900) жертвовал, однако, передачей материальности мира, четкостью объемной формы ради фиксации случайных впечатлений, колебаний свето-воздушной среды: «Бульвар капуцинов в Париже», «Мост в Аржантейле».

Французский живописец, посвятивший себя созданию картин-ландшафтов; один и тот же мотив он писал в разное время дня, стремясь передать на полотне воздействие света. Примерно в 1900 в саду своего дома в Живерни Моне создал свои первые знаменитые картины с изображением кувшинок.

Сын галантерейщика, он родился в Париже. Поскольку торговля у отца шла плохо, в 1845 семья перебралась в Гавр. В 18 лет Моне познакомился с художником-пейзажистом Эженом Боденом и занимался с ним живописью на пленэре. В то время Моне был впечатлен цветовыми гаммами, возникающими в природе в зависимости от того, каким образом свет падает на предмет.

В 1859 Моне приехал в Париж, где намеревался учиться живописи. Через два года ему пришла повестка, однако благодаря деньгам и усилиям тети он был избавлен от военной службы, что позволило Моне получить академическое образование: он брал уроки в мастерской Шарля Глейра и познакомился с Огюстом Ренуаром и Алфредом Сислеем. В 1866 в саду снятого под Парижем дома Моне начал писать картину «Женщины в саду», которую завершил уже в мастерской, поскольку вынужден был покинуть занимаемый дом из-за неуплаты. В 1870 он женился. В следующем году на деньги, унаследованные от отца, он приобрел дом в Аржантейле, ставший местом встреч художников.

Засилье художественных салонов подтолкнуло Моне к созданию независимого общества художников и скульпторов, и в 1874 состоялась их первая выставка. Моне выставил картину «Впечатление, восход солнца» (1872) – в ней схвачено настроение человека, которого утро застало в Гаврской гавани: оранжевое отражение солнечного диска дано на фоне рваного серого тона, формы и фигуры лишь бегло обрисованы. Критики дали художникам насмешливое определение «импрессионисты» (впечатление).

Тем не менее, Моне продолжал придерживаться своего стиля. В конце 1876 установив мольберт на парижском вокзале Сен-Лазар, он писал изображения одного и того же станционного зала в разное время суток, запечатлевая прибытие поездов. В первую очередь его интересовала быстрая смена освещения из-за клубов паровозного дыма.

В 1879 умерла супруга Моне. Ее смерть художник отразил в картине «Камилла на смертном одре» (1879). После пережитого потрясения Моне замкнулся в себе и в 1880 в первый раз отказался принять участие в выставке импрессионистов, вызвав тем самым шквал критики со стороны его бывших друзей.

В 1889 в Париже состоялась первая ретроспектива работ Моне. К тому времени он работал над серией «Копны сена» (известной также как серия «Скирды хлеба»). Он писал копны сена в разное время суток и разные времена года, исследуя тем самым различные приемы светового воздействия. Серия «Копны сена» оказала большое влияние на абстрактную живопись.

Ее показ на выставке в 1891 принес Моне окончательное признание его художественных заслуг, и после этого он мог жить исключительно искусством.

Моне, с 1883 живший с Алисой Ошеде (брак в 1892) в Живерни, стал писать исключительно сериями (тополя, горы, цветочные поля, Лондон, Венеция).

В 1892–1894 появились картины с изображением Руанского собора: для того, чтобы уловить световые эффекты на фасаде в зависимости от перспективы, Моне понадобилось два года. При этом он придвигался к изображаемому объекту на такое близкое расстояние, что изображение оказывалось лишенным каких бы то ни было мелких деталей. Для того, чтобы отразить субъективное восприятие увиденного, художник создал около тридцати отдельных картин. Применение такого метода означало для Моне окончательный отход от импрессионизма (т. е. изображения предмета в момент его мгновенного возникновения перед взором).

В 1908 на глазу художника образовалось бельмо, заметно ухудшив его зрение; в 1911 умерла жена, а через три года – сын.

В 1915 Моне построил себе мастерскую площадью 276 кв. м. После операции в 1923 Моне мог достаточно хорошо различать контуры, однако цветовое зрение у него так и не восстановилось. В 1926 впавший в депрессию художник скончался в своем доме в Живерни от склероза легких в возрасте 86 лет.

Моцарт Вольфганг Амадей (1756-1791) – австрийский композитор. Сын и ученик Л. Моцарта (1719-1787) – скрипача-педагога и композитора. С 6 лет выступал с исключительным успехом как виртуоз-пианист, скрипач, дирижер и композитор. В 1769-1781 (с перерывом) служил придворным музыкантом архиепископа Зальцбургского. С 1781 жил постоянно в Вене. Представитель венской классической школы. Психологическая проникновенность музыки Моцарта сочетается с доступностью, изяществом и гармоничностью формы. Особенно замечателен его гармонический дар. Творчество Моцарта оказало влияние на развитие почти всех видов и жанров музыки. Выдающееся место в истории музыкального театра занимают его оперы «Похищение их сераля», «Свадьба Фигаро, «Дон Жуан», «Волшебная флейта» и др., всего около 20. Исключительно важную роль в истории музыки сыграли инструментальные произведения (около 50 симфоний, свыше 20 концертов для фортепьяно с оркестром, концерты для скрипки, флейты и др. инструментов, 23 струнных квартета, 17 сонат для фортепьяно, вариации, фантазии и много др.), а также песни, вокальные ансамбли и др. Его «Реквием» для хора, солистов и оркестра (1791) – одно из величайших произведений мировой музыкальной классики. Умер в бедности.

Мунк Эдвард (1863–1944) – норвежский художник, провозвестник экспрессионизма в ХХ веке. Главной работой Мунка считается цикл картин «Фризы жизни», в которой он переработал свой личный опыт.

Сын военного врача, он родился и вырос в Осло. В 1869 году его мать умерла от туберкулеза, Эдварда и четырех его братьев и сестер воспитывала тетя. В 16 лет Мунк начал учиться на инженера в техническом колледже в Осло, однако через год ушел оттуда, решив стать художником.

Примерно в 1880 появились первые картины маслом, а еще через три года он выставил в «Осеннем салоне» в Осло картину «Девушка у печи» (1883). Картина была выдержана в землянистых тонах и по манере исполнения напоминала французских импрессионистов. Около 1884 художник познакомился с Милли Илен Таулов, с которой в конце 80-х у него возникла связь.

Когда в 1886 Мунк представил в «Осеннем салоне» свою картину «Большой ребенок», (1885-86), она сразу вызвала волну возмущения. На картине он отразил смерть своей 15-летней сестры. Критики вменяли в вину художнику эскизный стиль работы, доминирующий в картине натурализм. Мунк наносил краски на холст в несколько слоев таким образом, что они сливались друг с другом.

Законченная в 1897 картина «Меланхолия» характеризуется движением к абстракции: цветочные поля Мунк ограничивал контурными линиями. Формы, цвета и линии упрощены и стилизованы. Работа должна была отразить состояние души друга, страдающего от несчастной любви к замужней женщине.

В 1892 он впервые отказался от участия в «Осеннем салоне» в Осло, отвернувшись от сообщества норвежских художников. В том же году он начал работать над так называемыми «Фризами жизни», основанными на записях из личного дневника. Самой известной и наиболее часто интерпретируемой работой цикла стала картина «Крик» (1893), символ человека и его страх перед жизнью. В основе картины лежит чувство, пережитое Мунком во время одной из прогулок: «Солнце ушло прямо вниз – небеса стали красными, будто кровь. Я ощутил, как все вокруг меня исходит криком, пронизывающим природу». Другие знаменитые работы цикла «Фризы жизни» – «Страх» (1895), «Ревность» (1895) и «Отчаяние» (1898). В конце 90-х появились первые картины без страха и отчаяния, характерного для прежних работ Мунка. Так на картине «Плодородие» (1898) изображены люди на фоне гармоничной природы. Жизненные установки художника постепенно становились все более позитивными, о чем свидетельствуют, в частности, картины с изображением полярной ночи.

На рубеже веков Мунк завершил «Фризы жизни» и впервые выставил их в 1902. Одновременно художнику приходилось бороться с тягой к алкоголю; эта проблема усугублялась связью с его возлюбленной Туллой Ларсен. В 1902 они расстались. Большую часть года Мунк проводил в Берлине, где стал популярным портретистом. Его портреты получили высокие оценки за то, что превосходно отражали характер человека. Верный своему девизу «Я пишу мозгом» Мунк тратил несколько недель, наблюдая за заказчиком, чтобы затем написать портрет за какие-то несколько часов.

В 1905 он закончил одну из двенадцати вариаций картины «Девушка на мосту» все они отличаются общим жизнерадостным настроем. Мунк работал экспрессивными, широкими мазками.

В 1908 Мунк перенес нервный срыв и более восьми месяцев провел в психиатрической клинике. После этого он уехал в Норвегию, где посвятил себя в основном написанию ландшафтов. В поздних автопортретах он безжалостно отразил собственный упадок.

В 1927 в Берлине и Осло состоялись ретроспективы работ Мунка. В 1940 Мунк, после начала второй мировой войны, отказавшийся от каких-либо контактов с оккупантами, написал свой последний автопортрет. Через четыре года он умер в Экели в возрасте 80 лет.

Мусоргский Модест Петрович (1839-1881) – русский композитор, участник «Могучей кучи». Его оперы «Борис Годунов» и «Хованщина» – монументальные народно-исторические музыкальные драмы – по силе и глубине воплощения социально-исторических образов, по правдивости и яркости изображения народных масс не имеют себе равных в мировом музыкальном искусстве. Выдающимся произведением является также комическая опера «Сорочинская ярмарка» по Гоголю. Разнообразие социальных и индивидуальных характеристик, психологическая глубина, высокий драматизм сочетаются в его операх с новизной и богатством музыкальных выразительных средств. Мелодический язык органически близок русской народной песенности и гибко передает интонации живой речи. Яркой художественной образностью отличается и сольная вокальная музыка – песни на сюжеты из крестьянской жизни («Калистрат», «Гопак», «Колыбельная Еремушки»), драматические вокальные баллады («Забытый»), сатирические произведения («Семинарист», «Классик», «Раек») и др. Замечательными образцами программной инструментальной музыки являются «Ночь на Лысой горе» для оркестра и «Картинки с выставки» для фортепьяно. Творчество Мусоргского оказало огромное влияние на отечественную и зарубежную музыку.

Мухина Вера Игнатьевна (1889-1953) – русский скульптор, народный художник (1943). Автор ряда монументальных произведений: группа из нержавеющей стали «Рабочий и колхозница» (1937), памятники Горькому в Нижнем Новгороде (1952), Чайковскому в Москве (1954) и др. Создала ряд скульптурных надгробий, выразительных по характеристике и пластическому воплощению портретов – героев войны Юсупова и Хижняка, академика Крылова. Участвовала в создании памятника Горькому в Москве (по проекту Шадра, 1951). Главное произведение – группа «Рабочий и колхозница» для павильона на Всемирной выставке 1937 в Париже (ныне установлена перед ВВЦ). Была замечательным рисовальщиком, театральным художником, обращалась к новым материалам скульптуры и др. Создавала промышленную графику, проекты одежды и рисунки для тканей, изделия из фарфора. Сталинские премии в 1941, 1943, 1946, 1951, 1952.

Мюзикл – тип сценического зрелища, в котором соединены формы эстрадного искусства, драматического театра, балета и оперы, бытового танца; сложился в конце Х1Х века в США. Мюзикл прочно обосновался и на киноэкране, Многие бродвейские мюзиклы экранизировались, например: «Моя прекрасная леди», «Иисус Христос – Суперзвезда», «Звуки музыки», «Волосы», «Кошки».

Наполеон I Бонапарт (1769-1821) – французский полководец, первый консул республики с 1799, император с 1804 по 1814 г. и в 1815 г. Родился в г. Аяччо на о. Корсика в семье небогатого дворянина Карло Буонапарте. Поступив в военное училище, Наполеон много читал, хорошо учился и преуспевал в математике. Он уже тогда отличался огромным честолюбием, замкнутостью и великолепной памятью и работоспособностью. Завершив образование в Парижской военной школе, начал службу подпоручиком в артиллерийском полку. Отличившись при взятии г. Тулона республиканскими революционными войсками и проявив личное мужество, приобрел авторитет в народе и армии, стал генералом. Командуя армией, присоединил к Франции Северную Италию. В 1799 г. после государственного переворота был провозглашен первым консулом Французской республики. Изменив конституцию, сделался диктатором и с 1804 г. – императором. Успешные войны позволили наполеону контролировать почти всю Западную и Центральную Европу, блокировав Англию. В 1812 г. он двинулся походом на Россию, обещая своим победоносным войскам отдать на разграбление Москву и Петербург. После кровопролитной Бородинской битвы Наполеон вступил в Москву, но вскоре предложил русским мир и, получив отказ, двинулся по разоренной Смоленской дороге в обратный путь. Армия его была разгромлена войсками М.И. Кутузова и народным ополчением. Император бежал. Русские части в 1813 г. вступили в Париж. Отрекшийся от престола Наполеон был отправлен на о. Эльбу. В 1815 г. он неожиданно высадился во Франции, был восторженно встречен французами и 100 дней правил страной. В июне того же года он был повержен войсками союзников под Ватерлоо. Его сослали на о. Св. Елены, где он и умер, успев написать мемуары.

Натурализм – направление в литературе и искусстве, которое иллюстрирует поверхностные, детальные и случайные стороны существования, ставя на первый план биологическую и материальную природу человека. Как самостоятельное направление сформировалось во 2-й пол. 19 в. на основе философии позитивизма и теоретических выступлений французского писателя Э. Золя. Оказал непосредственное влияние на некоторых художников (Э. Мане, Э. Дега, А. Тулуз-Лотрек, Т. Стейнлен, К. Кольвиц и др.).

Натюрморт (фр. nature morte – мертвая натура) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный воспроизведению предметов обихода, снеди (овощи, мясо, битая дичь, фрукты), цветов и пр. Отдельное произведение этого жанра также называется натюрморт. Исторически появление натюрморта связано с развитием реализма в живописи, с расширением ее технических и познавательных возможностей, с освоением способов воссоздания в картине многообразия конкретной материи; окончательное развитие натюрморта в самостоятельный жанр относится к 17 в., когда он достигает особого расцвета в голландской и испанской живописи. Задача художника в области натюрморта состоит не только в передаче вещей самих по себе, но и в том, чтобы выразить отношение к ним человека данной эпохи, а через них к окружающему миру вообще. Так, голландский натюрморт 17 в. явился поэтическим художественным утверждением национального голландского быта.

Некрасов Николай Алексеевич (1821-1878) – русский поэт, прозаик, издатель, публицист. Родился в семье отставного майора; детство провел в имении Грешнево, на Волге, близ Ярославля. По велению отца приехал в Петербург, чтобы поступать в Дворянский полк, но стал учиться на историко-филологическом факультете университета. За ослушание отец лишил его материальной помощи. Поэту пришлось голодать, спать на чердаках и в ночлежках, мерзнуть зимой без пальто. Некоторые его стихи публиковались, но гонорары были мизерны. Первый сборник «Мечты и звуки» не имел успеха. Роман «Жизнь и похождения Тихона Тростникова» отразил его мытарства, но тоже не принес ни славы, ни обеспеченности. Некрасов много писал: повести, рассказы, очерки, фельетоны, рецензии, драмы, водевили, стихотворения. Познакомился с В. Г. Белинским, стал сотрудником, а с 1874 г. редактором и издателем журнала «Современник»; с 1868 г. редактировал «Отечественные записки». В поэзию внес народные ритмы и выражения, острую публицистичность, своеобразную лирику и распевность. Написал замечательные поэмы: «Мороз, Красный нос», «Русские женщины», «Рыцарь на час», «Кому на Руси жить хорошо». Умел замечать и глубоко сочувствовать тяжкой доле русского мужика и русской женщины, заступался за обманутых, униженных и оскорбленных. Не случайно иные его стихи стали народными песнями: «Что так жадно глядишь на дорогу...», «Ой, полным-полна коробушка...».

Немирович-Данченко Владимир Иванович (1858-1943) – русский режиссер, народный артист СССР (1936), один из основателей МХТ. В 70-90 гг. выступал как писатель, драматург, театральный критик, педагог. В 1891-1901 преподавал актерское искусство в Музыкально-драматическом училище Московского филармонического общества. С 1898 руководил совместно с К. Станиславским МХТ. Привлек в театр Чехова и Горького. Поставил спектакли «Воскресение», «Анна Каренина» по Толстому, «Враги» Горького, «Любовь Яровая» Тренева и др. Постановки отличались глубоким раскрытием идеи произведения, психологической тонкостью образов, выразительностью художественной формы. Свои творческие принципы утверждал и в области оперы.

Неореализм – направление в итальянском кино, возникло после 2-й мировой войны.

Неоромантизм – течение в немецком кино, возникло в 20-х годах ХХ века.

Нефертити (XIV в. до н. э.) – египетская царица, жена фараона Аменхотепа IV Эхнатона. Реформаторство этого фараона сказалось и на искусстве того времени: изображения владык и вельмож стали более реалистичны, чем раньше, приобрели более характерные индивидуальные черты. У Нефертити было три дочери-принцессы. Образ прекрасной Нефертити запечатлен во всемирно известной скульптуре. Возможно, скульптор отразил в нем свой идеал женской красоты. Известна также скульптура пожилой Нефертити.

Нимб (лат. nimbus – облако) – сияние вокруг головы, символ святости, божественности. Особенно часто изображался в произведениях средневекового искусства, связанного с христианской тематикой.

Олимп – самый высокий горный массив в Греции (2917 м). В греческой мифологии обиталище богов.

Омар Хайям, Гияс ад-Дин Абу-л-Фатах Омар ибн Ибрагим (ок. 1040 – 1123) – персидский поэт, математик, философ. Судя по фамильному прозвищу Хайям (изготовитель палаток), отец его был ремесленником. Родился Омар Хайям в г. Нишапуре, на востоке Ирана. Получил хорошеее образование. Однако с 18 лет, после смерти отца, вынужден был начать самостоятельную жизнь. Благодаря своим знаниям и стихам был принят при дворе правителя Бухары и сельджукского султана, который предоставил ему обсерваторию в Исфахане. После смерти султана поэта обвинили в безбожии. Он совершил паломничество в Мекку. Вопреки закону Корана, Омар Хайям воспевал вино, а не только любовь; более всего ценил свободу и независимость. Прославился своими четверостишиями – рубаи. Ему принадлежат 300-400 рубаи, а также несколько научных трактатов, главным образом математических («О доказательствах задач алгебры и алмукабулы», «Комментарии к трудным постулатам книги Евклида» и др.).

«Ад и рай – в небесах», – утверждают ханжи.

Я, в себя заглянув, убедился во лжи:

Ад и рай – не круги во дворце мирозданья,

Ад и рай – это две половины души.

Беспощадна судьба, наши планы круша.

Час наступит, и тело покинет душа.

Не спеши, посиди на траве, под которой

Скоро будешь лежать, никуда не спеша.

Опера (лат.; труд, дело, сочинение) – музыкально-драматическое произведение: соединение слова, сценического действия, музыки, изобразительного искусства, нередко и хореографии. Все компоненты оперы подчинены последовательному развитию целостного музыкально-драматического замысла. Идейную основу и структуру оперного произведения определяет либретто (текст оперы). Ведущая роль музыкальной драматургии обусловила разнообразие форм музыкального изложения и их задач. Вокальные соло (ария, ариозо, каватина, баллада, монолог, песня и др.) наиболее полно раскрывают мысли и чувства героев. Речитатив может связывать отдельные законченные номера, развивать драматическое действие в диалогической сцене, служить средством интонационной характеристики. Основная функция ансамблей (дуэт, трио, квартет, квинтет и др.) – показ взаимоотношений героев, раскрытие конфликтных ситуаций. Хор создает бытовой фон действия, выступает своеобразным комментатором событий или воплощает образ народа. Самостоятельные оркестровые номера (увертюры, антракты, симфонические картины) вводят слушателя в эмоциональную атмосферу произведения, обобщенно раскрывают основной драматургический конфликт, подытоживают предшествующее развитие или выступают в картинно-изобразительной роли. При всей своей сложности опера относится к самым массовым жанрам, благодаря большой силе эмоционального воздействия, опоре на бытовые жанры, отражению в более или менее непосредственной форме насущных социальных проблем.

Оперные жанры: опера историко-героическая, историко-бытовая, героико-эпическая, народная музыкальная драма, опера-былина, народно-сказочная, лирико-бытовая, драматическая, комедийная, сатирическая и т.д.; итальянская опера-сериа (серьезная) и опера-буффа (комическая); французская «большая», комическая и лирическая; музыкальная драма и т.д. Произведения типа оперы существовали еще в феодальном Китае (12 в.). В Европе возникла в конце 16 в. во Флоренции (Италия) и получила широкое развитие во многих странах. Виднейшими мастерами западноевропейской оперы были Монтеверди, Скарлатти, Россини, Верди (Италия), Перселл, Гендель (Англия), Люлли, Рамо, Керубини, Гуно, Бизе (Франция), Глюк, Моцарт (Австрия), Вебер, Вагнер (Германия), Эркель (Венгрия), Монюшко (Польша), Сметана, Дворжак (Чехия). Первые русские оперы появились во 2-й пол. 18 в. К 19 в. относится расцвет русской классической оперы, выдвинувшей замечательных оперных композиторов: Глинка, Даргомыжский, Бородин, Мусоргский, Римский-Корсаков, Чайковский и др. – и исполнителей: О. Петров, Шаляпин, Собинов, Нежданова и др. В 19 в. опера появилась на Украине (Гулак-Артемовский, Лысенко), в нач. 20 в. в Азербайджане (Гаджибеков), Армении (Тигранян), Грузии (Палиашвили).

Оперетта – музыкально-театральный развлекательный жанр, сочетающий вокальную и инструментальную музыку, балетные сцены, сценическое действие; сложился во Франции в 50-х годах ХIХ века.

Оратория - жанр духовной и светской музыки, исполняется солистами, хором и оркестром, возник в Италии в ХVI веке.

Орлова Любовь Петровна (1902-1975) – русская актриса, народная артистка СССР (1950). Училась в Московской консерватории (1919-1922) и Московском театральном техникуме на хореографическом отделении. В 1926-1933 работала в Музыкальном театре им. В.И. Немировича-Данченко; исполняла партии Периколы, Серполетты и др. В 1933 оставила театр и до 1947 снималась в кино: участвовала в создании музыкальных кинокомедий, сыграла Анюту («Веселые ребята»), Марион Диксон («Цирк»), Стрелку (Волга-Волга), Никитину и Шатрову («Весна»), в 1947 после большого перерыва выступила в спектакле московского Театра им. Моссовета в роли Джесси («Русский вопрос»); с 1955 – актриса этого театра. Сталинская премия за работу в кино (1941, 1950).

Пан – в греческой мифологии сын бога Гермеса, первоначально почитался как покровитель пастухов, бог стад; впоследствии (2 в. до н.э.) – как покровитель всей природы. Изображался в виде человека с рогами, козлиными ногами и козлиной бородой.

Пантомима – 1) вид театрального представления без слов, в котором содержание действия раскрывается движениями, жестами и мимической игрой исполнителя; 2) один из элементов хореографического искусства; 3) цирковое представление.

Пейзаж (фр. paysage) – жанр изобразительного искусства, воспроизводящий естественную или измененную человеком природу. Картина, написанная в этом жанре, также называется пейзаж. Как самостоятельная жанровая разновидность существует в европейском искусстве с 17 в., получив особенно широкое развитие в голландской живописи этого времени (у Я. Рейсдала и др.). До 17 в. обычно служил лишь фоном для тематической картины или портрета. Гораздо раньше возникает самостоятельный пейзаж в китайском искусстве (еще в 7 в., в эпоху Тай), где он достигает исключительной одухотворенности и поэтичности. В 19 в. становится широко и повсеместно распространенным жанром; подход художника к образу природы делается все более психологически содержательным; развиваются и крепнут отдельные разновидности пейзажа: парковый, городской, марина. Реалистический пейзаж этого времени, правдиво передавая характер местности и выражая вместе с тем эмоциональное отношение человека к природе, становится важным средством воспитания чувства любви к родине и формирования демократических умонастроений (Констебль, Боннингтон, художники барбизонской школы, графики Хокусаи, Хиросиге). Эта роль пейзажа очень сильно выражена в искусстве И. Шишкина, А. Куинджи, А. Саврасова, И. Левитана и др. русских пейзажистов круга передвижников. В живописи французских импрессионистов нередко становится предлогом для разработки «чисто живописных» задач и все более утрачивает глубокую образную сущность в последующих формалистических течениях.

Передвижники – русские художники-реалисты, входившие в Товарищество передвижных художественных выставок (1870-1923), развивавшие лучшие традиции Артели художников. Отображали народную жизнь, природу. Демонстрировали свои выставки в различных городах России. Крупнейшие художники-передвижники: Репин, Суриков, Васнецов, Перов, Шишкин, Левитан, Серов и др. Создателем товарищества был Крамской. Большую роль в развитии искусства передвижников сыграли критические статьи Стасова.

Период в музыке – законченное или относительно законченное музыкальное построение, завершающееся полной каденцией (в первоначальной или другой тональности), раздел музыкального произведения. Иногда в форме периода строится целое произведение. Крупные части периода называют предложениями (в периоде обычно 2 предложения).

Перов Василий Григорьевич (1834-1882) – русский живописец, один из родоначальников демократического реализма в русской живописи и организаторов Товарищества передвижников. Картины 60-х гг. («Проповедь в селе», «Сельский Крестный ход на Пасхе», «Чаепитие в Мытищах», «Проводы покойника», «Тройка» и др.) с обличительным пафосом показывают многие стороны простой будничной жизни. Идейным эмоциональным стрежнем лучших картин Перова была страстный протест художника против общества лжи и насилия, унижения человеческого достоинства. Перов достигает большой выразительной силы, причем исключительно живописными средствами. К рубежу 60-70-х гг. относятся лучшие портретные работы мастера: Ф.М. Достоевского, А.Н. Островского, И.С. Тургенева. Знаменательно в творчестве Перова выделение из бытового жанра пейзажа и портрета, значение которых возрастает в 70-е гг. как важнейших жанров реалистического искусства.

Петипа Мариус Иванович (1822-1910) – русский балетмейстер и педагог, француз. С 1847 работал в Мариинском театре сначала танцовщиком, в 1858-1903 балетмейстером. Создал образцовые для своего времени постановки русских классических балетов («Спящая красавица», «Лебединое озеро», «Раймонда» и др.).

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878-1939) – живописец и театральный художник. От символики и стилизации, характерных для дореволюционных картин («Купание красного коня» 1912), пришел к поэтическим жизненным образам («Девушка у окна», 1928), остроэмоциональному воплощению тем гражданской войны («Смерть комиссара», 1927; «1919 год. Тревога, 1935»). Оформил спектакли: «Орлеанская дева» (1913, театр Незлобина), «Дневник Сатаны» по Л. Андрееву (1923) и «Женитьба Фигаро» (1935) в ленинградском театре драмы им. А.С. Пушкина. Преподавал в Академии художеств, профессор. Им написаны рассказы, повести, пьесы, теоретические статьи и автобиографическая книга «Моя жизнь».

Петродворец (Петергоф) – город близ С. Петербурга. Его дворцово-парковый ансамбль создавался как загородная царская резиденция с 1714: Большой дворец (1714-1728, в 1747-1752 перестроен и расширен Растрелли в формах барокко), обширные парки и замечательный комплекс фонтанов со скульптурой М. Козловского и др. В 1941-1943 разрушен фашистами, в основном восстановлен.

Пикассо Пабло (1881-1973) – испанский и французский художник, Долгая жизнь и огромная работоспособность сделали его одним из наиболее плодовитых и оригинальных по стилевому разнообразию художников современности. Отец его был живописцем, и Пабло с детства помогал ему. Образование получил в Мадридской академии художеств. Успех к нему приходит не сразу. Он ищет новые выразительные средства живописи, бедствует, но не отчаивается. В начале XX в. начинает выставлять свои картины в галереях Парижа. В своих исканиях как представитель технической эры не воссоздает красоту природы и человека, а разлагает реальные образы на составные части, геометрические фигуры (кубизм, футуризм). Русский философ Н. Бердяев называл это кризисом культуры, разложением красоты. В некоторых случаях такой стиль точно выражал действительность. Например, монументальная картина Пикассо «Герника» (1937) отразила трагедию гражданской войны в Испании. После второй мировой войны Пикассо стал знаменитейшим художником. Он работал как график, оформитель книг, художник театра, создавал скульптуры, керамику, монументальные росписи. Даже наброски, небрежно сделанные рукой мастера, считались шедеврами. Он был миллионером и разделял коммунистические убеждения, но всегда оставался, прежде всего, неистовым художником-творцом.

Испанский художник и скульптор, считавшийся величайшим творцом ХХ столетия, Пикассо создал более 15 тысяч картин, стал основателем кубизма и прославился, в частности, монументальной антивоенной картиной «Герника» (1937).

Пабло Руис Пикассо родился в Малаге. В 15 лет он стал посещать Высшую художественную школу в Барселоне, где его отец преподавал рисование. В 1887 он поступил в Художественную академию в Мадриде. Пикассо, один из основателей журнала «Молодое искусство» (1901), в начале ХХ века часто ездил в Париж, где на него оказало большое влияние творчество импрессионистов. Хотя он перенял у них цветовую насыщенность картин, число форм и красок на полотне сознательно ограничивал. Картиной «Голубая комната» (1901) Пикассо открыл свой так называемый «голубой период». Прохладные сине-зеленые тона, которые он использовал при написании «Голубой комнаты», характерны также для картины «Жизнь» (1903).

В 1904 Пикассо поселился в Париже. Магическую притягательность жизни художников и фокусников он запечатлевал на полотнах преимущественно в розовых тонах (как, например, на картине «Семья фокусника», 1905).

Вдохновленный африканскими скульптурами в 1907 Пикассо создал «Девушек из Авиньона». На картине присутствуют все известные стилевые формы. Похожие на маски лица пяти обнаженных женщин кажутся разбитыми на отдельные части, пропорции тел искажены. Эта работа стала первым образцом кубизма, который Пикассо изобрел и развил. Новое направление, названное так из-за характерного преобладания геометрических форм (кубов), поначалу отвергалось авангардистами, и лишь после выставки в 1907 ему дали «зеленую улицу». Первый кубистический период Пикассо (так называемый аналитический кубизм) начался появлением «Портрета Амбруаза Воллара» (1909/1910): форма растворяется в геометрическом узоре, мимолетный взгляд не дает возможности уловить основной мотив, который после рассмотрения оказывается отодвинутым на задний план. Появившиеся в том же году «Бумажные обрезки» – Пикассо наклеивал их на полотно и включал в состав композиции (например, «Гитара», 1913) – привели его к так называемому синтетическому кубизму.

На вершине своего кубистического периода в 1914 Пикассо внезапно обратился к монументальным, характерным для классицизма формам.

В 1918 Пикассо женился на Ольге Кокловой. В 1925 Пикассо принял участие в первой выставке сюрреалистов – художник в середине 30-х творил под впечатлением событий гражданской войны на своей родине. В 1937 Пикассо создал картину «Герника», в основу ее создания легла бомбардировка города Герника немецким «Легионом Кондоров» во время гражданской войны. Монументальная, выполненная маслом в темных тонах картина изображает искаженные от ужаса лица людей и зверей без конечностей и туловищ.

В том же году появился «Портрет Доры Маар», в которой он запечатлел одновременно фас и профиль женщины-фотографа из Югославии. В 1944 Пикассо вступил в Коммунистическую партию Франции.

После второй мировой войны Пикассо работал над скульптурами и керамикой. В 1949 художник (живший в то время с Франсуазой Жило, от которой имел двоих детей) представил на суд публики плакат с изображением голубя для Парижского Всемирного конгресса. Помимо этого, он создавал литографии, гравюры и рисунки с антивоенной тематикой. Он перерабатывал картины старых мастеров в соответствии со своими установками – так, известны 58 вариаций картины Веласкеса «Лас Менинас» (1957).

В 1958 Пикассо женился на Жаклин Рок и в 1961 переселился в Муген под Канном. В 1971 работы Пикассо были выставлены в Лувре – этой чести при жизни он удостоился первым. Через два года художник скончался, дожив до 91 года.

Плакат (лат. placatum – свидетельство) – широко распространенная разновидность художественной графики, одна из самых массовых форм изобразительного искусства; отличительные свойства плаката – агитационно-разъяснительные цели и установка на активное и широкое воздействие в общественных местах, на улицах и т.д. Отсюда характерные для плаката четкость, лаконизм формы и содержания, а также относительно большие (для графического произведения) размеры. Важнейшее условие действенности плаката – органическое единство текста с изображением. Известны отечественные плакаты художников Д. Моора, В. Дени, Кукрыниксов и др. Плакатное искусство используется также в целях торговой рекламы и кинорекламы.

Полифония (с лат. «многоголосие»), при котором все голоса в музыкальном произведении равноправны.

Портрет – один из жанров живописи, скульптуры и графики, изображающий конкретного человека. Портретом называют и отдельное художественное произведение, принадлежащее к портретному жанру, портрет может изображать одновременно нескольких человек (парный портрет; портрет групповой – включающий не менее трех персонажей). Необходимое требование, предъявляемое ко всякому портрету, – передача индивидуального сходства. Сходство это не ограничивается лишь внешними признаками. Воспроизводя индивидуальный облик человека, художник раскрывает его внутренний мир, сущность его характера посредством вдумчивого психологического анализа изображаемого лица. Наряду с неповторимым индивидуальным своеобразием портретист подчеркивает в своей модели социально-типические черты, воссоздавая через облик отдельного человека обобщающий тип определенной эпохи и социальной среды. Портретный жанр получил распространение еще в искусстве рабовладельческой формации (Древних Египта, Греции, Рима) и, пережив длительный упадок в средние века, с новой силой развился в эпоху Возрождения и особенно в 17 в., когда работали величайшие мастера портрета – Рембрандт и Веласкес. В 19 в. традиции реалистического портрета были продолжены и обогащены русским искусством, повысившим социальную значимость портрета и давшим таких портретистов мирового значения, как К. Брюллов,О. Кипренский, В. Перов, И. Крамской, И. Репин, В. Серов. Продолжая великие традиции русского искусства 19 в., более поздние отечественные портретисты-живописцы С. Малютин, М. Нестеров, И. Бродский, А. Герасимов, И. Глазунов, А. Шилов, скульпторы Н. Андреев, С. Коненков, В. Мухина, Е. Вучетич, Н. Томский, график О Верейский и др. – создали немало произведений, занимающих почетное место в истории искусства.

Постимпрессионизм – направление в европейском искусстве конца 19 – нач. 20 в. Включает неоимпрессионизм, синтетизм и др. мелкие направления.

Равель Морис (1875-1937) – французский композитор. Музыка отличается яркой образностью, богатством колорита, связью с народным творчеством, особенно испанским (оркестровые пьесы «Испанская рапсодия», «Болеро» и др.). Написал оперу «Испанский час», балеты «Дафнис и Хлоя», «Моя мать гусыня», два фортепьянных концерта, рапсодию «Цыганка» для скрипки и фортепьяно, вокальные и фортепьянные циклы и др. Инструментовал для оркестра фортепьянный цикл Мусоргского «Картинки с выставки» (1922). В творчестве нашли отчасти выражение тенденции импрессионизма.

Радищев Александр Николаевич (1749-1802) – русский писатель, просветитель, философ. Автор книги «Путешествие из Петербурга в Москву», за опубликование которой был приговорен к смертной казни, замененной ссылкой в Сибирь (книга была сожжена). Учился в Петербургском пажеском корпусе, в Лейпцигском университете. На формирование его мировоззрения оказали влияние деятели французского Просвещения (Вольтер, Гельвеций, Дидро, Руссо), русские просветители Я. Козельский и Н. Новиков. Цель искусства видел в воспитании «истинного сына отечества», считал, что театр должен быть учителем и организатором народа. Высоко оценивал творчество Шекспира. Высказывания Радищева об искусстве вошли в его философский трактат «О человек, о его смертности и бессмертии».

Рампа – граница между зрительным залом и сценой.

Рапсодия (греч.; эпическая поэма) – музыкальное (инструментальное, изредка вокальное) произведение, отличающееся эпическим характером, свободным строением, опорой на народные напевы, виртуозным стилем изложения. Распространение жанра связано со становлением национальных музыкальных школ в 19 в. Примерами могут служить «Венгерские» и «Испанская» рапсодии. Листа для фортепьяно, «Славянская» рапсодия для оркестра Дворжака, «Украинская» рапсодия для фортепьяно с оркестром Ляпунова.

Рапсоды – в Др. Греции странствующие певцы. Исполнители эпических песен, хранители традиций народного эпоса. В отличие от аэдов – певцов-импровизаторов – рапсоды исполняли уже сложившийся поэтический текст.

Растрелли Варфоломей Варфоломеевич (1700-1771) – архитектор, крупнейший представитель русского барокко, итальянец. Сын скульптора. В его сооружениях пластическая выразительность архитектурных форм, богатство скульптурного убранства, мастерское использование цвета сочетаются с грандиозным пространственным размахом, четкостью основных объемов, строгостью прямолинейных планов. Главные работы: Смольный монастырь (1748-1764) и Зимний дворец (1754-1762) в Петербурге, Большой дворец в Петергофе (1747-1752), Екатерининский дворец (1752-1757) с парком и павильонами в Царском Селе, Андреевская церковь в Киеве (1747-1753).

Растрелли Карло Бартоломео (ок. 1675-1744) – скульптор, итальянец по происхождению. С 1716 работал в Петербурге. Декоративная пышность барокко сочетается в его работах с яркой выразительностью образов. Главные произведения: бюст Петра I (бронза, 1723-1729), группа «Анна Иоанновна с арапчонком» (бронза, 1733-1741), конный памятник Петру I (установлен в Петербурге в 1800).

Рафаэль Санти (1483-1520) – итальянский живописец и архитектор эпохи Возрождения. Его отец, Джованни Санти, художник и поэт, жил в г. Урбино. Здесь прошли детство и отрочество будущего великого художника. Первым его учителем был отец. В 17 лет Рафаэль стал учеником художника Перуджино, влияние лирического искусства которого ощущается в ранних работах Рафаэля («Мадонна Конестабиле», 1500). Через 2 года переехал во Флоренцию. Здесь обучался анатомии и проекции и написал первые свои картины. Одну из них – «Мадонну Грандука» – приобрел герцог Тосканский. В работах, созданных во Флоренции (1504-1508), композиция приобретает логическую стройность, образы – строгость и обобщенность («Св. Георгий», ок. 1505). Рафаэля пригласили в Рим расписывать Ватиканский дворец. Вскоре папа Юлий II назначил его главным художником. Одна из его крупных фресок посвящена «Афинской школе», где изображены величественные образы Платона, Аристотеля. Рафаэль участвовал в раскопках и реставрации античных храмов. После смерти Микеланджело он завершил его архитектурную работу над храмом Святого Петра. Заболев чахоткой, Рафаэль умер в период расцвета творчества, оставив замечательные росписи, превосходные портреты современников и великолепные образы библейских персонажей, среди которых самый светлый и возвышенный – «Сикстинская Мадонна». В 1508 переезжает в Рим, где создает монументальные росписи залов Ватикана («Афинская школа», 1509-1511 и др.), прославляющих гармонию и совершенство мира, всестороннее развитие духовных и физических свойств человека. К римскому периоду относятся также росписи виллы Фарнезина (1514 и 1518), портреты папы Юлия II (ок. 1511) и Б. Кастильоне, знаменитая «Сикстинская мадонна» (1515-1519), архитектурные работы (участие в строительстве собора св. Петра в Риме и др.).

Рахманинов Сергей Васильевич (1873-1943) – русский композитор, дирижер. Окончил Московскую консерваторию. С 1893 преподаватель, позднее также инспектор музыки в Мариинском училище, Екатерининском и Елизаветинском институтах. В 1897-1898 дирижер Частной оперы С. Мамонтова. С 1904 дирижер Большого театра, инспектор русской музыки при Главной дирекции Русского музыкального общества. С 1917 жил в Париже, затем поочередно в Швейцарии и Нью-Йорке. В 1935 переселился в Америку. Занимаясь преимущественно исполнительской деятельностью, закрепил за собой славу величайшего пианиста в мире. Обладая ярко выраженной творческой индивидуальностью, Рахманинов вместе с тем следовал в своей музыке лучшим традициям русской музыкальной классики. Его творчество отмечено искренним лиризмом, эмоциональностью, главенством мелодического начала, своеобразным, большей частью суровым и властным, ритмом. Большое место в нем занимают образы русской природы (его называли Левитаном русской музыки). В последних произведениях Рахманинова дают себя чувствовать трагически окрашенные настроения, рожденные мучительной тоской по родине, с которой было непосредственно связано все лучшее в его творчестве. Автор опер «Алеко», «Франческа да Римини», «Скупой рыцарь», кантаты «Весна», симфоний, «Каприччио на цыганские темы», многочисленных сочинений для фортепьяно, 74 романсов и др.

Реквием – 1) похоронная месса. На традиционный текст реквиема (на лат. языке) писали музыку многие композиторы: Моцарт, Берлиоз, Верди и др.; 2) крупное музыкальное произведение (для хора и оркестра) скорбно-элегического или трагедийно-героического характера (напр., у Брамса, Кабалевского и др.).

Репин Илья Ефимович (1844-1930) – русский живописец. Учился в Петербургской академии художеств. Являясь членом Товарищества передвижников, наряду с Суриковым знаменовал своим творчеством вершину русского реалистического искусства 2-й пол. 19 в. В замечательных портретах крестьян, ученых, писателей, музыкантов, художников Репин создал гениальную по глубине социальной и психологической характеристики и живописному мастерству галерею образов представителей великого народа. Работал в области бытовой, портретной, исторической живописи, в области пейзажа, иллюстрации и пр. Произведения Репина отличаются поразительной жизненностью и пластичной силой выражения, колористическим богатством, мастерством композиции и блестящим рисунком. К важнейшим работам художника относятся «Бурлаки на Волге», «Мужик с дурным глазом», «Протодьякон», «Царевна Софья», «Крестный ход в Курской губернии», «Не ждали», «Иван Грозный и сын его Иван», «Арест пропагандиста», «Запорожцы пишут письмо турецкому султану», портреты – Стасова, Мусоргского, Пирогова.

Римский-Корсаков Николай Андреевич (1844-1908) – русский композитор. Окончил Петербургский морской кадетский корпус. Музыкой начал заниматься с 6 лет. С 1862 по 1865 находился в кругосветном плавании, из которого вернулся автором Первой симфонии. В 1871 был приглашен в Петербургскую консерваторию, профессором которой состоял до конца жизни. В 1873 вышел в отставку и был назначен инспектором военных оркестров флота. С 1874 до 1881 директор и главный дирижер Придворной певческой капеллы, где организовал регентский и оркестровый классы.

Один из классиков русской музыки и выдающихся мастеров мирового музыкального искусства. Основные черты его творчества: неразрывная связь с русской национальной культурой, глубокая этическая содержательность творчества, оптимизм, высокая поэтичность, первоклассное мастерство в области инструментовки. В основе его творчества – соединение народно-сказочной фантастики, образов реальной народной жизни и образов природы. Он завершил развитие русской классической оперы, умножив ее жанровое разнообразие, обогатил отечественную и мировую музыку ярчайшими симфоническими произведениями. Автор опер «Псковитянка», «Майская ночь», «Ночь перед Рождеством», «Царская невеста», «Сказка о царе Салтане», «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии», «Золотой петушок», весенней сказки «Снегурочка», оперы-балета «Млада», оперы-былины «Садко», концертных фантазий на русские темы, фортепьянных пьес, 79 романсов, в их числе «Пленившись розой, соловей...», «Звонче жаворонка пенье», «На холмах Грузии», «То было раннею весной», «Дробится и плещет», «Не ветер, вея с высоты...», «О чем в тиши ночей...», «Сон в летнюю ночь», «Октава», «Анчар», «Пророк», «Редеет облаков летучая гряда...». Написал несколько книг, в том числе «Летопись моей музыкальной жизни».

Романтизм – идейное направление в художественной культуре конца 18 – 1-й пол. 19 в. Зародившись в Англии, романтизм в архитектуре был обращен в противовес рациональному и упорядоченному классицизму к стилистическим формам средневекового зодчества (романское, готическое) и наиболее широкое распространение получил в садово-парковом искусстве (живописная планировка, схожая с естественным ландшафтом, криволинейные очертания искусственных водоемов, гроты, руины, водопады, беседки, отражавшие романтику старины). Распространение идей романтизма в европейской архитектуре 1-й пол. 19 в., наряду с художественным оформлением парков, сказалось на облике доходных жилых домов, общественных и дворцовых зданий, где использовались художественные формы прошлых стилей. Зодчество России этого периода характеризуется крайней пестротой художественных направлений, как напр., русско-византийские мотивы (Большой Кремлевский дворец в Москве, 1839-1849, арх. К. Тон), готические формы (капелла в парке Александрия Петродворца, 1831-1834, арх. К. Шинкель).

Русланова Лидия Андреевна (1900-1973) – русская певица, популярная исполнительница русских народных песен. Родилась в Мордовии. В 1914-1916 - брала уроки пения в Саратове. С 1917 на профессиональной сцене. В 1925-1932 солистка театрального бюро Центрального дома Красной Армии, в 1933-1948 – музыкального управления Государственного объединения музыкальных, эстрадных и цирковых предприятий. Часто бывала на фронтах во время войны. В 1944 на ее личные сбережения была приобретена боевая техника для минометной батареи. Репрессирована, реабилитирована в 1956. Автор песни «Валенки», воспоминаний «Жизнь моя, песня».

Рублев Андрей (ок. 1365-ок. 1430) – русский живописец. О жизни этого великолепного русского художника, одного из титанов эпохи Возрождения создавшего гениальную икону «Троица», почти ничего не известно. Только по счастливой случайности в начале ХХ в. была обнаружена его «Троица». По-видимому, родился он в Подмосковье, где и провел большую часть жизни. Это было время возвышения Москвы, время Сергия Радонежского и Дмитрия Донского. Скорее всего, родился в семье ремесленника. Рано ушел в монастырь, освоил труд иконописца. В 1404 г. вместе с Феофаном Греком и Прохором из Городца расписывал Благовещенский собор Московского Кремля. Между 1422 и 1427 гг. создавал иконостас и росписи Троице-Сергиева монастыря и написал «Троицу» – трех ангелов, олицетворяющих триединство Бога; единство творческой воли, жертвенного подвига любви, мирового Духа; единство людей, природы и Бога.

Сарабанда – старинный испанский танец, очень медленный и плавный, 3-дольного размера. Часто входил в состав инструментальной сюиты 17-18 вв. Лирический характер музыки выделяет ее из др. старинных танцев. Жанр сарабанды часто применялся композиторами для выражения глубокого скорбного раздумья.

Свиридов Георгий Васильевич (1915-1997) – русский композитор, уроженец курской области, народный артист СССР, Герой Социалистического труда. Существенно обновил многие вокально-симфонические жанры. Автор вокально-симфонической поэмы «Памяти Сергея Есенина», «Патетической оратории», хоровых концертов, музыки к кинофильмам.

Свифт Джонатан (1667-1745) – английский, ирландский писатель, публицист. Родился в семье ирландского чиновника в г. Дублине, рано осиротел, воспитывался у дяди, богатого адвоката. Учился в богословском колледже, но успехами не блистал. Поступив на службу секретарем к английскому вельможе У. Темплю, получил возможность познакомиться с политической «кухней». Обогатившись знаниями в библиотеке вельможи, Свифт сумел защитить магистерскую диссертацию в Оксфордском университете и вернулся в Ирландию, где получил приход. Но в 1696 г. вновь оказался в Лондоне. Он стал публиковать сатирические произведения, едко высмеивая политиков, церковников, государственных деятелей: «Битва книг», «Сказки бочки» и др. Его выступления пользовались большой популярностью. С 1713 г. он становится настоятелем собора в Дублине и публикует свои бессмертные «Путешествия Гулливера». Книга с иронией и сарказмом раскрывает нелепости общественной жизни, когда лилипуты мнят себя великанами, лошади порядочней людей, а мудрецы Лапуты пребывают в состоянии задумчивого идиотизма...

Серов Валентин Александрович (1865-1911) – русский живописец и рисовальщик. Сын композитора А. Серова. Учился у Репина и Чистякова. Был передвижником. Произведения Серова конца 80-хх гг. («Девочка с персиками», «Девушка, освещенная солнцем», «Заросший пруд») отличаются жизненной свежестью, тонкостью и богатством колорита. В портретах зрелой поры Серов достигает исключительный остроты характеристик, большой силы социального обобщения (портреты Левитана, Морозова, Орловой). Поиски возвышенных образов воплощены в портретах Горького, Шаляпина, Ермоловой. Значительна историческая картина «Петр I». Серов создал также ряд акварелей, гравюр, литографий, иллюстраций к произведениям Крылова, Лермонтова и др.

Символ (фр. symbole – примета) – в искусстве образ, иносказательно выражающий какое-либо широкое понятие или отвлеченную идею. Связь символа с выражаемым им понятием может быть чисто произвольной, субъективной, надуманной, но может вытекать из внутреннего содержательного сходства и родства между изображенным предметом и его иносказательным значением. В последнем случае употребление символа становится уместным и возможным в реалистичном искусстве. Особенно уместно оно тогда, когда нужно в лаконичной, сжатой форме выразить очень широкое, много вмещающее понятие, поэтому изображения, имеющие значение символа, нередки, напр., в монументальной скульптуре. В общеупотребительном, разговорном значении термин «символ» часто сближается с менее широкими понятиями аллегории и эмблемы.

Символизм – направление в литературе и искусстве конца 19 – нач. 20 в., которое культивировало индивидуализм, поэзию намеков, мир видений и грез. Сложился во Франции (художник П. Пюви де Шаванн), затем быстро распространился в др. странах – Германии, (Ф. Штук), Бельгии (Ж. Мине) и т.д. Теоретическая основа – субъективистские философские теории А. Шопенгауэра, Ф. Ницше, А. Бергсона. Согласно символизму задача искусства не отражение окружающей действительности, а проникновение через сверхчувственную интуицию в идеальный, неземной мир, в котором сохраняется настоящая суть вещей и явлений. В изобразительном искусстве символизм развивался в стиле модерн. В России из символистов-художников известны М. Сапунов, В. Врубель, в музыке А. Скрябин, в театре В. Мейерхольд.

Симфония (греч.; созвучие) – крупное произведение для симфонического оркестра, состоящее из 4 частей, один из наиболее сложных и развитых видов современной музыки. Пишется в циклической сонатной форме. Классический тип симфонии установили Й. Гайдн и В.А. Моцарт (в 18 в.), развил Л. ван Бетховен. Композиторы романтического направления (Г. Берлиоз и др.) выдвинули программную симфонию. В некоторые симфонии вводится пение (хор, солисты). Замечательные симфонии создали русские композиторы П. Чайковский, А. Бородин, А. Глазунов и др.

Скрябин Александр Николаевич (1872-1915) – русский композитор и пианист. Играл с 5 лет. Учился в Московской консерватории. В 1895-1896 совершил успешную концертную поездку по зарубежным странам. С 1898 по 1903 профессор Московской консерватории по классу фортепьяно. Часто и успешно выступал с авторскими концертами в разных городах России и за рубежом. Фортепьянная музыка Скрябина отличается глубоким своеобразием и художественной самобытностью, смелым, последовательным новаторством, огромным эмоциональным богатством и философской содержательностью. Его творческий путь принято делить на три периода: первый (до 1900) характеризуется тонким лиризмом, задушевностью, ясностью формы, изяществом фактуры, преемственной связью с классической музыкой; второй (1900-1907) – усилением творческих исканий, особенно в сфере гармонии, нарастанием драматизма, героических порывов к борьбе за этические идеалы и наряду с этим еще большей утонченностью в лирике; третий (1907-1914) – поворотом (под влиянием разделявшихся Скрябиным идеалистических философских концепций) в сторону крайнего индивидуализма и отрыва от реальной действительности. Творческие находки и достижения Скрябина оказали значительное влияние на музыку последующего поколения отечественных и на многих зарубежных композиторов. Автор 222 сочинений, в том числе 3 симфоний, поэмы «Мечты», «Поэмы экстаза», многочисленных произведений для фортепьяно, 10 сонат, 90 прелюдий, 26 этюдов, мазурок, вальсов и др.

Скульптура (лат. sculptura) – ваяние, вид изобразительного искусства, дающий объемно-пространственные изображение материальных предметов, преимущественно изображения человека. В сравнении с живописью и графикой, охватывает довольно ограниченный круг явления, но может разрабатывать его с большой глубиной. Поскольку показ окружающей человека среды, освещения, пейзажа и пр. в скульптуре достижим в очень ограниченной мере, она сосредоточивает все свои художественные средства на передаче богатства и многогранности человеческого образа через его пластическую характеристику. Скульптурные изображения являются незаменимой формой увековечивания и прославления красоты и силы человека. Осязательный, реальный объем – основное художественное средство скульптуры; цвет применяется в ней очень ограниченно и условно. По назначению скульптура подразделяется на станковую, монументальную и декоративную. В каждой из этих областей применяется круглая скульптура и рельеф. Круглая скульптура, представленная фигурной группой, статуей, складывающихся частей, с изображением на каждой из них или на одной центральной (самой крупной). Обычно были трехчастные скульптуры, в которых средняя часть прикрывалась двумя боковыми створками.

Спартак (I в. до н. э) – вождь крупнейшего восстания рабов в Риме. Предположительно он был уроженцем Фракии (северо-восток Балканского полуострова). Попав в рабство, стал гладиатором, а затем учителем фехтования в гладиаторской школе в г. Капуя. В 17 г. до н. э. Спартак организовал заговор рабов, который был раскрыт. Заговорщиков ожидала смерть. Однако Спартак вместе с 70 товарищами бежал. К ним стали присоединяться другие рабы. Постепенно число их достигало десятков тысяч человек. Спартак обучал их военному делу. Направленные на их подавление римские легионы были разбиты. Правда, от основной группы восставших отделились примерно 10 тысяч человек. Они стали действовать самостоятельно, но были вскоре уничтожены. Спартак со своей армией предпринял поход вдоль восточного побережья Италии на север и, не доходя р. По, разгромил войско римлян. После этого почему-то направился на юг. Неудачей закончилась его попытка перебраться в Италию. В 71 г. до н. э. в битве при р. Силариус спартанцы потерпели поражение от превосходящих сил римлян. Сам вождь рабов погиб в бою, а 6 тысяч сдавшихся в плен распяли римляне на крестах вдоль Аппиевой дороги.

Стравинский Игорь Федорович (1882-1971) – русский композитор, дирижер и пианист. Музыкой начал заниматься с 9 лет. С 1903 ученик Н. Римского-Корсакова, которому посвятил свое первое крупное сочинение – симфонию. С 1920 в Париже. В 1939 переехал в США, жил в Голливуде. Многогранность творческих замыслов, своеобразие принципов формообразования, ритма, ладо-гармонического языка, оркестрового колорита и универсальное мастерство в большинстве случаев ставили Стравинского во главе затронутых и освоенных им направлений современной музыки. Еще со времени первого исполнения «Весны священной» (1913) он завоевал признание как крупнейший композитор современности. Автор опер «Соловей», «Мавра», оратории «Эдип-царь», 10 балетов (в их числе «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная», «Пульчинелла»), концертов для фортепьяно с оркестром, пьес и др. Написал несколько книг («Хроника моей жизни» и др.).

Сюита (фр. suite – ряд, последовательность) – одна из форм многочастных музыкальный произведений (большей частью инструментальных). Была одной из первых развитых форм инструментальной музыки, оказавшей большое влияние на ее дальнейшее развитие. Возникла в 15 в. В нач. 16 в. в Германии стали появляться сборники танцев, так называемые танцевальные сюиты. В 17-18 вв. часто встречаются сюиты, состоящие из следующих четырех танцев: аллеманда, куранта, сарабанда и жига. Основной принцип строения сюиты – разнообразие, конраст: быстрый танец сменялся медленным, двухдольный – трехдольным и т.д. С течением времени композиторы стали включать в сюиты, кроме танцев, и музыкальные номера, не носящие танцевального характера. Французские клавесинисты вводили в свои сюиты, кроме танцев, музыкальные пьесы, носящие изобразительный или портретный характер, название этих пьес указывало на содержание: напр., «Кукушка», «Жнецы», «Изящная», «Ветреная» и др. Примерами классической сюиты могут служить сюиты Баха для клавира, его сюиты для оркестра. Отдельные части сюиты обычно объединены общим идейным замыслом. В настоящее время сюита представляет собой ряд отдельных жанровых музыкальных эпизодов. Примерами симфонических сюит могут служить сюиты Чайковского, «Балетные сцены» Глазунова. Часто в сюиты объединяются отдельные музыкальные номера из какого-либо балета, оперы, музыки к пьесе; таковы, напр., сюиты из опер Римского-Корсакова («Сказка о царе Салтане»), из балетов Чайковского («Спящая красавица», «Щелкунчик»).

Сюрреализм (фр.; сверхреализм) – авангардистское направление в искусстве 20 в. Сложился во Франции к середине 20-х гг. «Манифест сюрреализма» А. Бретона, журнал «Сюрреалистическая революция», выставка в Париже (1925). Источником искусства рассматривал сферу подсознания, методом – разрыв логических связей, замененных субъективными ассоциациями. Опирался на теорию психоанализа З. Фрейда. В изобразительном искусстве течение проявилось в творчестве М. Эрнста, Х. Арпа, П. Руа, А. Массона, Ж. Миро, С. Дали, П. Клее и др.

Тарантелла – итальянский народный быстрый танец. В характере тарантеллы создано много сочинений для отдельных инструментов, голоса, оркестра, хора. Примерами могут служить «Тарантелла» Глинки для хора и оркестра, Россини – для голоса, Листа – для фортепьяно.

Театр – вид искусства, в котором образное отражение жизни достигается через сценическое действие, представление. Театр – искусство синтетическое, сочетающее в своих произведениях выразительные средства драматургии, актерской игры, режиссуры, живописи, музыки. Действенную природу театра выражает актер, воплощающий в процессе сценического творчества образы, созданные драматургом. Искусство театра существует с глубокой древности.

Третьяковская галерея в Москве – национальная сокровищница русского изобразительного искусства. Основана П. Третьяковым, который в 1892 принес ее в дар Москве. В 1918 к коллекциям Третьяковской галереи были присоединены коллекции бывшего Румянцевского музея, Цветковской галереи, музея И. Остроухова и ряд частных собраний. Ныне Третьяковская галерея обладает богатейшей, выросшей во много раз коллекцией русского искусства от его истоков (11 в.) до настоящего времени.

Толстой Лев Николаевич (1828-1910) – граф, русский писатель, мыслитель. Родился в поместье Ясная поляна (Тульская губерния). Его мать, урожденная княжна Волконская, умерла, когда ему было 3 года. Начальное и среднее образование получил дома, в 1844-1847 гг. Учился в Казанском университете, который оставил, разочаровавшись в казенном обучении. В 1851 г. поступил на военную службу, отправившись на Кавказ. Во время русско-турецкой войны участвовал в обороне Севастополя. Рано ощутив призвание писателя, психолога и моралиста, уже в 1851 г. написал прекрасную повесть «Детство», за которой последовали «Отрочество» и «Юность», в значительной мере автобиографичные. С 1856 г., уйдя в отставку, полностью перешел на литературную работу. После «Севастопольских рассказов» и повести «Казаки» (1863) трудился над грандиозной эпопеей «Война и мир». Стали классикой два других романа: «Анна Каренина», «Воскресенье»; пьесы «Власть тьмы», «Плоды просвещения», «Живой труп»; повести «Отец Сергий», «Холстомер», «Крейцерова соната», «Хаджи Мурат». Духовно-нравственные искания привели его к собственному толкованию христианства вне формальной церковности. Этому он посвятил религиозно-философский трактат «Царство Божие внутри нас», статьи и даже свою версию перевода Нового Завета. Толстой проповедовал непротивление злу насилием, занятие физическим трудом, просвещение и жизнь без роскоши. За критику официального православия его в 1901 г. отлучили от Церкви (тогда как атеисты упрекали его за богоискательство). Для просвещения народа писал детские рассказы, сказки, азбуку. Не вынеся противоречий своего учения с собственной «барской» жизнью, осень 1910 г. тайно ушел из дому, заболел и умер на железнодорожной станции Астапово (ныне – Лев Толстой).

Тушь (нем. tusche) – в технологии рисунка материал для рисования кистью или пером, состоявший преимущественно из специально приготовленной сажи и клеящих веществ. Тушь бывает сухая (в виде плиток или столбиков) и жидкая. Лучший сорт черной туши – китайская. Так называемая цветная тушь (особый вид жидких красок) почти не употребляется художниками. Также обозначение техники рисунка, выполненного черной тушью при помощи кисти. В ходе работы тушь разбавляется водой – по высыхании почти не смывается; цветной тон рисунка в зависимости от свойств материал может колебаться от буроватого до серебристо-серого. Неразбавленная тушь дает на бумаге недоступное акварели интенсивно-черное пятно.

Тютчев Федор Иванович (1803-1873) – русский поэт. Родился в родовом имении Овструг Орловской губернии. Окончив в 1821 г. словесный факультет Московского университета, стал служить в Министерстве иностранных дел и больше двух десятилетий находился на дипломатической работе в Германии, Италии. Писать стихи начал в юности. Первый успех пришел в 1836 г., когда А.С. Пушкин одобрил ряд его стихотворения и опубликовал в журнале «Современник». Первый сборник стихотворений вышел в 1854 г. Сам Тютчев не придавал большого значения своему творчеству, хотя о нем с восторгом отзывались многие критики и лучшие русские писатели. Он остается непревзойденным мастером высокой лирики, способным в немногих словах и точных образах раскрыть потаенную суть природы, глубину чувств и мыслей человека, безуспешно пытающегося постичь тайну бытия.

Увертюра (лат. apertura – открытие, начало) – оркестровая пьеса, исполняемая как вступление к опере, балету, оратории, драме, кинофильму и т.д., а также - самостоятельное концертно-симфоническое произведение (обычно программного характера). Пишется в форме сонатного аллегро или попурри, иногда в свободной форме (интродукция, прелюд, вступление). Известны увертюры Моцарта к «Свадьбе Фигаро», Глинки к опере «Руслан и Людмила», Бородина к опере «Князь Игорь» и др.

Училище живописи, ваяния и зодчества в Москве – реалистическая художественная школа, готовившая живописцев, скульпторов, архитекторов. Возникло в 1832 как художественный кружок при Художественном обществе, затем стало Художественным классом; в 1843 переименовано в Училище живописи и ваяния. В 1865 к училищу была присоединена Архитектурная школа. В нем учились Перов, Левитан, Архипов, Нестеров и др. После 1917 преобразовано в Гос. свободные художественные мастерские, реорганизованные позднее в др. учебные заведения, на основе которых 1939-1940 был создан Московский художественный институт (с 1948 им. В.И. Сурикова), являющийся, в сущности, преемником училища.

Фаворский Владимир Андреевич (1886-1964) – русский художник-график. Учился в студии К. Юона в Москве, в Мюнхене, на искусствоведческом отделении Московского университета (1907-1913). Член общества «Четыре искусства». С 1907 работал преимущественно в технике ксилографии с книжной иллюстрацией. Для его гравюр 10-20-х гг. характерны подчеркнутая пластичность, использование только черного штриха. С середины 30-х гг. чаще пользовался белым штрихом, передавая свет, движение, характер персонажей (иллюстрации к «Слову о полку Игореве»). Создал особый стиль карандашного рисунка – строгого, пластически ясного, гармонического. Участвовал в создании монументального искусства в 30-е гг.: росписи в Музее охраны младенчества и материнства (1933), и в Доме моделей в Москве (1935). Работал в театре. Преподавал в художественных вузах Москвы. Народный художник СССР (1963).

Фагот – духовой деревянный музыкальный инструмент басового регистра. Входит в состав симфонического оркестра. Диапазон от «си-бемоль» контроктавы до «фа» второй октавы. Звук мягкого, солнечного тембра. Примером применения фагота может служить начало темы вступления 6-й симфонии Чайковского, начало «Шехеразады» Римского-Корсакова.

Федотов Павел Андреевич (1815-1852) – русский живописец и рисовальщик. Зачинатель критического реализма в русском изобразительном искусстве. В 1834-1844 на военной службе, во время которой посещал рисовальные классы Петербургской академии художеств. Начинал с зарисовок военного быта, затем обратился к сатирическим жанровым сценам. Его произведения «Свежий кавалер», «Разборчивая невеста», «Сватовство майора», «Завтрак аристократа» – небольшие, детально разработанные картины с развернутым сюжетом и едкой сатирой на общество. Поздние работы («Вдовушка», «Анкор, еще анкор!») – трагичны и полны сочувствия к обездоленным людям. Портреты отличаются поэтичность (Н. Жданович, Е. Растопчиной и др.).

Фемида – в греческой мифологии богиня правосудия. У римлян ей соответствовала Юстиция. Изображалась с завязанными глазами, весами в одной руке и мечом в другой.

Флейта – духовой деревянный инструмент высокого регистра, имеет форму узкой цилиндрической трубки с отверстиями в стенках, снабженными клапанами. В зависимости от положения входного отверстия (находящегося в торце или в стенке) делятся на продольные и поперечные. Разновидности: малая (пикколо), альтовая, басовая. Обладает светлым, мягким и очень легким, но несколько холодным звуком. Примером использования флейты в сочинениях для симфонического оркестра может служить соло для флейты во вступлении к третьему акту оперы Бизе «Кармен» и в «Шутке» из сюиты №2 И.С. Баха.

Фортепияно, пианино, рояль – (ит. forte, piano – громко и тихо), – темперированный струнный ударно-клавишный музыкальный инструмент. Изобретен в Италии в 1711 Б. Кристофори, позднее усовершенствован. Существуют 2 вида фортепьяно: рояль и пианино. Диапазон фортепьяно более 7 октав, охватывает большинство употребляемых в музыке звуков. Богатые динамические и выразительные средства, возможность воспроизводить многослойную музыку выдвинули фортепьяно как важнейший музыкальный инструмент для исполнения соло, аккомпанемента и всевозможных переложений симфонической, оперной и др. музыки.

Фуга (лат.; бег) – в музыке наиболее развитая часть полифонии. Основана на поочередном вступлении 2-5 и более голосов (на расстоянии квинты и кварты), повторяющих начальную тему (имитации) и затем широко разрабатывающих ее во всевозможных мелодических, ритмических и гармонических комбинациях. В форме фуги написаны многие сочинения для фортепьяно, органа, хора, оркестра и т.д. (Бах, Гендель, Моцарт, Бетховен, Глинка, Чайковский и др.).

Хабанера – испанский танец-песня. Ритм аккомпанемента остро пунктирован. Классический образец использования – в опере Ж. Бизе «Кармен».

Хорал – хоровое песнопение, одноголосное (унисонное) в католической церкви и многоголосное – в протестантской. Под словом «хорал» обычно имеют в виду пьесу, выдержанную в аккордово-гармоническом складе (со строгим голосоведением) и напоминающую старинное церковное пение.

Христианство – одна из трех религий. Возникло в 1 в. в восточных провинциях Римской империи. Порождено настроениями безысходности масс, уверовавших в избавление от страданий с помощью Мессии, или божественного Спасителя. Вероучение сложилось на основе идей ряда мессианских секций. Центральное место в христианстве занимает вера в искупительную жертву Иисуса Христа, который был казнен, но затем воскрес из мертвых и вознесся на небо, открыв тем самым возможность воскресения для своих последователей. Приверженцы христианства верят в грядущее второе пришествие Христа на землю, для того чтобы судить живых и мертвых, даровать вечное блаженство праведникам, а грешников обречь на адские мучения. На протяжении всей своей истории развивалось в обстановке внутренних противоречий, обусловленных неоднородностью его состава, различными классовыми интересами его приверженцев. Эти противоречия приводили к расколам в его рядах, к образованию различных течений и направлений. В 1054 в нем выделились два крупных направления: западное (католицизм) и восточное (православие). В 16 в. в результате Реформации возникла третья разновидность – протестантизм. В свою очередь эти направления распадаются на более мелкие течения, расходящиеся между собой в интерпретации отдельных теологических и культовых вопросов, но сохраняющие незыблемыми основные свои принципы. В настоящее время самая распространенная религия на земле.

Царь-колокол – гигантский колокол весом около 200 т (высота 5,87 м, диаметр 6,6 м), хранящийся в Московском Кремле. Отлит в 1733-1735 русскими мастерами Моториными. Во время пожара в 1737 колокол, находившийся еще в обработке, был поврежден – отбит большой кусок. В 1836 установлен на каменном пьедестале в Кремле. Так назывался и колокол весом свыше 35 т, отлитый литейным мастером А. Чоховым в нач. 17 в. по приказанию Бориса Годунова, и колокол весом около 130 т, отлитый в 1654 (разбился во время пожара 19 июня 1701; его обломки пошли на изготовление существующего Царь-колокола.

Царь-пушка – старинное артиллерийское орудие, хранящееся в Московском Кремле. Отлита в 1586 мастером А. Чоховым. Является замечательным памятником русского литейного искусства 16 в.; вес около 39 т., длина свыше 5 м, калибр 89 см.

Чайковский Петр Ильич (1840-1893) – русский композитор, дирижер. Окончил Училище правоведения в Петербурге и с 1859 по 1861 служил чиновником Министерством Юстиции. В годы пребывания в училище пел в хоре, брал уроки фортепьяно. Дальнейшее музыкальное образование получил в открывшейся в 1862 Петербургской консерватории, ученик А. Рубинштейна. С 1866 по 1877 профессор Московской консерватории, в 1874-1876 музыкальный критик газеты «Русские ведомости». С 1885 директор московского отделения Русского музыкального общества. С 1887 регулярно выступал в России, Европе и Америке как дирижер, исполняя свои произведения. В 1892 поселился в Клину, под Москвой. В 1892 избран членом Института Франции, в 1893 почетным доктором Кембриджского университета (Англия). Один из величайших композиторов, оставил обширное и разнообразное творческое наследие, вписав новые страницы и подняв на небывалую дотоле высоту русское симфоническое творчество, оперу, балет (в котором соединил принципы симфонического развития с танцевальным действием), камерную музыку.

Автор опер «Воевода», «Ундина», «Опричник», «Черевички», «Евгений Онегин», «Орлеанская дева», «Мазепа», «Чародейка», «Пиковая дама», «Иоланта», балетов «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик», 4 кантат (в их числе «Москва»), 6 симфоний, 5 сюит, увертюр-фантазий «Ромео и Джульетта», «Гамлет», фантазий «Буря», «Франческа да Римини», «Итальянское каприччио», баллады «Воевода», 5 увертюр, в числе которых «1812 год», 3 маршей для оркестра (в том числе «Славянский марш»), 106 пьес для фортепьяно, 12 картин «Времена года», «Детского альбома», более 100 романсов: «Нет, только тот, кто знал», «Забыть так скоро», «Хотел бы в единое слово», «Страшная минута», «Серенада Дон-Жуана», «То было раннею весной», «Средь шумного бала», «Кабы знала я», «День ли царит», «Благословляю вас, леса», «Ночи безумные», «Растворил я окно» и др.

Чакона – старинный испанский танец. Был распространен в Испании и Франции в 17-18 вв. Как музыкальная форма (вариации на фоне неизменно повторяющейся в басу мелодии) широко использовалась композиторами (напр., чакона для скрипки–соло Баха).

Чаплин Чарлз Спенсер (1889-1977) – английский и американский киноактер, сценарист, композитор, режиссер. Родился в Лондоне в семье артистов мюзик-холла. С детства выступал на сцене. В 1907 г. с группой гастролировал в США как комик-мим и был приглашен сниматься в кино, где продемонстрировал незаурядное артистическое дарование, огромную работоспособность и выдумку.

Он сравнительно быстро создал образ-маску «маленького человека» – наивного, трогательного, доброго, неунывающего и способного защитить свою честь даже в схватках с бандитами и силачами. Его киногерой стал популярен и любим зрителями. Большим успехом пользовались его «короткометражки»: «Малыш» и др. В 1923 на своей киностудии стал создавать полнометражные фильмы: «Парижанка», «Золотая лихорадка» (1925), «Цирк», «Огни большого города» (1931). Чаплин высмеивал механизированный мир капитализма с его погоней за деньгами («Новые времена», 1936) и неограниченной властью («Диктатор», 1940). В последнем фильме он едко высмеял А. Гитлера.

После войны в США его преследовали как сторонника коммунистов. Он переехал в Швейцарию. Его послевоенные произведения: «Месье Верду», «Огни рампы», «Король в Нью-Йорке», «Графиня из Гонконга» (1967), где он сыграл эпизодическую роль; основная музыкальная тема этого кинофильма пользуется популярность до сих пор. Лучшие фильмы Ч. Чаплина стали классикой мирового кинематографа.

Черни Карл (1791-1857) – австрийский композитор (чех по происхождению). В 15 лет уже славился как выдающийся музыкальный педагог. Основоположник венской пианистической школы 1-й пол. 19 в. Плодовитый композитор, из произведений которого сохранили значение этюды и упражнения, доныне успешно используемые в педагогической практике. Написал более тысячи произведений духовной музыки, многочисленных сонат для фортепьяно, несколько учебников и музыкальных пособий.

Чехов Антон Павлович (1860-1904) – русский писатель, драматург. Родился в г. Таганроге в семье купца, владельца бакалейной лавки. Учился в Таганрогской гимназии, помогая отцу вести дела. В 1879 г. отец разорился. Семья переехала в Москву, оставив Антона одного. Он подрабатывал репетиторством и, окончив гимназию, поступил на медицинский факультет Московского университета. Еще студентом стал сотрудничать в юмористических журналах, подписываясь «Антошка Чехонте», «Человек без селезенки» и т.д. Первый сборник «Сказки Мельпомены» вышел в 1884 г., за ним последовали «Пестрые рассказы». Веселые остроумные миниатюры сменились с 1886 г. серьезными крупными сочинениями: «Степь», «Скучная история». К этому времени Чехов, окончив университет, работал земским врачом. В 1887 г. был напечатан сборник «В сумерках», затем пьесы «Иванов», «Свадьба»; водевили «Медведь», «Предложение» и др. В 1890 г. писатель совершил поезду на о. Сахалин, позже опубликовав путевые очерки. Купив имение Мелихово в Серпуховском уезде, помогал крестьянам в годы голода и холеры. Первое представление его комедии «Чайка» в 1896 г. провалилось, зато второе через 2 года во МХАТе прошло в триумфом. Писал замечательную прозу («Мужики», «В овраге», «Человек в футляре», «О любви»). Но всемирно прославился своими пьесами: «Дядя Ваня», «Три сестры», «Вишневый сад».

Чюрленис Микалоюс (Николай Константинович; 1875-1911) – литовский композитор, художник. Учился в Музыкальной школе М. Огиньского в Плунге, затем в Варшавской и Лейпцигской консерваториях. С 1902 по 1906 жил в Варшаве, где в 1903 начал заниматься живописью; в 1904 организовал хор для исполнения литовских народных песен. В 1907 переехал в Вильно. Один из организаторов Литовского художественного общества и музыкальной секции при нем (1908). В начале 1909 выехал в Петербург, где в 1910 тяжело заболел. Завоевал известность, прежде всего, как художник. В последние годы жизни увлекся идеей воплощения звуковых образов в живописи, стремясь к синтезу звуковых и зрительных впечатлений. Музыкальное творчество Чюрлениса связано с литовским фольклором. Был основоположником жанра литовской симфонической поэмы. В последних сочинениях дает себя чувствовать влияние А. Скрябина. Написал кантату «Дэ профундис», поэмы «В лесу», «Море» для оркестра и органа, увертюру «Кейстутис», несколько сонат, прелюдий, ноктюрнов, мазурок и пьес для фортепьяно.

Шагал Марк (1887–1985) – мир картин художника, выходца из России, – нечто среднее между сном и явью. Своими фантастическими повествовательными картинами Шагал проложил дорогу сюрреалистической живописи.

Шагал родился в Витебске в бедной еврейской семье, где кроме него, было еще семеро детей. В 13 лет он решил стать художником и, стремясь осуществить свое желание, начал работать в фотомастерской. В 1907 он уехал в Санкт-Петербург изучать искусство; но там из-за своего еврейского происхождения постоянно испытывал притеснения. Положение его улучшилось только в 1908, когда он стал брать частные уроки в школе Леона Бакста. В Санкт-Петербурге Шагал познакомился с депутатом Думы Максимом Винавером, который помог Шагалу уехать в Париж.

В Париже Шагал с головой окунулся в среду художественного авангарда. Знакомство с кубизмом дало ему импульс к созданию собственных композиций. В 1911 появилась первая работа мастера «Я и деревня»: структуру этой картины Шагал расчленил, исходя из центральной точки. Во многих своих картинах он перерабатывал сцены из жизни русской старины и сливал их с видениями и воспоминаниями. Предметы у него то вырисовываются яркими, насыщенными красками, то почти растворяются в какой-то туманной дымке. В 1914 первая персональная выставка работ Шагала, которая произвела на соотечественников эффект разорвавшейся бомбы.

Во время пребывания Шагала в Витебске разразилась первая мировая война. В 1915 он женился на своей возлюбленной, еврейской девушке Белле Розенфельд. Такие картины, как «Над городом» (1914-18) и «День рождения» (1915) передают безмерное счастье художника.

В начале Октябрьской революции (1917) Шагал стал на сторону большевиков и был назначен комиссаром по делам изобразительных искусств в Витебске. Он создал художественную академию, куда привлекал русских авангардистов. После борьбы направлений Шагал уехал из Витебска и оказался в 1920 в Москве, где ему пришлось бедствовать. Неустанно борясь с жизненными трудностями, он создал декорации для Государственного Еврейского театра и оформлял театральные залы и фойе монументальными настенными росписями – например «Зеленый скрипач» (1923/24), копия панно «Музыка».

В 1923 Шагал снова приезжает в Париж. Во Франции он создал гравюры, иллюстрирующие «Мертвые души» Николая Гоголя (1927-30). Его живописные работы вдохновлялись в основном воспоминаниями о родных местах (например, «Жизнь крестьянина», 1925), а также мотивами русских народных сказок.

Преследование евреев в третьем рейхе, а также растущий антисемитизм в Европе нашли свое отражение в темных, мрачных картинах художника. Уже в 1933 Шагал привлек внимание общественности к угрозе, нависшей над его народом (картина «Одиночество»). Картины на тему распятия, появившиеся во второй половине 30-х, изображают преследование и уничтожение людей («Белое распятие», 1938).

В 1941 Шагал уехал из Франции в США. В Нью-Йорке он создал многочисленные декорации для «Метрополитен-Оперы», а также для балета Игоря Стравинского «Жар-птица».

В 1948 Шагал вернулся в Париж. В поздних работах он остался верен своим темам – его картины изображают далекие неведомые миры. В 1957 появились его иллюстрации к Библии.

В 70-е Шагал создал множество работ на темы греческой мифологии (например, «Падение Икара», 1975). В картинах последнего периода его творчества доминирующее положение занимает цвет. Одна из последних известных картин Шагала – «Пара влюбленных на красном фоне» (1983). Через два года после ее создания художник умер в местечке Сен-Поль-де Вене на юге Франции, дожив до 97 лет.

Шаляпин Федр Иванович (1873-1938) – великий русский певец (бас). Пел в опере в Петербурге и Москве; с 1921 жил за границей. Обладая исключительным по красоте голосом и выдающимся драматическим дарованием, создал ряд непревзойденных музыкально-сценических образов в операх русских композиторов: Борис, Досифей («Борис Годунов», «Хованщина» Мусоргского), Иван Грозный («Псковитянка» Римского-Корсакова), Мефистофель («Фауст» Гуно), Дон Базилио («Севильский цирюльник» Россини).

Шапка Мономаха – царский головной убор из золота, украшенный драгоценными камнями, крестом и собольей опушкой. Якобы была получена Владимиром Мономахом от византийского императора Константина.

Шиллер Иоганн Фридрих (1759-1805) – немецкий поэт, драматург. Уроженец карликового княжества Вюртембергского, сын садовника (а прежде солдата, фельдшера), Иоганн с детства отличался пылким и независимым характером, вниманием и любовью к людям. Окончив городскую латинскую, а затем военную школу, с 1780 г. служил лекарем в Штутгартском гренадерском полку. Врачевал он плохо, зато вдохновенно писал пьесу «Разбойники» и обдумывал новые сочинения. Издав пьесу за свой счет анонимно, тайно присутствовал на ее представлении и видел, какую бурю переживаний вызвала она в публике. Ведь пьеса была посвящена теме справедливости и свободы, бесправию бедняков и низости богачей. Ему пришлось бежать из Вюртемберга. В 1783-1785 гг. становится штатным драматургом и заведующим репертуаром Мангеймского театра. С успехом прошла его пьеса «Коварство и любовь», а затем драма «Дон Карлос». С 1788 г. работал профессором истории в Йенском университете, писал исторические популярные и научные сочинения. Затем переехал к своему другу И.В. Гете в Веймар. Здесь были поставлены пьесы Шиллера: «Мария Стюарт», «Орлеанская дева», «Вильгельм Телль», закончена трилогия «Валленштейн». Шиллер создавал замечательные баллады. Его знаменитая ода «К радости» – гимн свободы и братства; она начинается словами: «Обнимитесь, миллионы! Слейтесь в радости одной!» – легла в основу оригинала 9-й симфонии Л. Бетховена. Ныне гимн Олимпийских игр.

Шостакович Дмитрий Дмитриевич (1906-1975) – русский композитор. Родился в Петербурге, в семье инженера. Окончи л Ленинградскую консерваторию по классу фортепьяно и композиции (1925). Центральное место в творчестве занимают симфонические произведения. Получил известность благодаря уже первой симфонии (1925). В середине 30-х гг. Подвергался критике со стороны официальных органов за оперу «Катерина Измайлова» («Леди Макбет Мценского уезда» по Н. Лескову). Но именно в ней, по мнению специалистов, проявилась творческая зрелость композитора. Автор 15 симфоний (над 7-1 симфонией – «Ленинградской» – работал в блокадном Ленинграде), концертов для фортепьяно с оркестром и струнных квартетов и др. сочинений. Написал музыку ко многим кинофильмам (свыше 30), в том числе к «Молодой гвардии», «Оводу». Почетный член ряда зарубежных академий, доктор искусствоведения, народный артист СССР (1954).

Шопен Фридерик (1810-1849) – польский композитор и пианист. С 7 лет начал сочинять музыку, с 8 выступал публично как пианист. В 1829 совершил концертную поездку в Вену, в 1830 направился для усовершенствования в Париж, выступив попутно с концертами в Вене (где задержался надолго) и Мюнхене. После подавления польского восстания Шопен, связанный с его участниками, на родину не вернулся, оставшись жить в Париже. С конца 1844 здоровье Шопена стало ухудшаться (туберкулез легких), в особенности после поездки в Англию, климат которой оказался для него губительным. Похоронен в Париже, но сердце согласно его желанию перевезено в специальном сосуде в Варшаву, где хранится доныне. Величайший из польских композиторов, родоначальник польской музыкальной классики, один из крупнейших мировых музыкальных творцов, выдающийся пианист своего времени. Основная область его творчества – фортепьянная музыка.

Творчество Шопена носит национальный и народный характер, органически сочетающийся с исключительной по силе и яркости творческой индивидуальностью. К другим наиболее существенным чертам его сочинений относятся богатство идейно-образного и эмоционального содержания и тонкий психологизм, жизненная правдивость и человечность музыки при ее романтической направленности в целом, ярчайшее мелодическое дарование, соединение художественной фантазии и импровизационной свободы с безукоризненной логикой музыкального мышления, стройность и изящество формы, свободы владения всеми средствами музыкальной выразительности, новаторство в области гармонии, формы, трактовки фортепьяно и др. Оказал сильнейшее влияние на развитие мировой музыки, в первую очередь фортепьянной. Автор более 200 произведений: пьесы, сонаты, полонезы, баллады, около 60 мазурок, 17 вальсов, 21 ноктюрн, 27 этюдов, 26 прелюдий, циклы вариаций и др.

Штраус Иоганн – сын (1825-1899) – австрийский композитор, дирижер, скрипач. В 6 лет сочинил первый вальс. Выдающийся мастер танцевальной музыки, прозванный современниками королем вальсов, классик венского вальса, в основу которого положил усовершенствованную им форму вальса, созданную его отцом. Вместе с тем Штраус – классик австрийской (так наз. венской) оперетты, ярким образцом которой является «Летучая мышь». Музыка Штрауса отличается необыкновенным мелодическим богатством, задорной и разнообразной ритмикой, истоки которых коренятся в венском городском фольклоре, эмоциональной содержательностью, образностью и художественным совершенством (в частности, красочностью и свежестью оркестровой звучности). Автор комической оперы «Рыцарь Пазман», балета «Золушка», 15 оперетт (в их числе «Косынка королевы», «Веселая война», «Ночь в Венеции», «Цыганский барон», «Княгиня Нинетта»), более 460 вальсов, полек, галопов, маршей и др. танцевальных пьес (вальсы «Голубой Дунай», «Жизнь артиста», «Сказки венского леса», «Южные розы», «Новая Вена», «Прощание с Петербургом» и др.).

Шуберт Франц (1797-1828) – австрийский композитор. Музыке начал обучаться с 8 лет, пел в хоре Венской придворной капеллы. Известен как крупнейший из основоположников музыкального романтизма и создатель ряда новых жанров: романтической симфонии, фортепьянной миниатюры, лирико-романтической художественной песни (романса), программно-сюжетного вокального цикла. Этим, так же, как обновлением содержания и структуры традиционных музыкальных форм, он вписал непреходящей ценности страницу с мировую музыку. Наибольшее значение в его творчестве имеет песня, в области которой у него особенно много новаторских идей. Песенностью и песенно-романсными формообразовательными принципами проникнуты и др. затронутые им жанры. В песнях Шуберта глубже всего раскрыт внутренний мир человека, заметнее характерная для него связь с народно-бытовой музыкой, сильнее всего проявилась одна из самых существенных особенностей его дарования – беспримерное богатство и удивительное разнообразие, красота и обаяние мелодий. Творчество Шуберта оказало большое влияние на развитие музыкальной культуры 19 в. Автор опер «Альфонс и Эстрелла», «Фиеррабрас», «Домашняя война, или Заговорщики», «Близнецы», кантаты «Победная песнь Мириам», 2 месс, 9 симфоний, более 100 хоров, 600 песен и др.

Шуман Роберт (1810-1856) – немецкий композитор. Известен как один из крупнейших представителей музыкального романтизма, новатор и создатель новых типов музыкальных произведений (в частности, сюитно-вариационного программного фортепьянного цикла), как воинствующий гуманист и страстный борец за искусство высокой жизненной правды и красоты. Шуман – исключительно ярко выраженная художественная индивидуальность с неповторимым творческим почерком. Его творчество отмечено глубоким и тонким лиризмом, поэтичностью, богатством и свежестью мелодики, образно-психологической характеристичностью, своеобразной фактурой, основанной на коротких, ритмически капризных мотивах, ускоренной пульсации ритма. Шуман был также создателем новых форм музыкальной критики и публицистики, основанных главным образом на эмоциональном постижении музыки. Творчество и критическая деятельность Шумана оказали значительное влияние на развитие музыкального искусства 19 в. Автор оперы «Геновева», оратории «Рай и Пери», различных концертов, сонат, симфонических этюдов, более 200 песен и романсов и др.

Щепкин Михаил Семенович (1788-1863) – русский драматический актер, основоположник, реализма в отечественном сценическом искусстве, гордость Курского края. В 1800 впервые выступил в любительском спектакле. В 1818 основал в Полтаве Вольный театр. В 1822 дебютировал в Москве. В 1832 зачислен в труппу Малого театра.

Эвридика – в греческой мифологии жена поэта и певца Орфея, который после ее смерти отправился в подземное царство, чтобы обаянием своего пения побудить его владык вернуть Эвридику на землю. Возвращаясь вместе с ней из подземного царства, Орфей вопреки поставленному условию оглянулся и из-за этого потерял Эвридику навсегда.

Эйзенштейн Сергей Михайлович (1898-1948) – русский кинорежиссер и теоретик искусства. Родился в Риге, в семье архитектора. В 1921-1922 учился в Гос. высших режиссерских мастерских у В. Мейерхольда. Первый самостоятельный спектакль – «Мудрец» (1923) по комедии А. Островского. Был директором Первого рабочего театра Пролеткульта. В 1925 снял фильмы «Стачка» и «Год 1905», позднее переименованный в «Броненосец Потемкин». Фильм стал классикой мирового киноискусства. В 1927 по поручению правительства снял к 10-летию Октябрьской революции фильм «Октябрь», где впервые в игровом кино появился образ Ленина. Выдвинул концепцию интеллектуального кинематографа как синтеза искусства и науки. В 1931 снял в Мексике фильм «Да здравствует Мексика!». В 1935-1937 работал над фильмом «Бежин луг» – о пионере Павлике Морозове. Крупное достижение Эйзенштейна – фильм «Александр Невский» (1938). Последний фильм – «Иван Грозный» в двух сериях (1945, вторая серия вышла в 1958). Преподавал во ВГИКе. Доктор искусствоведения (1939).

Эрмитаж – художественный и историко-культурный музей мирового значения в Петербурге. Образован в 18 в. на основе дворцовых коллекций, был открыт для публичного обозрения в 1852. Ныне занимает пять зданий. В Эрмитаже собраны памятники первобытной и античной культуры (особенно ценны скифские и др. археологические памятники Сев. Причерноморья), собрание памятников искусства народов Востока (изделия из золота, серебра, бронзы, ковры, оружие и др.), картины Л. да Винчи, Рафаэля, Тициана, Веласкеса и др., собрание голландской и фламандской живописи 17 в. – картины Рембрандта, Ван Дейка и др. В 1941 образован отдел истории русской культуры с памятниками от 8-9 вв. до 19 в.

Эрнст Марк (1891-1976) – немецкий художник, график и скульптор, принадлежавший к наиболее разносторонним представителям сюрреализма. Эрнст стал известен, благодаря изобретению новых художественных приемов.

Отец художника преподавал в школе для глухонемых под Кельном, где и родился Марк. По окончании средней школы юноша начал изучать гуманитарные науки в Бонне. Когда началась война, Эрнст был призван в артиллерийские войска. В армии тем не менее у него было время заниматься живописью, и в 1916 картины Эрнста впервые были выставлены в берлинской галерее «Штурм».

Вскоре после войны Эрнст женился на своей соученице Луизе Штраус. Убежденный в том, что традиционные понятия искусства уже утратили свое былое значение, Эрнст начал тяготеть к дадаизму. Начиная с 20-х стали появляться первые коллажи Эрнста, в которых он использовал, в числе прочего, фотографии. Выставка его работ в 1921 в Париже стала сенсацией для художественного авангарда. Через год Эрнст поселился во французской столице. Картиной «Встреча друзей» (1922), изображавшей многочисленных парижских сюрреалистов, он продемонстрировал свою принадлежность к сюрреализму. Следом за «Встречей» появились картины маслом, в которых он обращался к классическим темам мифологии и культурному наследию прошлого.

В 1936 появляется «Весь город», одна из самых известных картин Эрнста: под огромным солнечным диском раскинулся безлюдный ландшафт с развалинами крепости, постепенно зарастающей лианами. Теме конференции техники и природы посвящена так называемая «Серия упавших самолетов» (1936). На гражданскую войну в Испании и поражение республиканцев Эрнст отреагировал картиной «Ангел над домом» (1936/37), на которой птица-дракон угрожающе кривляется в конвульсиях.

В начале второй мировой войны Эрнст был интернирован как «представитель враждебной державы», однако отпущен на свободу. Затем аресты и освобождения чередовались, пока в 1941 Эрнст не эмигрировал в США, где женился.

В середине 40-х Эрнст обратился к новым изобразительным формам: картины этого периода выполнены в геометрической технике, их линии точно соответствуют прочерченным с помощью циркуля и линейки (например, «Зарисовки с натуры», 1947). Примерно в это же время он всерьез занялся работой над скульптурами.

В 1953 Эрнст, получивший в 1948 американское гражданство, вернулся в Париж. С середины 50-х он создал ландшафты, представлявшие переработку и доработку его более ранних работ в этом жанре. Кроме того, он снова стал работать с применением техники фроттажа. За день до своего 85-летия Эрнст скончался в Париже (1976).

Юнона – в римской мифологии одно из верховных божеств, покровительница женщин. Отождествляется с греческой Герой.

Юон Константин Федорович (1875-1958) – русский живописец. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. В 1948-1950 директор НИИ теории и истории изобразительных искусств, действительный член Академии художеств СССР. Хранитель реалистических традиций русского искусства. Наиболее известные картины: «Штурм Кремля в 1917 г.» (1947), «Парад на Красной площади в Москве 7 ноября 1941 года» (1949), «Утро индустриальной Москвы» (1949). Народный художник СССР (1950).

Юпитер – в римской мифологии верховное божество. Отождествляется с греческим Зевсом.

Ярило – в языческой мифологии восточных славян бог Солнца и плодородия, опекун земледелия. От древнеславянского «яр» – весна, свет, жар. Его представляли красивым парнем, который весной в тумане на рассвете ездит на белом коне по полю и оплодотворяет ниву. Празднества в честь Ярило запрещались церковью.

Ярошенко Николай Александрович (1846-1898) – русский живописец-жанрист и портретист. Один из крупнейших передвижников. Первым в русском искусстве стал изображать рабочих. Главные произведения: «Кочегар», «Заключенный», «Протрет П.А. Стрепетовой», «Всюду жизнь».

Основная литература

1. Алпатов М. Всеобщая история искусств. В 3-х т. – М., 1955.

2. Бернштейн Н. История русской оперы. – СПб., 1912.

3. Буров А. Об архитектуре. – М., 1960

4. Гущин А. Происхождение искусства. – М., 1937.

5. Жегн Л. Язык живописного произведения. – М., 1970

6. Киреева Е. История костюма. – М., 1976.

7. Лебедев П. Русская советская живопись. Краткая история. – М., 1963.

8. Мифы народов мира. – В 2-х. т. – М., 1997.

9. Популярная художественная энциклопедия. – Тт. 1-2. – М., 1986.

10. Ривкин Б. Античное искусство. – М., 1972.

11. Средний Д. Основные эстетические категории. – М., 1974.

12. Энциклопедия символизма. – М., 1998.

Литература для дополнительного чтения

1. Алексеева Л.Н., Григорьев В.Ю. Зарубежная музыка ХХ века. – М.: Знание, 1998.

2. Алленов Н.Н. и др. История Русского и советского искусства. – Изд. 2. – М.: Высшая школа, 1989.

3. Алпатов М.В. Художественные проблемы искусства Древней Греции. – М., 1987.

4. Античная художественная культура / Под ред. Л.М. Мосоловой. – СПб., 1993.

5. Арцыбашева Т.Н., Шевченко И.В. Очерки культуры Курского края. – Курск, 1993.

6. Балакина Т.Н. История отечественной культуры. – Ч. 1, 2. – М., 1994.

7. Белицкий М. Забытый мир шумеров. – М., 1980.

8. Беллярминов И.И. Курс русской истории. – М.: Роман-газета, 1994.

9.Березин А.Д. Рассказы о прекрасном – М.: Изобразительное искусство, 1989.

10. Боннар А. Греческая цивилизация. – М., 1992.

11. Бродский Б. Жизнь в веках. – М., 1990.

12. Вийранд Т. Молодежи об искусстве. – Таллин: Кунст, 1990.

13. Виппер Б.Р. Искусство Древней Греции. – М., 1972.

14. Вопросы культуры в курсе отечественной истории. – Ч. 1, 2 / Под ред. А.Ю. Друговской. – Курск, 1993.

15. Герчук Ю.Я. Язык и смысл изобразительного искусства. – М., 1994.

16. Голосовкер Я. Сказания о титанах. – М.: Детская литература, 1994.

17. Грибунина Н.Г. История мировой художественной культуры. – В 4-х чч. – Чч. 1-2. – Тверь, 1993.

18. Григорович В.Б., Андреева З.М. Слово о музыке. Русские композитора ХIХ в. – М.: Просвещение, 1977.

19. Громов Е.С. Начала эстетических знаний. – М.: Советский художник, 1971.

20. Гузик М.А. Учебный путеводитель по мировой художественной культуре. – М., 2000.

21. Дивненко О.В. Эстетика. – М.: Спектр-5, 1994.

22. Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. – Вып. 1. – М., 1969.

23. Домашнев А., Дроздова Т. Из глубины веков. – М., 1985.

24. Дружинин С.Н. О русской и советской живописи. – Л.: Художник РСФСР, 1987.

25. Жак К. Египет великих фараонов: история и легенда. М., 1991.

26. Заблоцкая Ю. История Ближнего Востока в древности. М., 1989.

27. Задорожная Л.И. и др. Писатели Курского края. Курск, 1995.

28. Замаровский В. Их величество пирамиды. М., 1986.

29.Звягинцева М.М. Библия как феномен мировой культуры. – Курск, 1994.

30.Зелинский Ф.Ф. Сказочная древность. – М.: Культура, 1994.

31. Зингер Л.С. Советская портретная живопись 1930-х – конца 1950 гг. – М.: Изобразительное искусство, 1989.

32. Из истории русской эстетической мысли // Сб. научных трудов. – СПб., 1993.

33. Ильина Т.В. История искусств. Западно-Европейское искусство. – М., 1993.

34. Ильина Т.В. История искусства. Русское и советское искусство, – М., 1898.

35. История эстетической мысли. – В 6-ти томах. – М.: Искусство, 1985.

36. Клима Й. Общество и культура древнего Двуречья. – Прага, 1947.

37. Кедровский А.Е. Возвращенные имена. – Курск, 1994.

38. Клочков И.С. Духовная культура Вавилонии: Человек. Судьба. Время. – М., 1983.

39. Кнабе Г.С. Древний Рим: история и повседневность. – М., 1986.

40. Кобылина М.М. Искусство Древнего Рима. – М., 1985.

41. Колобова К.М. Древний город Афины и его памятники. – Л., 1961.

42. Колпинский Ю.Д. Великое наследие античной Эллады и его значение для современности. – М., 1977.

43. Колпинский Ю.Д. Искусство Эгейского мира и Древней Греции. – М., 1970.

44. Королев Б.Н. Человек и общество: духовная жизнь. – Курск, 1993.

45. Королева Л.Г. Культура и цивилизация. – Курск, 1991.

46. Королева Л.Г. Основы эстетических знаний. – Курск, 1994.

47. Кричевская Ю.Р. Модернизм в русской литературе. Эпоха Серебряного века. – М., 1994.

48. Кумнецкий К. История культуры Древней Греции и Рима. – М., 1990.

49. Кун Н.А. Легенды и мифы Древней Греции. – М., 1957.

50. Курский край: история и современность / Под ред. Б.Н. Королева. – Курск, 1995.

51. Лазарев В.Н. Византийское и древнерусское искусство. – М.: Наука, 1978.

52. Ламберг-Карловски К. Древние цивилизации: Ближний Восток и Мезоамерика. – М., 1992.

53. Лисичкина О.Б. Мировая художественная культура: Уч. пос. – Кн. 1-3. – Спб., 1998-2000.

54. Любимов Л.Д. Искусство Древней Руси. – М.: Просвещение, 1996.

55. Любимов Л.Д. Искусство древнего мира. – М., 1997.

56. Любимов Л.Д. Искусство Западной Европы, Средние века. Возрождение в Италии. – М., 1996.

57. Мирецкая Н.В., Мирецкая Е.В. Уроки античной культуры. – М., 1996.

58. Мирецкая Н.В., Мирецкая Е.В. Культура эпохи Возрождения. – М., 1996.

59. Мирецкая Н.В., Мирецкая Е.В., Шакирова И.П. Культура эпохи Просвещения. – М., 1996.

60. Межуев В.М. Культура и история. – М., 1980.

61. Моммзен Т. История Рима. М., 1993.

62. Мухина З.З., Шитова В.Н. Архитектура, скульптура, живопись. – М., 1994.

63. Нейхардт А.А. Легенды и сказания Древней Греции и Древнего Рима. – М.: Правда, 1988.

64. Немировский А.И. Этруски. От мифа к истории. – М., 1983.

65. Пешикова Л.В. Мировая художественная культура. Хрестоматия. 9 класс. – Кн. 1. Просвещение и художественная культура России. – Вып. 2. – СПб., 1994.

66. Пешикова Л.В. Мировая художественная культура. Хрестоматия, 9 класс. – Кн. 1 Эпоха Просвещения. – Вып. 1. – М., 1993.

67. Познанский В.В. Очерк формирования русской национальной культуры. 1-я пол. XIX в. – М.: Мысль, 1975.

68. Попова Т.В. Зарубежная музыка XVII - начала XIX вв. – М.: Просвещение, 1978.

69. Попова Т.В. О музыкальных жанрах. – М.: Знание, 1981.

70. Современное западное искусство. XX век / Под ред. М. Зингермана. – М.: Наука, 1988.

71. Смирнова В.В. История мировой культуры. – Ч 1. Культура Древнего Египта, Месопотами и античного Средиземноморья. – М.: Спектр-5, 1994.

72. Соколов Г.И. Искусство Древней Эллады. Архитектура. Скульптура. Прикладное искусство. – М., 1996.

73. Соколов Г.И. Искусство Древнего Рима. Архитектура. Скульптура живопись. Прикладное искусство. – М., 1996.

74. Солодовников Ю.А. Человек в мировой художественной культуре. Хрестоматия 6-8 кл. – М., 1998-2000.

75. Тарн В. Эллинистическая цивилизация. М., 1949.

76.Татарская И.Ю., Темногород Ю.Ш. Самодеятельные композиторы Курского края. – Курск: Курскинформпечать, 1993.

77. Третьякова Л.С. Советская музыка. – М.: Просвещение, 1987.

78. Тюрин Ю.П. Воспитание историей. – М.: Просвещение, 1987.

79. Учанева Л.С. Рукотворное чудо древнерусского храма. – СПб., 1992.

80. Филатов В.В. Краткий иконописный словарь. – М., 1996.

81. Флиттнер Н.Д. Культура и искусство Двуречья и соседних стран. – М. –Л., 1958.

82.Хентова С.М. Жизнь, воплощенная в музыке. – М.: Советская Россия, 1972.

83. Чередниченко Т.В. Музыка в истории культуры. – Вып. 1, 2. – Долгопрудный: Аллегро-пресс, 1994.

84. Черняк В. З. Семь чудес и другие. – М., 1990.

85. Щукин А.Н. Знаменитые россияне: Биогр. словарь-справочник. – М., 1996.

86. Эпоха просвещения. Диалоги. – Вып. 1 / Под ред. Л.М. Предтеченской. – СПб., 1994.

87. Юренев Р.Н. Новаторство советского киноискусства. – М.: Просвещение, 1986.

104