Историческая взаимосвязь музыкального и танцевального искусств
Музыка - (от греч. musike - букв. - искусство муз), вид искусства, в котором средством воплощения художественных образов служат определенным образом организованные музыкальные звуки. Музыка фиксируется в нотной записи и реализуется в процессе исполнения.
Хореография (гр. Choreia - пляска+ grapho - пишу) - вид искусства, материалом которого являются движения и позы человеческого тела, поэтически осмысленные, организованные во времени и пространстве, составляющие художественную систему.
Музыка и хореография отражают действительность по разному. Если музыка - искусство, наиболее удаленное от внешнего предметного мира, то хореография связана с ним более непосредственно.
Музыка - временной вид искусств, хореография - пространственно - временной. музыка ритм хореография
Музыка опирается на выразительность интонаций человеческой речи, а хореография на выразительность движений человеческого тела. «Танец - единственный вид искусства, в котором мы сами являемся инструментом» - говорила немецкая писательница Рахель Фарнхаген . [Электронный ресурс].
Музыка и хореография, говоря об одном и том же, по-разному воздействуют на зрителя. Первая - через органы слуха, вторая - посредством зрительных органов.
Музыкальное искусство существует в связи композитор - исполнитель. В хореографии эта связь значительно усложняется, ведь между композитором и исполнителем появляется фигура хореографа. Именно этот «тройной союз» и делает хореографию видом искусства.
Несмотря на все эти различия , музыка и танец имеют много общего. Танец неразрывно связан с музыкой, эмоционально-образное содержание которой находит свое воплощение в хореографической драматургии, отдельных фигурах и рисунках танца.
Хореография подчиняется первоэлементам музыкального искусства: метру, ритму, темпу.
Ритм в хореографии - это закономерное чередование движений человеческого тела, один из основных выразительных элементов танца. Ритм в танце служит формообразующим элементом.
Чередование и соотношение ударных и не ударных долей образуют метр. При относительной простоте метра ритмический рисунок движений может быть весьма сложным и многообразным. Метрическая организация не лишает ритма свободы и самостоятельности, а единство ритма и метра подчёркивается в хореографии понятием «метроритма».
Неотъемлемой частью движения музыки во времени, а вслед за ней и хореографии является темп. Темп обусловлен характером и содержанием произведения. Темп в хореографии может иногда не соответствовать темпу в музыке и, более того, быть контрастным, что является дополнительным средством выразительности, эмоциональной экспрессии.
И музыка, и хореография имеют ещё общую тему, систему образов, всевозможные формы, в которые вмещаются эти образы и герои с их взаимодействием, мелодией, кульминацией. Говоря о необходимости выражения музыки в танце, мы требуем совпадения стиля музыки и танца, структуры музыкального языка и пластического рисунка.
Французский балетный танцор, хореограф и теоретик балета Жан -Жорж Новерр (1727-1810) говорил: «Хорошо написанная музыка должна живописать, должна говорить. Танец, изображающий мелодию, является эхом, повторяющим то, что говорит музыка».[ 7.56] Про музыку справедливо говорят, что она душа танца. Сила воздействия подлинно художественного хореографического произведения - в единстве музыки и танца.
Танцевальное искусство существует с древнейших времен. Первобытный танец возник из эмоций и был напрямую связан с переживаниями. Пляска стихийно выражала в движениях кульминацию эмоционального состояния человека.
Первоначально в танцах был заключен и определенный элемент игры. Первобытный человек был наделен немногочисленными движениями, но каждый день нес новые трудности, в результате которых вырабатывались алгоритмы поведения и типизация новых жестов. Одним из способов пополнения древнего танцевального арсенала являлось подражание движениям животных. Также основу первобытных танцев составляли магия и ритуал. Движения, совершаемые в ходе ритуального действия, всегда были как - то направлены, имели строго определенную цель. Танец здесь выступал как средство приведения себя в специфическое, отличное от бытового состояние.
Всякий танец у древних знаменовал соединение человека с могущественными космическими энергиями, необходимыми для переживания важных, этапных событий в его жизни: рождение - вступление во взрослую жизнь - вступление в брак - рождение потомства - охота - война - смерть. То есть танцевали не от избытка сил, а для их приобретения.
В античные времена полагали, что в процессе обучения такие дисциплины, как музыка и танцы, не менее важны, чем точные науки. Учителя того времени были твердо убеждены, что для формирования творческой, гармонически развитой личности необходимо всестороннее образование. В античности возникает союз музыки, поэзии и танца, которые были для греков не разными искусствами, а единым целым. В античные времена (как и в первобытном обществе) танцы имели глубокое ритуальное значение. Но существует и отличие античных танцев от первобытных. Если в первобытном обществе участие в ритуальных танцах было стихийно всеобщим, то в античном мире возникает разделение на участников и зрителей, свободных в своем желании - танцевать или не танцевать, смотреть или не смотреть. Танец уже начинает восприниматься как зрелище. Именно это имело значение для всего последующего развития танца. Главной особенностью танцевальной музыки в античные времена являлась импровизационность. Танцы времён Древней Греции, Древнего Рима и Древнего Египта можно классифицировать по пяти группам:
- воинственные танцы - ритуальные и образовательные;
- культовые - эммелия (размеренный танец в медленных ритмах, типа хороводов), танец покрывал и танцы кариатид (кариатиды и есть те самые танцовщицы, которые впервые применили в своих плясках технику танцевания на пуантах), а также танцы при рождении, свадебные и погребальные;
- оргиастические танцы;
- танцы общественных празднеств и театральные;
- танцы в быту.
От Эпохи раннего Средневековья дошло множество историй о маниакальной одержимости танцем. Во время христианских праздников народ внезапно начинал петь и танцевать у храмов, мешая проходившей в них церковной службе. Эти безумные танцы наблюдались во всех странах. В Германии они получили название «пляска святого Витта», а в Италии - «тарантелла».
Танец был не только необходимым средством разрядки, но и главным развлечением. Наибольшей популярностью пользовалась карола, первоначально представлявшая собой танец - шествие. Возникнув в Провансе, карола быстро распространилась по Европе, благодаря странствующим менестрелям.
В эпоху позднего Средневековья проявляется различие между придворным парным танцем и деревенским групповым танцем. Народный танец был импровизацией, в то время как придворный танец становился все более манерным. Главной формой дворцового искусства был фигурный танец, где группа танцующих последовательно образовывала танцевальные построения.«Средние века можно назвать цветущей эпохой танцев в Европе, особенно во Франции и Германии» [6.97].
В эпоху Средневековья также обнаруживаются черты взаимосвязи музыки и танца, которая охватывает более сложные формы и приёмы. Танцевальная музыка становится преимущественно инструментальной. Для танцев средневековья свойственно значительное усложнение музыкального языка: возрастает роль сквозного развития, происходит нарушение танцевальных периодических структур секвенциями, полифоническими приемами, вследствие чего дальнейшая связь музыкальной культуры и танца становится более сложной и опосредованной.
«В XVI веке сделан большой шаг вперёд в развитии техники танца.Фабрицио Карозо (итальянский средневековый танцор, хореограф ) в 1581 году издал в Венеции книгу «Танцовщик»,где описал танцы Венеции.Во Франции Туано Арбо (французский писатель, священник) тоже выпустил книгу «Орхесография»,в которой говорил о значении танца,о зависимости танца от музыки.»[2.8]
Серьезные преобразования происходят в эпоху Возрождения. Композиторы заимствуют из народных песен и танцев мелодии и ритмы для инструментальных сочинений, предназначенных исключительно для слушания. Традиция контрастного сопоставления медленного танца - шествия и живого прыжкового танца породила такую музыкальную форму, как сюита, которая, в свою очередь, оказала влияние на становление сонатной формы. [4.45.]
Наиболее типичной основой для танцевальной сюиты послужил набор танцев, сложившийся в сюитах И.Я.Фробергера (немецкого композитора, клавесиниста и органиста): аллеманда -- куранта -- сарабанда -- жига.
Именно с танцевальной музыкой в профессиональное искусство в разгар полифонического многоголосия приходит гомофонно - гармоническое мышление, яркая мелодика, четкость периодов, неразрывная связь мотивов, происходит становление тональной организации (так, новый для того времени лад мажор ранее всего утвердился в танцах эпохи Возрождения).
В эпоху барокко и классицизма придворные спектакли достигли наивысшего великолепия и в 1661 во Франции была создана Королевская академия танца,во главе которой встали тринадцать балетмейстеров во главе с Шарлем Бошаном (французский хореограф, балетмейстер, танцор и композитор).Академией была разработана основная система классической хореографии и заложен фундамент балета , который имеет свою жанровую структуру. Музыкальную основу первых балетов составляли придворные танцы, входившие в старинную сюиту. Становится популярным такой жанр как опера - балет, который утвердился в творчестве французского композитора Жана-Батиста Люлли. В его операх танцы были самостоятельным эпизодами. Однако содержание балетных номеров было слабо связано с сюжетом оперы и носило характер антре, выхода в менуэте, гавоте и других танцах в процессе оперного спектакля.
Независимым видом сценического искусства балет становится только во второй половине XVIII века, в Эпоху Просвещения, благодаря реформам, осуществлённым французским балетмейстером Жан-Жоржем Новерром - основателем классического балетного искусства, который отстаивал идею синтеза между танцем и музыкой. При нем завершилось формирование балета как самостоятельного жанра театрального искусства.[7.56.]
К концу XVIII - началу XIX балетный театр стал общедоступным зрелищем для горожан. На первом плане оказалась пантомима, которая, отодвинув в сторону танцевальность, превратив балет в хореодраму, в связи с чем возрос интерес к литературной основе действия. Тогда и появились первые балетные либретто.
Происходит разделение на классический (академический) танец и характерный (бытовой, народный). Выделяются типы танца: сольный, ансамблевый и массовый .
Романтический балет больше опирается на литературу. Музыка становится авторской, тогда как прежде она была сборной и служила фоном, создавая настроение спектакля. Теперь же она сама творит драматургию и даёт образные музыкальные характеристики героям. Примером можно назвать балет «Жизель» французского композитора Адольфа Адана, на либретто Анри де Сен-Жоржа, Теофиля Готье и Жана Коралли по легенде, пересказанной Генрихом Гейне.
Короткий период романтизма считается лучшим периодом всей истории европейского балета. Дольше всего он существовал в России.
Когда пришел реализм, балет в Европе оказался в состоянии упадка и был вытеснен мюзик-холлом, который пришёл из Англии. Балет как жанр академического искусства сохранился только в России. В этом большая заслуга французского и российского балетмейстера, театрального деятеля и педагога - Мариуса Ивановича Петипа.
На рубеже 19-20 веков в хореографию проникают течения свободного танца модерн, который зародился в США и Германии. Хореография модерна отвергает традиционные балетные формы и заменяет их свободным танцем, интуитивной трактовкой музыки. Новаторами модерна стали французский теоретик Ф.Дельсарт , американская танцовщица Айседора Дункан и Э.Ж.Далькроз - швейцарский композитор и педагог, создатель идеи ритмической гимнастики. Они пропагандировали безграничное превосходство музыки над танцем.[3.122.]
Большое влияние на развитие мирового балета оказали «Русские сезоны»,организованные Сергеем.Дягилевым с труппой «Русский балет» куда входили хореографы -- В. Нижинский, М.Фокина, С.Лифарь, Д.Баланчин, художники - А.Бенуа, П.Пикассо, К.Шанель, А.Матисса, композиторы -- Р. Штраус, М. Равель, С.Прокофьев, К. Дебюсси, И. Стравинский.
В начале 20-го века происходит обращение к симфонической музыке. Федор Лопухов - русский и советский балетмейстер, ставит в 1921 году танцсимфонию «Величие мироздания» на музыку четвёртой симфонии Бетховена.
Танцсимфония не имея сюжета, развивает в себе какую - либо тему. «Задача хореографа не оттанцовывать музыку, а средствами хореографии найти свою образность, свой тематизм»[8.73.]. В неё входят танцы как классические так и характерные. Ей свойственно абстрактное содержание, которое ведёт к различны ассоциациям и не лишено смысла.
Во второй половине 20 века стал главенствовать одноактный балет-миниатюра. Эпоха постмодерна провозгласила в танце свободу от каких-либо правил.
Музыкальная культура XX столетия обновляет формы и средства выразительности хореографического искусства, помогает и расширяет его стилистический диапазон.
11 259
2 824 
