Натюрморт. Методика работы акварелью способом лессировки

Муниципальное автономное учреждение

Дополнительного образования детей

Детская школа искусств им. П. И. Чайковского

художественное отделение

Методическая разработка

занятия по живописи

(для четвертого класса)

на тему:

Методика работы акварелью способом лессировки

Разработала: преподаватель художественного отделения ДШИ

Савгиря С. Н

Ноябрьск, 2018

Содержание

Введение……………………………………………………………………3

Глава I. Акварель. Из истории акварельной живописи…….5

Глава II. Живопись натюрморта………………………………..8

2.1. Учебный натюрморт…………………………………………….8

2.2. Методика работы акварелью способом лессировки………9

2.3. Методика выполнения натюрморта…………………………11

Глава III. Методические рекомендации по проведению занятий по живописи в четвертом классе……………………15

Заключение………………………………………………………..17

Список использованной литературы………………………….18

Приложение ………………………………………………………19

Введение

Переводы понятия «натюрморт» с французского, немецкого, английского дают ключевые представления о содержании этого жанра – мертвая натура, тихая или неподвижная жизнь. В станковой живописи и графике это изображение окружающих человека вещей с определенным логическим смыслом и композиционной организацией в единую группу. Изображение это диктуется конкретным выбором предметов, осмысленным подбором и расположением группы, а также, как правило, воплощением предметов в том или ином бытовом пространстве.

Характер постановки для художника, работающего в жанре натюрморта, определяется вниманием и любовью к миру обыденного, желанием через вещь рассказать о жизни ее обладателя, стремлением найти в заурядном предмете возможности для широких пластических поисков, разнообразных композиционных действий, декоративных и фактурных проб.

По сути, натюрморт – это откровение, это как автопортрет, опосредованно и своеобразно отраженный в сокровенных предметах, - глубоко личное, интимное высказывание художника. Все начинается с обычной, часто ученической постановки. Но и в ней, несмотря на определенную наивность и беспомощность предметного набора, начинает проступать тайна человеческого бытия, хотя бы какой-то очень характерный штришок конкретного времени.

Живопись говорит с нами языком линий и красок. Живопись – условна, у нее свои законы. Мир, который окружает нас, пространственный, а холст – плоский. Натюрморт тем и ценен для художника, что «обращает живопись к самой себе», предоставляя множество возможностей для занятий формальными живописными исканиями.

Натюрморт имеет основополагающее значение в учебно-воспитательной работе с учащимися. Неподвижный, легко и целиком обозримый с небольшого расстояния, сравнительно в постоянных условиях освещения мастерской или другого помещения, натюрморт очень удобен для занятий живописью.

В четвертом классе учащиеся, как и ранее, работают над натюрмортами, продолжая изучать законы цветоведения, решая разнообразные задачи учебных постановок.

Основными задачами обучения в четвертом классе является:

-Продолжать формировать навыки работы кистью.

-Расширить понятие о цвете, смешении красок, цветовых отношениях, цветовом единстве, гармонии.

- Формировать умение лепить форму предмета цветом.

- Формировать умения и навыки в работе с акварелью (методом «алла прима» и лессировкой).

- Развивать навыки работы гуашью.

- Учить видеть цветовое богатство окружающего мира, связь цвета и формы изображаемого предмета.

- Вырабатывать умение анализировать и сравнивать форму, цвет изображаемых предметов с натурой.

- Воспитывать эмоциональное отношение к работе.

Глава I. Акварель. Из истории развития акварельной живописи

Слово «акварель» произошло от латинского аква – вода. Акварель – это живопись разведенными на воде прозрачными красками. Акварелью называют также и произведение, выполненное акварельными красками.

Акварель наносится на бумагу не густым слоем, а жидко разбавленная водой. Частично впитываясь в размягченную водой основу, она разливается по ее увлажненной поверхности. После высыхания воды на бумаге остается тонкий слой краски. Световые лучи, проходя через этот слой и отражаясь от белой бумаги, как бы освещают цвет изнутри. Вследствие этого качество цвета в акварели зависит от прозрачности или относительной укрывистости красок, толщины и многократности перекрытий красочного слоя. Важное значение имеют пропорции, в которых взята вода и краска, а также тон и цвет бумаги. В акварели весьма важно сохранить цвет чистым, а красочный слой тонким, прозрачным и прочным. Многократные переписки одного и того же места, густые, толстые наслоения краски ведут к потере достоинств акварели: теряется светоносность бумаги, акварель становится «глухой», тяжеловесной или попросту грязной.

Акварель занимает в изобразительном искусстве особое место, потому что ею можно создавать и живописные, и графические произведения - в зависимости от задач художника.

Акварель – очень древняя техника. Равным образом мы находим акварельную живопись в античном мире – в Греции и Риме, и не только в столицах, но даже в отдаленных колониях и провинциях. Из греческого круга живописи нам известны «акварельные» вазы, особо богато представленные в погребениях Пантикапеи (Керчь). Но в данном случае термин «акварельные» дан весьма условно. Во-первых, их техника далеко не у всех одинакова, во-вторых, нет сомнения, что некоторые из них были подвергнуты дополнительному обжигу, что с понятием акварели никак не вяжется. Но при всем этом живопись на вазах по своим тонам, по легкости покрытия, по манере наложения краски кистью, по фактуре мазка удивительно похожа на акварель. О наличии в древнем античном мире начатков акварели определенно подтверждается писателем Плинием (I в. н. э.), который говорит о сортах камедей и об их пользе для врачей и художников.

Позднее акварель сопровождает книжное искусство, являясь основным средством в украшении рукописей, часто с портретами владельцев, т. е. с миниатюрами.

Вплоть до XV века акварель играла вспомогательную роль: ее применяли при докраске, подцвечивании гравюр и рисунков.

Подлинная, т. е. прозрачная акварель начала широко применяться в начале XV века. Замечательные акварели создавал крупнейший художник эпохи Возрождения Альбрехт Дюрер. Это были главным образом пейзажи, в которых он предвосхитил достижения акварелистов, живших несколькими столетиями позже. Акварели Дюрера поражают свежестью, чистотой, ясностью красок.

Расцвет акварели в странах Европы приходится на XVIII век. Поскольку акварель незаменима в передаче стремительно меняющихся состояний природы, эффектов освещения, сильных и ярких впечатлений, неудивительно, что она стала излюбленной техникой эпохи романтизма. Самым знаменитым мастером акварели в Англии был Уильям Тернер, открывший огромные возможности этой техники в создании романтических образов природы. Художник обычно работал на влажном листе бумаги, что позволяло одним мазкам переходить в другие тонкими переливами.

В России в первой половине XIX века подлинный взлет акварельной живописи связан с именем Карла Брюллова. Художник применял разнообразную технику: писал сразу в один слой, клал краску в два-три слоя по сухой поверхности бумаги, тонкой кистью многократно прописывал детали.

Выдающимся акварелистом был Александр Иванов. В его работах исключительно точный и уверенный рисунок сочетается с ясными, насыщенными красками.

В середине XIX века многие русские художники обращаются к бытовому жанру, используя для этого и акварельную технику. Среди них ведущее место принадлежит Павлу Федотову, обладавшему исключительной остротой видения, способностью запоминать и воспроизводить быстро меняющуюся мимику лица, движения человека. Все творчество этого художника пронизано неизменным стремлением к правде.

Прекрасные акварели создавали И. Крамской, В. Поленов, В. Серов, великолепно владел этой техникой И. Репин.

Особое место в истории русской акварели занимают работы Василия Сурикова. Его акварели многокрасочны, темпераментны по исполнению, жизнерадостны, полнозвучны. В них много поэзии, широты, размаха. Суриковские акварели обусловили расцвет этого вида живописи в искусстве многих художников следующих поколений.

Достижения выдающихся русских мастеров акварели стали основой для развития этого вида живописи в более позднее время.

Виртуозно владела акварелью А. Остроумова-Лебедева; с удивительным мастерством создал свои многочисленные акварели С. Герасимов; большой известностью пользуются акварели А. Дейнеки – выдающегося мастера отечественной живописи. Признанным талантом акварельной живописи заслуженно считается А. Фонвизин. Его работы отличаются тонкой и нежной цветовой гаммой, в которой преобладают розово-перламутровые тона. Кистью А. Фонвизин владел с артистичностью. Он писал по влажной поверхности бумаги, очень сочно, смело, легко.

Акварель обладает широкими возможностями в передаче тончайших тонально-цветовых оттенков натуры, особенно атмосферных явлений. Передача пространственности планов, трепетности воздушной среды, состояния освещенности, материальности предметов и т. п. – все это доступно профессионально подготовленному акварелисту.

Глава II. Живопись натюрморта

2.1. Учебный натюрморт

Мир вещей неотъемлем от человека, его деятельности. Повсюду нас окружают вещи, среди которых мы живем.

В художественных произведениях предметы не только дополняют и помогают раскрыть тот или иной образ, но и несут самостоятельную и художественную нагрузку. Художники с древнейших времен изображали людей, предметы, обстановку, животных, птиц, цветы. Они старались, чтобы предметы, к которым прикоснулась рука мастера, были не только функциональны, но и эстетичны. В разное время и в разных странах тема натюрморта всегда была одним из излюбленных жанров в творчестве художников.

Натюрморт интересен и ценен для художника тем, что «обращает живопись к самой себе», ее вечным ценностям и проблемам. Для художника это лаборатория эксперимента, она представляет ему множество возможностей для занятий формальными живописными исканиями.

Натюрморт имеет основополагающее значение в учебно-воспитательной работе с учащимися. Неподвижный, легко и целиком обозримый с небольшого расстояния, сравнительно в постоянных условиях освещения мастерской или другого помещения, натюрморт очень удобен для занятий живописью.

Одно из условий удачной работы – привлекательность натуры. Эмоциональная сторона играет важнейшую роль в учебе, вызывает творческое отношение к процессу рисования. Скучное задание быстро утомляет учащегося, у него появляется желание поскорее и как попало завершить работу. Поэтому процесс постановки натюрморта требует от педагога творческой фантазии, а также определенных знаний в этой области.

Есть общие правила постановки натюрморта. Предметы должны иметь смысловую связь. Композиционный центр всегда хорошо выражен (обычно он находится на втором плане). Часто учебная постановка организуется по принципу подчинения какой-нибудь геометрической форме, чтобы предметы вписывались в треугольник, прямоугольник, квадрат, круг, овал. Композицию можно развернуть по горизонтали, вертикали, по диагонали, причем натюрморт лучше смотрится по возрастающей слева направо – как мы привыкли читать. Зрительное поле человека ограничено некоторой овальной формой, предметы скомпонуются в натюрморте, если войдут в этот овал. При постановке натюрморта необходимо чувствовать гармонию, искать уравновешенность масс, внутреннюю связь предметов, драпировок и цвета. При этом надо иметь в виду не только сами предметы, но и промежутки между ними, часть окружающего пространства.

Натюрморты дают богатую живописную тему, предметы в них находятся в определенном тесном колористическом общении, и этим наглядно объясняются законы композиции, взаимодействия цвета, влияние света, воспитывается чувство формы, материальности, красоты предметов. Проходят испытание упорство и профессиональная взыскательность художника, ведь в натюрморте, когда все предметы находятся рядом и хорошо видны со всеми подробностями, решить задачу цельности изображения особенно трудно. Ни в одном другом жанре живопись не выступает в полной своей красе так, как в натюрморте. Он универсален и незаменим, как лучшая модель для обучения.

2.2. Методика работы акварелью способом лессировки

Существует много приемов письма акварелью, но наиболее распространенные среди них многослойный, в один слой по сухой поверхности (алла прима) и в один слой по влажной поверхности.

Лессировка – способ многослойного нанесения акварельных красок – широко используется при длительной, многосеансной работе над натюрмортом, портретом, интерьером. Этот метод ведения живописного процесса является ведущим в обучении акварели на первоначальном этапе.

Способ лессировочного письма часто употребляется в живописи теневых мест, затемненных интерьеров, удаленных планов. Если однослойная краска выдвигает предмет на передний план, то многослойная лессировка тонкими прозрачными красками удаляет предмет в воздушную среду или погружает его в тень. Лессировка также позволяет добиться полнозвучных, насыщенных цветов. Если ставится задача добиться интенсивности цвета, например, в изображении бархата, бронзы, золота и других насыщенных по краскам предметов, лучше всего использовать лессировки.

Сущность приема лессировочного письма заключается в последовательном нанесении прозрачных слоев краски один на другой. В результате таких перекрытий можно получить самые разнообразные цветовые оттенки. Иногда цвета этих слоев сливаются в один красочный тон; иногда нижние слои, просвечивая сквозь верхний, дают более интенсивный и сложный по своим характеристикам цветовой оттенок. Если, например, просохший слой прозрачной желтой краски пролессировать красной, то полученный оранжевый цвет по своим качествам будет отличаться от чистого оранжевого, а также и от цвета, полученного путем смешения тех же красок и положенного в один слой.

Работая таким методом, следует придерживаться некоторых правил. Сначала лучше прокладывать теплые и интенсивные тона, а затем холодные и малонасыщенные. Теплый тон в первой прописке хорошо чувствуется и оказывает влияние на гармонию красок в законченной работе. Малонасыщенными и холодными цветами целесообразно писать на конечных стадиях работы и преимущественно в верхних красочных слоях. Чаще всего это делается для обогащения или сдерживания ярких низлежащих красок. Положенные вначале, они отнимают свет у основы, и при последующем наложении другого тона краски выглядят тусклыми, грязными.

Обратимся к приложению. Выполним эксперимент: провести черной тушью полосы, после их высыхания проложить сверху интересующую нас акварельную краску и выяснить, какие цвета прозрачные, т.е. лессировочные, а какие нет. Вследствие проделанной работы выясняется, что прозрачных красок в нашем пользовании не так много (золотисто-желтая, кармин, голубая, изумрудная), а в большинстве своем это полупрозрачные и кроющие краски. Такое «открытие» позволяет нам более грамотно, предвосхищая результат, вести живописную работу лессировками

Первые прописки следует начинать с наиболее прозрачных лессировочных красок. Они лучше просвечивают, прочнее соединяются с бумагой и меньше размываются при последующих наложениях краски. Крупнозернистые (непрозрачные) краски, которые не допускают многократных последующих перекрытий, нужно наносить в последнюю очередь. Красочный слой в акварели, построенный от наиболее прозрачных к менее прозрачным краскам, прочнее, интереснее по фактуре.

Последовательность прокладки красок зависит от тоновых и цветовых отношений предметов натурной постановки. Наиболее темные и насыщенные по цвету оттенки прокладываются в первую очередь. При этом работу лучше начинать с наиболее крупных цветовых пятен постановки, имеющих значение для общего цветового строя произведения. Вначале краски прокладываются хотя и несколько слабыми по тону и цвету, но верными по отношению друг к другу. Однако, чтобы цвет не потерял своей интенсивности, краски нельзя наносить очень бледными. Одно место работы желательно перекрывать краской не более трех раз. От многократного размачивания бумага становится рыхлой, поглощает световые лучи, а акварель теряет прозрачность цвета, получается бледной, невыразительной, с грубыми ошибками в тоне. Повторное усиление тоновых и цветовых отношений осуществляется по просохшей краске. Последующие прописки обычно преследуют цели лепки объемной формы, определение полутонов, наиболее густых теней, рефлексов, передачи деталей, приведения изображения к целостности и единству.

Для работы с натуры нет готовых рецептов и правил, пригодных на все случаи, поэтому надо стараться объяснять себе те явления, которые происходят с изменением света, состояния природы. На одной интуиции грамотной работы не написать - нужны знания! Но невозможно научиться рисовать, если знание теории останется теорией. Живописный опыт – единственный и самый верный путь к познанию Искусства.

2.3. Методика выполнения натюрморта

Какими бы ясными ни казались задачи натюрморта и удачным место для работы, приступать сразу к выполнению на бумаге не следует. Вначале надо сделать внимательный анализ натуры, понять ее пластический, цветовой и эмоциональный строй, условия и характер освещения, акцентировать внимание на наиболее характерных и интересных ее качествах. Осознание сущности поставленных задач создает предпосылки для их творческого решения.

Рассмотрим предлагаемый натюрморт. Данная постановка выстроена на родственных цветах, в розово-карминовой гамме; наличие искусственного освещения придает натюрморту теплый колорит. Композиционный и смысловой центр – керамический кувшин. Ягоды, лежащие на белой драпировке, своеобразной салфетке, сахарница, расположенная возле кувшина – все это намекает ученику-фантазеру о вкусном морсе, который хранит в себе главный предмет натюрморта – «статный, важный» кувшин. Рассмотрим натюрморт в тональной последовательности. Самым светлым в постановке является, несомненно, белая драпировка, на втором месте идет розовый фон, затем – клубника, после – сахарница, драпировка цвета красного краплака, ягоды смородины, наконец, кувшин.

Перейдем непосредственно к процессу рисования. Рисунок под акварель необходимо сделать предельно грамотно, тонко отточенным карандашом средней мягкости. Мягкий карандаш оставляет на бумаге много жирного графита. Смешиваясь с водой, он дает трудноудалимую грязь. Грифель повышенной твердости оставляет на бумаге продавленную бороздку, в которую заливается краска.

Закончив подготовительный рисунок, промыть бумагу чистой водой. Это освободит поверхность листа от лишнего графитного порошка и возможного загрязнения.

Этап 1. Решение цвето-тоновых отношений предметов натюрморта

В первой прописке намечаются тонально-цветовые отношения крупных предметов, имеющих решающее значение для колористического построения: фон, драпировка на дальнем плане и на столе, керамический кувшин, металлическая сахарница, ягоды. В цветовом решении фона, стола, драпировок, предметов передаются различия по тону, цвету, теплохолодности. Намечается широкий свет, полутон, тень, рефлекс на каждом предмете в соответствии с характером формы, освещением и удалением предметов. Прописка фона, драпировок, клубники выполняется широкими заливками с мягкими переходами одного цвета в другой; кувшина и сахарницы – по типу мозаичных пятен, но согласованных по размеру, цвету, тону с формой предмета.

Этап 2. Детальная проработка предметов натюрморта

На следующей стадии работы над натюрмортом найденные отношения уточняются, активно моделируется форма предметов. На освещенных местах мазки краски кладутся энергично, форма, детали лепятся четко. Такая фактурная обработка и более тщательная прописка предмета «выдвигает» его вперед. В тени же, напротив, все пишем обобщеннее, с мягкими переходами, без резких контрастов тона, цвета.

Нельзя писать предметы обособленно, т.е. доводить проработку одного из них до определенной законченности, оставляя в то же время незаписанными фон или соседние предметы. Следует внимательно относиться к изменению собственного цвета предметов под влиянием условий освещения, а также цветовой рефлексной взаимосвязи. Так, в нашем натюрморте под влиянием фона коричневый, цвета марса коричневого и сепии, кувшин приобрел множество карминовых оттенков. Трудность работы заключается в том, чтобы, реагируя на окружающие предметы цвета, не увлечься игрой рефлексов, дабы не потерять истинный цвет предметов. Другими словами, необходимо следить за тем, чтобы рефлексы не разрушали форму и локальный цвет предметов.

Этап 3. Тонально-цветовое обобщение натюрморта

Особого внимания требует живопись первого плана натюрморта (рис.3). Первый план надо четко строить в пластическом отношении, внимательно лепить цветом форму, выявлять освещенность, чтобы он служил активным вводом в композицию, воспринимался устойчиво, материально «поддерживал» предметы последующих планов. В нашем случае задача, с одной стороны, упрощается тем, что на первом плане лежит белая, а значит уже активная по тону, драпировка; с другой стороны – сложность заключается в том, чтобы так вписать драпировку в натюрморт, да бы она не вырывалась из общего строя. Работать над белой тканью в натюрморте следует начинать в последнюю очередь, когда все предметы и окружение практически написаны. В акварели белым цветом служит бумага, и если поспешить записать белую драпировку, когда не найдены все цветовые и тоновые отношения окружения, можно перетемнить ее, и тогда белизну вернуть будет невозможно. Поэтому мягкими, нежными, постепенными лессировками «сажаем» белую ткань в картинную плоскость только после того, как будет прописано окружение.

Работая над формой, деталями, не следует упускать из виду общий тон натуры. Надо все время согласовывать с ним живопись отдельных предметов и деталей. Иначе возможны ошибки в колористическом решении натюрморта, ведущие к потере цельности изображения.

На завершающей стадии работы необходимо вновь вернуться к уточнению общего тонально-цветового и пластического решения натюрморта и подчинить ему частности – проверить, нет ли излишне ярких или резких пятен, контрастов, разрушающих цельность, или, напротив, не потеряны ли звучность, насыщенность цвета, контрастность деталей, что снижает выразительность работы.

От общего к частному и от частного к обогащенному деталями общему – таков путь поиска наибольшей выразительности этюда, выявления предметных характеристик: формы, материальности, цветовой и тональной гармонии, освещенности, пространства, живописно-пластической цельности изображения.

Глава III. Методические рекомендации по проведению занятий по живописи в четвертом классе

Рассматривая весь процесс обучения в школе, можно заметить, что умения и навыки накапливаются постепенно, от простых к более сложным, и развитие происходит как бы по спирали: аналогичные по своей сути задачи решаются на разных уровнях сложности. Усложняются учебные постановки, повышаются требования к их композиционному, техническому, колористическому и объемно-пространственному решению.

Уровень подготовки учащихся, как правило, не одинаков. Чтобы не тормозить развитие одних и не сделать задания слишком трудными для других, для группы необходимо ставить несколько постановок разной сложности.

Учебный год в четвертом классе обычно начинается с задания интересного и приятного для всех ребят – этюды живых цветов без вазы на светлом нейтральном фоне. Для натуры лучше брать крупные цветы с ярко выраженной чашечкой цветка. Чтобы они не получились плоскими, особое внимание необходимо обратить на освещение каждого цветка. Крупные массы свяжутся с тоном, если к ним добавить мелкие травинки и листья.

После летних каникул учащиеся быстрее входят в форму, если им дана возможность «расписаться» на коротких, привлекательных постановках только из фруктов и овощей. Это может быть большой ломоть тыквы или арбуза, перцы, помидоры, яблоки, поставленные на листе цветной бумаги. Такие задания носят этюдный характер. Цель – хорошо продумать последовательность ведения этюда, цветовые и тональные отношения, обобщенно вылепить форму предмета, рассматривая ее как площадки, различно повернутые к свету. Необходимо приучить учащихся «лепить форму» раздельными мазками, как бы ощупывая ее в пространстве, добиваться плавного перехода от одного цветового оттенка к другому. Следует также постараться максимально использовать технические возможности акварели, применяя в таких заданиях приемы письма лессировками, метод «алла прима», по-сырому.

Необходимо ставить натюрморты: светлые предметы на темном фоне и наоборот. Сложность таких постановок состоит в нахождении общей тональности натюрморта, таким образом, чтобы вписать предметы в окружение, которые органично «вошли» бы в живопись.

Длительные задания надо чередовать с короткими этюдами в один сеанс. В качестве поощрения учащимся разрешается делать этюды понравившихся им натюрмортов, поставленных для старших классов. Это своеобразный стимул, но необходимо кратко объяснить особенности и пути преодоления трудностей.

Как и в предыдущих курсах, ставим натюрморты в теплой и холодной цветовой гамме, усложняя постановки вводом близких по цвету предметов. Здесь учащимся надо быть предельно внимательными, сравнивать относительную меру теплохолодности на каждом предмете, чтобы натюрморты не получились вялыми, неживописными, написанными одними теплыми или холодными красками.

Следующий этап – натюрморт из предметов быта, различных по материалу. Цель задания – найти живописный язык для изображения стекла, дерева, металла, ткани, усвоить технические приемы. Например, стекло надо писать мазками сочными, звонкими, передающими все разнообразие гладкой, блестящей поверхности. Дерево же пишется шире, мягче, мазок втекает без контрастов, рефлексы тонкие, едва заметные.

Огромное значение в живописи имеет кладка мазка, от широкого, свободного, - до точки. Он должен передавать не только цвет и направление формы, но и быть выразительным, точно характеризовать особенности изображаемого материала, пластику формы, подчеркивать композицию всего натюрморта.

В четвертом классе ставятся задачи цветового равновесия: это может быть декоративный натюрморт, выполненный гуашью, с ограничением цветовой палитры. Решаются задачи композиционные, фактурные (орнамент, узор), задача равновесия цвета.

Завершает год контрольное задание, обобщающее знания, умения и навыки, полученные за год. Это может быть натюрморт из предметов быта, различных по материалу.

Итак, в четвертом классе продолжаем изучать основы профессиональной живописной грамоты. Развиваем умения и навыки в передаче цветовых отношений, светотени, пространства, гаммы и колорита. Синтез этих задач является самым необходимым и важным условием полноценного изображения.

Вопросы связи рисунка и цвета, передача объема, материала должны рассматриваться на занятиях в совокупности, в постоянном и прямом взаимодействии.

Готовых рецептов живописи нет. Чем изобретательнее художник, чем шире он использует возможности материала, чем изощреннее его техника в передаче разнообразных эффектов натуры, тем лучше, живописнее, интереснее его работы. Бесспорно, главная задача педагога передать знания, умения и навыки, которыми он владеет, своим ученикам.

Заключение

Итак, найти свою тему, свои интонации, раскрыть пластические возможности и выразительные средства в натюрморте – важная, первостепенная задача. Признавая особые тематические пристрастия каждого художника, надо отметить, что в течение всей его творческой биографии порой резко меняются не только темы и образы, но и стилистические формы натюрмортных композиций. Но чтобы свободно и артистично переходить от фрагментарной натурной постановки к большому интерьерному полотну с разными планами и пространственными членениями, чтобы от реалистической композиции следовать к кубистической, от «наивной» - к сложно-символической, от повествовательно-перечислительной – к аллегорической и фантастической, необходимо соблюдать определенную последовательность движения от простых задач к сложным, от штудий – к самоценному художественному образу, от конкретных постановок – к картинному обобщенному сюжету.

Часто замысел натюрморта перерастает в картину. Как на заре развития этого жанра натюрморт мысленно вычленялся из общей ткани картины или мозаики, так в современном искусстве из сиюминутного намерения свободной постановки неожиданно рождается картинный сюжет. Этот успех возможен благодаря композиционному мастерству автора, находящего глубокую взаимосвязь предметов, тончайшую организацию форм, линий, пятен и ритмов, слагающих емкий художественный образ, выражающий не только видимый предметный мир, но горячий жизненный пульс, миропонимание, творческое кредо художника.

Бывает, тот или иной известный мастер может вообще не проявиться как автор натюрмортов, не сделать никаких видимых успехов в этом жанре. Но в его картинах можно обнаружить десятки совершенных предметных воплощений – под стать натюрмортной классике. Так что натюрморт – не только штудийный, прибавляющий мастерства жанр, не только камерное, в какой-то мере замкнутое искусство, но и важный компонент больших композиционных произведений. Поэтому с самых первых своих постановок юный художник должен понимать и эстетическую ответственность, и, может быть, историческую ценность своих работ. Ведь о конкретном времени красноречивее самых подробных описаний говорят натюрморты художников – подобно черепкам, утвари, посуде, добытыми археологами в тщательных раскопках и исследованиях.

Список использованной литературы

1. Ганжало Т.А. Натюрморт.- М.: Юный художник, 2003.

1. Марков П. Об акварели или живописи водяными красками. – М.: Московская государственная специализированная школа акварели С. Андрияки с музейно-выставочным комплексом, 2003. – 192 с.

1. Яшухин А.П. Живопись: Учеб. пособие для учащихся пед. уч-щ по спец. №2003 «Преподавание черчения и изобразит. искусства». – М.: Просвещение, 1985.

1. Живопись: Кн. для учащихся / Сост. Л. А. Шитов, В. Н. Ларионов.- М.: Просвещение, АО «Учебная литература», 1995.

1. Натюрморт: от постановки к картине // Юный художник. 2004. №8.- с. 32-35.

1. О чем рассказывает натюрморт // Юный художник. 1997. №11-12.- с. 24-27.

1. Пишем акварелью // Юный художник. 2004. №9.- с.38-41.

1. Пишем натюрморт // Юный художник. 2004. №12.- с.38-41.

Приложение

19