История развития техники пуантилизм

Введение

Техника «пуантилизм» является одним из интереснейших и необычных направлений живописи. В ней все богатство палитры передается чистыми, несмешанными красками при помощи нанесения множество точек или мазков вместо плавных линий. Работа в этой технике с помощью цветовых оттенков и колорита дает более красочное, "живое" изображение. А с помощью черных точек дает ощущение пространства.

Освоение учащимися техники «пуантилизм» развивает колористическое видение, цветовосприятие, учит правильно сочетать цвета, показывает, как использовать знания цветоведения при создании работ с оптическим смешением цветов. Обучение технике «пуантилизм» содержит в себе все те компоненты изобразительной деятельности, которые помогают учащимся развить перспективное видение, происходит эволюция образного мышления, то есть постижение основ изобразительной грамоты. Техника не ограничивает начинающего художника в выборе живописного материала - акварель, гуашь, масло, акрил, темпера.

Цель - научить на уроках изобразительного искусства детей технике «пуантилизм».

Для реализации цели поставлены следующие задачи:

1. Раскрыть историю и развитие техники «пуантилизм» в изобразительном искусстве;

2. Описать сущность наглядных пособий и их значение в образовательном процессе;

3. Разработать методические рекомендации по обучению детей технике «пуантилизм» для педагогов дополнительного образования на учебных занятиях изобразительного искусства

Объект проектирования - концепция наглядного пособия для обучения детей технике «пуантилизм» на учебных занятиях.

Методы проектирования:

- изучение специальных, педагогических и методических

литературных источников, интернет источников;

- моделирование;

- конструирование.

Практическая значимость заключается в том, что данное наглядное пособие может быть использован педагогами дополнительного образования на учебных занятиях изобразительного искусства при знакомстве детей с техникой «пуантилизм».

Глава I. История пуантилизма.

1.1 История развития техники пуантилизм

 История и развитие техники пуантилизм в изобразительном искусстве

Одним из интереснейших направлений живописи является пуантилизм (от фр. pointiller -- писать точками). Это своеобразный художественный приём рисовать раздельными мазками различной формы.

Пуантилизм - это направление в живописи, когда все богатство палитры передается чистыми, несмешанными красками при помощи нанесения множество точек или мазков вместо плавных линий. Пуантилизм явился результатом интереса французского живописца Жоржа Сера (французский художник - постимпрессионист) к научной теории цвета и поиска собственного стиля Всколыхнувший во второй половине XIX века мир художников стиль живописи – неоимпрессионизм – в 1885 году во Франции породил уникальное направление – пуантилизм. Критики крайне нелестно отзывались о технике, исключившей смешение цвета на полотнах картин. Но пуантилизм нашел своих поклонников.

Картины пуантилистов легко определить с первого взгляда. Они состоят из отдельных точечных или прямоугольной формы мазков. Сама техника получила название от французского слова pointiller, означающего «писать точками».

Каждая точка в картинах пуантилистов находится на небольшом расстоянии от других, и, значит, ее цвет не смешивается с цветом соседней точки. Однако работу по соединению цветов и превращению отдельных точек в единое полотно выполняет человеческий глаз. Именно это ежесекундно делают наши глаза, когда мы смотрим на что-либо.

Пуантилисты не преследовали идею удивить кого-либо необычной и довольно сложной техникой написания картин. Они стремились передать в своих работах движение воздуха, энергию природы. И это им прекрасно удавалось. Впрочем, нашлись критики, заявившие, что пуантилизм исключает творчество, а написание картин превращает в нудное механическое занятие. Но это совсем не так.

Увлеченный теорией цвета, изучавший труды Ш. Блана, О. Руда и Э. Шеврёля, молодой художник Жорж-Пьер Сёра решил применить свои знания на практике, создав полотно, состоящее из точек и при этом не смешивая. Согласно теории цвета, находящиеся рядом точки разных цветов человеческий глаз смешивает в один цвет. К примеру, стоящие рядом желтая и синяя точки с определенного расстояния будут казаться человеку зеленым пятном. В этом можно убедиться на примере знаменитой картины Ж-П. Сёра «Воскресный день на острове Гранд-Жатт», ввергшей в шок критиков на выставке работ импрессионистов в 1886 году. Картина получилась невероятно живой, многомерной. Контрастные точки создают эффект колеблющегося воздуха. Сёра достиг нужного эффекта – ему удалось передать красоту и естественность световоздушной среды.

Целью всех живописных экспериментов было создание живописного аналога световоздушной среды. При небольшом отходе от картины цвета смешиваются у зрителя на сетчатке глаза, вызывая ощущения вибрирующего воздуха и изменчивого света.

В зависимости от стиля мастера, картины в технике «пуантилизм» могут быть детальными или небрежно-расплывчатыми. Работы, выполненные с помощью цветных точек, подвергают сомнению прочность и материальность окружающих вещей, меняется отношение к изображению мира. Главным становится трепетный свет, воздух, в который погружены фигуры людей и предметы. В картинах чувствуется ветер, влажная после дождя, нагретая солнцем земля. Игра красок создает переливы, сравнимые с солнечными бликами на водяной поверхности. А глаз зрителя сам добавляет ей движения и естественности. Многие критики того времени считали, что новый метод письма сводил на нет творческую индивидуальность художника и превращал его работу в скучное механическое нанесение мазков. Но это было совершенно не так. Техника «пуантилизм»помогла создать яркие, контрастные и очень красивые картины. Картины просто завораживают своей красотой и необыкновенностью, заставляют зрителя восхищаться ими уже только потому, что они «написаны точками».

Пуантилизм уделял больше внимания разделению цветов - вместо того, чтобы смешивать цвета механически, на палитре, художники предоставили делать это самому зрителю: сливаясь на сетчатке человеческого глаза, точки и штрихи чистых цветов образуют цельную картину.

Серьезно и основательно пуантилизм практиковали весьма немногочисленные художники: Жорж Пьер Сёра, Поль Синьяк - французский художник - неоимпрессионист, представитель направления пуантилизма, Анри Кросс - французский художник, один из крупнейших представителей неоимпрессионизма. Однако влияние пуантилизма и дивизионизма ощутили на себе многие - Люсьен Писсарро -французский и английский художник, график и ксилограф, Шарль Теофил Ангран - французский художник-постимпрессионист и неоимпрессионист, Анри Матисс - французский художник и скульптор, Пабло Пикассо - испанский художник, скульптор, график, театральный декоратор, керамист и дизайнер

Современные авторы так же обращаются к пуантилистической манере письма, хотя в большинстве случаев, это скорее уже несколько видоизмененная, авторская, техника. Если у Сёра и его последователей смешение цвета на палитре не использовалось, то современные пуантилисты чаще всего не столь принципиальны в этом вопросе. Нужно заметить, что работа, написанная с использованием красочных смесей, хорошо воспринимается глазом даже с относительно небольшого расстояния.

Идею Ж-П. Сёра поддержали такие художники, как Поль Синьяк, Анри Кросс. И даже один из основателей импрессионизма – Камиль Писарро – 5 лет работал в стиле пуантилизма.

Пуантилизм Сёра открыл множество возможностей для экспериментов. К примеру, Поль Синьяк экспериментировал с расстоянием между точками. Если у Ж-П. Сёра мазки были примерно на равном расстоянии друг от друга, создавая эффект плавного движения, то на картинах Синьяка точки то сближались, то удалялись друг от друга, благодаря чему достигался эффект энергичного движения и объемности отдельных элементов.

Уже то, что контрастные по цвету точки, расположенные рядом, при удалении от них будут казаться единым по цвету пятном, вызывает неподдельный восторг у детей. И потому пуантилизм широко используется в детском творчестве.

Немало времени нужно малышу, чтобы обрести умения и навыки правильно держать в руке карандаши и кисти, наносить плавные линии на бумагу. Неудачи в традиционном рисовании нередко приводят ребенка к отказу от занятий. Но работа с цветом – важнейшая часть обучения, развивающая творческое мышление, внимание и память. На помощь приходят приемы пуантилизма. Самый простой из них – пальчиковое рисование, когда малыши наносят краску на бумагу подушечками пальцев.

Пуантилизм в творчестве великих мировых художников

СЁРА Жорж Пьер (1859-1891)

 Великий французский художник, импрессионист. Родился 2 декабря 1859 года в Париже. Стал одним из самых известных художников неоимпрессионизма. Жорж-Пьер Сёра прославился тем, что стал основателем нового стиля в авангардной живописи, который был назван «пуантилизм». Пуантилизм — рисование точками.

Жорж Сёра родился в богатой семье и с детства увлекался рисованием. Повзрослев, поступил в Школу изящных искусств. Во время своих занятий живописью постоянно находился в поисках нового, тяготел к импрессионизму и разрабатывал новые методы, которые послужили созданию нового направления в неоимпрессионизме. Художественный приём, изобретённый талантливым художником, заключался в том, что вместо мазков он стал использовать точки разных цветов. Отдельные цветовые точки создают оптический эффект. Зритель, который смотрит на эти картины с некоторого расстояния, ощущает воздействие оптической иллюзии. Точки сливаются в одно единое целое, делая ясным тот или иной сюжет, однако за счёт необычной фактуры картин, которые написаны исключительно разноцветными точками, они приобретают особое настроение и вызывают восхищение.

Над теорией дивизионизма (разложение цвета) и совершенствованием пуантилизма Жорж-Пьер Сёра работал совместно с другим известным французским художником Полем Синьяком (Paul Signac, 1863-1935). Самой первой выдающейся работой Жоржа Сёра считается «Купальщики в Аньере» (1883), которая была отклонена Парижским салоном, после чего он предпочёл работать с независимыми художниками. Первой картиной в стилистике пуантилизм считается «Воскресный день на острове Гранд-Жатт» (1884), которая и сегодня считается бесценным достоянием мирового искусства.

СИНЬЯК Поль (Paul Signac). 1863-1935

Французский художник. Представитель пуантилизма.

Родился в Париже 11 ноября 1863 года. Художник воспитывался в семье состоятельного человека. Его отец владел магазином. Полноценного образования по классу живописи Синьяк не получил.

Манера работы складывалась под влиянием картин импрессионистов, таких как Моне. Знания и умения Поль Синьяк приобретает в основном самостоятельно.

Он знакомится с Ж. Сёра, который входил в «Общество независимых художников». Под влиянием Жоржа Сёра Синьяк увлеченно изучает труды Гельмгольца, Шевреля. Благодаря этим работам художник постигает тайны цветового и светового оформления.

В результате Синьяк работает, нанося отдельные точки несмешанными красками. Такая техника делает Синьяка теоретиком и активным пропагандистом пуантилизма, нового метода в живописи.

В целом Синьяк в своем творчестве ориентируется на манеру Ж. Сёра, но вносит в нее свои дополнения. Так, художник отказывается от космического видения окружающего. Природа на картинах Синьяка изображена с точки зрения обычного земного человека, соответственно, и сами пейзажи выглядят обыденнее и проще.

Излюбленная тематика Синьяка – средиземноморское побережье Франции. Но немало картин Синьяк посвятил и красотам других стран: Италии, Голландии. Пейзажи художника одинаково вдохновлено изображают водную гладь и индустриальные сюжеты.

П. Синьяк предпочитал работать в мастерской. По его мнению, работать масляными красками на открытом воздухе неудобно. Однако те работы, которые мастер выполнил на пленэре акварельными красками, необыкновенно живы и темпераментны.

Синьяк стал одним из основоположников неоимпрессионализма. Его работа «От Эжена Делакруа до неоимпрессионализма», опубликованная в 1899 году, стала неким манифестом нового направления.

Известность пришла к художнику при жизни, он получил Орден Почётного легиона в 1911 году.

КРОСС Анри Эдмон(1856 – 1910) (фр. Henri Edmond Cross, настоящее имя Henri Edmond Delacroix) — французский художник, один из крупнейших представителей неоимпрессионизма.

Ponte San Trovaso (1902—1905)

Получил юридическое образование, после чего учился живописи в школе Ф. Бонвена. Ранние работы написаны Кроссом в реалистической манере, «тяжёлым» цветом, и лишь попав под влияние Моне и Сёра, начинает писать свои картины лёгкими, яркими красками.

После того, как Кросс в 1884 году вместе с Синьяком и Сёра основывает Салон Независимых, он принимает пуантилистскую манеру живописи, однако свои маринистские произведения, обнажённую натуру и портреты выполняет большими, широкими мазками кисти. В связи с преимущественным использованием в работе «основных» красок, Кросс рассматривается также как предшественник фовистов. В поздних работах чувствуется итальянское влияние — более мягкий стиль и не столь систематизированная техника рисунка. Кросс написал также много акварелей.

ПИССАРО Камиль (1830—1903)

Французский живописец, один из первых и наиболее последовательных представителей импрессионизма.

Писсарро начинал как ученик Камиля Коро. В этом выборе учителя уже сказалась врождённая любовь художника к пейзажной живописи. Но не меньше внимания в начале своего творческого пути Камиль Писсарро уделяет и рисунку. Уже в ранних работах художник особое внимание уделял изображению освещенных предметов в воздушной среде. Свет и воздух стали с тех пор ведущей темой в творчестве Писсарро.

Постепенно Писсарро стал освобождаться от влияния Коро, у него созревал собственный стиль. С 1866 года палитра художника становится светлее, доминантой его сюжета становится пространство, пронизанное солнечным светом и лёгким воздухом, а свойственные Коро нейтральные тона исчезают.

После знакомства с Жорж-Пьером Сёра в 1890 году Писарро увлёкся техникой пуантилизма (раздельного наложения мазков). Но эти работы очень плохо продавались. К тому же то, что хотел передать с помощью этой техники Писсарро, постепенно исчерпало себя и перестало приносить ему художественное удовлетворение. Писарро вернулся к своей обычной манере.

Необычный ракурс этих полотен объясняется тем, что художник писал их не на улице, а из гостиничных номеров. Эта серия стала одним из высших достижений импрессионизма в передаче света и атмосферных эффектов и во многом его общеизвестным символом.

Писсарро писал также акварелью и создал немало офортов и литографий. Для литографий он даже купил специальный станок и установил его в своём доме.

Так же нужно отметить современных мировых представителей данной техники, а именно самыми известными современными пуантилистами считаются Бенджамин Лаадинг и Мигель Эндара.

ЛААДИНГ Бенджамин (Benjamin Laading). Правда, в творчестве Бенджамина нет ни пейзажей, ни портретов из разноцветных точек, - он предпочитает рисовать буквы.

Издалека рисунки, созданные Бенджамином, могут напоминать тэги, которыми, как правило, украшены бетонные заборы и гаражи во дворах, а также стены многоэтажек, остановки и бигборды. Но эти тэги рисуют дилетанты краской из баллончиков, и ничего оригинального в них, как правило, нету. Письмена же Бенджамина Лаадинга заставляют восхищаться терпением и усидчивостью автора, его целеустремленностью и силой воли.

ЭНДАРА Мигель (Miguel Endara)

Испанский художник наверняка обладает усидчивостью бронзовой статуи, ангельским терпением и целым вагоном свободного времени. Иначе у него не было бы ни единого шанса преуспеть в такой сложной и кропотливой работе, как рисование картин из точек, в технике пуантилизма. Ежедневно ему приходится проводить по 6-8 часов, склонившись над листом бумаги и сжимая в руке чернильную ручку. Последним проектом автора стала картина под названием Hero, портрет его собственного отца, нарисованный из 3,2 млн. точек.

О некоторых пуантилистах мы писали на Культурологии.Ру, вспомнить хотя бы точечные портреты Пола Норманселла (Paul Normansell), портрет собаки из сахарных шариков, созданный Джоэлем Брошу (Joel Brochu), картины Бенджамина Лаадинга (Benjamin Laading). Одни говорят, что этот процесс успокаивает и помогает упорядочить мысли. Других такая монотонная работа наоборот, раздражает. Мигель Эндара наверняка относится к первой категории художников, и надо сказать, таких как он в искусстве немного

Если бы художник был индейцем, ему бы наверняка присвоили имя "Твердая рука". Без этой особенности рисование портретов из крохотных точек было бы попросту невозможным. Сложно даже представить себе человека, который коротает дни, а то и недели, нанося на размеченный лист бумаги точку за точкой, заполняя пространство так, чтобы в итоге из точек сложилось полноценное изображение. Со светом и тенью, полутонами и плавными переходами. Так, портрет собственного отца, лаконично названный Hero, занял у Мигеля Эндары 210 часов, а это ни много, ни мало, почти целый месяц жизни. 

1.2 Пуантилизм в творчестве русских художников

ГРАБАРЬ Игорь Эммануилович (1871-1960)

Игорь Эммануилович Грабарь родился 13 марта 1871 года в Будапеште, в семье русского общественного деятеля Э. И. Грабаря. В 1876 г. его родители, бывшие в числе сторонников славянского освободительного движения, переезжают в Россию.

Детство Игоря было нелегким. Мальчик часто разлучался с родителями, оставаясь на попечении чужих людей. С детства он мечтал о живописи, старался быть ближе к художественным кругам, посещал все выставки, изучал коллекцию Третьяковской галереи.

С 1882 по 1989 год Грабарь обучается в московском лицее, а с 1889 по 1895 в Санкт-Петербуржском университете сразу на двух факультетах – юридическом и историко-филологическом. После окончания университета, он поступил в петербургскую Академию Художеств

1895 году он обучался в мастерской Ильи Репина, где в это же время учились Малявин, Сомов, Билибин.

Лето 1895 года во время каникул, Грабарь путешествует по Европе, посещает Берлин, Париж, Венецию, Флоренцию, Рим, Неаполь. Его настолько восхищают творения величайших художников эпохи Возрождения, что он решает путешествовать дальше и просвещать себя.

В 1910-1923 годах он отошел от живописи и увлекся архитектурой, историей искусства, музейной деятельностью, охраной памятников.
Он задумывает и осуществляет издание первой «Истории русского искусства» в шести томах, пишет для нее важнейшие разделы, публикует монографии о Валентине Серове и Исааке Левитане.
В период с 1913 по 1925 год художник возглавляет Третьяковскую галерею. Здесь Грабарь произвел реэкспозицию, разместив и систематизировав все произведения искусства в исторической последовательности. В 1917 году он издал каталог галереи, который имеет значительную научную ценность.
Игорь Эммануилович является одним из основателей музееведения, реставрационного дела и охраны памятников искусства и старины. В 1918 году художник создает Центральную реставрационную мастерскую. Он помог спасти многие произведения древнерусского искусства и результатом проведенной работы мастерских, было открытие многочисленных выдающихся памятников древнего русского искусства — икон и фресок в Новгороде, Пскове, Владимире и других городах.

В 1926—30 Грабарь был редактором отдела изобразительного искусства Большой Советской Энциклопедии.

С 1924-го и до конца 1940-х годов Грабарь вновь возвращается к живописи, особое внимание уделяет портрету, изображая своих близких, ученых и музыкантов. Среди его знаменитых портретов «Портрет матери», «Светлана», «Портрет дочери на фоне зимнего пейзажа», «Портрет сына», «Портрет академика С. А. Чаплыгина». Широко известны и два автопортрета художника «Автопортрет с палитрой», «Автопортрет в шубе».

В советское время Грабарь увлекся творчеством Андрея Рублёва и И. Е. Репина. В 1937 году он создал двухтомную монографию «Репин». Эта работа принесла Грабарю Сталинскую премию. С 1944 Грабарь является директором института истории искусств Академии наук СССР.

Грабарь пользовался неоднозначной репутацией среди коллег. Многие называли художника «Угорь Обмануилович Гробарь». Именно Грабарь пошел против воли П. М. Третьякова, который завещал оставить в неприкосновенности собранную им галерею, устроив в Лондоне выставку русского искусства, которая должна была быть продемонстрировать Советскую Россию миру.

Умер Игорь Эммануилович 16 мая 1960 года в Москве.

МЕЩЕРИН Николай Васильевич (1864-1916)

Николай Васильевич Мещерин по праву считается одним из величайших русских импрессионистов. Большинство его работ были посвящены воспеванию красоты родной земли: степей, лугов и полей. На сегодняшний день сохранилось немногим более 40 работ художника. Некоторые из них осели в частных коллекциях, другие хранятся в Доме-музее Левитана в Плёсе, Музее изобразительных искусств в Казани, Киевском музее русского искусства и в нескольких не самых известных картинных галереях в разных городах страны. «Не избалован» Мещерин и персональными выставками: за последние сто лет их было всего две. А ведь имя этого художника входит в число тех русских живописцев, творчество которых и представляет русский

Кстати, одним из направлений импрессионизма стал пленэризм. Картины в этом жанре писались на натуре, зачастую всего за один сеанс, без доработки в мастерской. Поэтому основным жанром пленэризма стал пейзаж и городская зарисовка. Чтобы успеть закончить работу и постоянно находиться под впечатлением от увиденного, художники должны были работать очень быстро, что привело к рождению новой техники письма короткими мазками. Кстати, благодаря пленэру стали выпускаться краски в тубах. До этого художники готовили их сами в своих мастерских. Изменилась и цветовая палитра пленэристов: они, например, отказались от чисто белого и черного цветов. Так, Ренуар писал: «Даже тень не бывает черного цвета - она всегда окрашена. Природе ведом только цвет» А размытые контуры предметов и использование контрастов производили эффект живого мерцания красок на полотне. Конечно, на полотнах русских художников того времени мы не увидим настолько яркого проявления импрессионизма. Но это не значит, что новые веяния обошли Россию стороной. Конечно, французской легкости и яркости взяться было неоткуда – не та природа, северное солнце. Совсем другие глаза смотрели на наши скромные и неяркие русские пейзажи, совсем другие виды были вокруг. Отечественному пленеризму были свойственны уверенные, насыщенные оттенки, роднящие палитру с реалистичной. И яркое свидетельство тому - творчество Николая Васильевича Мещерина, несправедливо забытого в наше время художника, лучшие полотна которого можно с полным основанием отнести к направлению пленеризм. Родился художник в 1864 году в довольно богатой купеческой семье. Повинуясь законам домостроя, он был вынужден продолжать дело отца и ни о каком художественном образовании даже не мечтал. Все его «живописное ученичество» свелось к нескольким урокам у молодых и только впоследствии ставших знаменитыми Корина, Аладжалова, Левитана. Первые этюды художника выдавали в нем способного самоучку. Но упорный труд и желание добиться результатов не прошли бесследно: в 90-х годах XIX века Николай Мещерин стал довольно известен в кругу московских художников. В своем творчестве он отдавал предпочтение камерным пейзажам. На них изображены виды Дугина, где находилось поместье Мещериных, и его окрестностей. Эти работы по технике исполнения относились, безусловно, к реализму, но глубоко интимное отношение к неброской красоте родного края, поэтично и тонко переданные образы природы уже выходили за рамки только правдивого отображения действительности. Отсутствие академического образования в какой-то степени оказалось Мещерину «на руку». Его не сковывали жесткие рамки понятий о том, «как можно и как нельзя писать», художник был свободен в выборе средств выражения своих творческих замыслов. Может быть, именно поэтому он гораздо смелее, чем его современники, экспериментировал со светом, цветом и техникой письма. Мещерин был одним из первых в России художников, которые взяли на вооружение импрессионистический метод пуантилизм, который представлял собой письмо мелкими мазками правильной, точечной или прямоугольной формы.

Есть в этих полотнах одна особенность: они были новаторскими по технике, но исконно русскими по содержанию. И в этом смысле его живопись близка к полотнам великих русских пейзажистов.

КУЗНЕЦОВ Юрий (1948 – 2012)

Жизнь художника-иконописца была подобна океану, вмещающему многое и бурлящему разноцветными красками. У него был особый и редкий дар: соединять несоединимое и давать этому новую жизнь. И это проявлялось во всем: и в жизни, и в творчестве. Иконы кузнецовского письма в полной мере подтверждают это. Написать каноническую православную икону, используя при этом приемы, разработанные французскими пуантилистами сто лет назад, – это ли не чудо?! Еще большее чудо – объединить посредством икон совершенно разных людей, которые без них никогда бы не встретились друг с другом.Пуантилизм в творчестве русских художников

Свою первую православную икону Юрий Кузнецов написал в 1994 году в возрасте 46 лет. Это стало началом его многотрудного пути иконописца, на который его благословил сначала благочинный Ковровского и Камешковского района отец Стефан, затем архиепископ Владимирский и Суздальский Евлогий, а в 2006 году Юрий Эросович получил благословение от Патриарха Московского и Всея Руси Алексия II. К этому времени за его плечами уже был 30-летний опыт работы художником в различных областях: от оформительской деятельности (клубы, дома культуры, рестораны, магазины) до создания предметов декоративно-прикладного искусства – шкатулок, пасхальных яиц, тарелок, украшений, иконных окладов. И при этом специального художественного образования не имел. Первые уроки живописи брал у отца – известного в городе Коврове Владимирской области акварелиста Эроса Васильевича Кузнецова. Историю и технологию иконописи Юрий Эросович постигал сам, занимаясь с большим усердием,

что и помогло ему почувствовать в себе силы и самому приступить к написанию икон.

Для нас, зрителей, на иконе много орнамента и разноцветных точек, а для иконописца это живые элементы присутствия святого в поле нашего видения. Когда Юрий Кузнецов писал святого, то зачастую обращался к нему за помощью, чтобы "вместе" явить его образ максимально точно. Между ними устанавливался молчаливый диалог. Слова были не нужны, иконописец хорошо понимал язык цвета.

"Икона не является выражением опыта только того человека, который ее пишет, - говорит Антоний Митрополит Сурожский, - она является выражением всецерковного опыта. Художник не выдумывает икону, он погружается в богопознание, общее для всей Церкви. Он приобщается через свое сердце, через свою мысль ко всей тайне постепенного познания Бога в пределах человечества". Именно на это "погружение в богопознание" ушли многие годы жизни Ю.Э.Кузнецова, прежде чем родился особый метод иконописания, зарегистрированный Российским авторским обществом 15 марта 2006 года как "кузнецовское письмо"

МАКАРОВ Никита.

Художник Никита Макаров, родился в России, в Москве 2 мая 1980 года, вырос в Германии. Учился в институте имени Сурикова, участвовал в росписи храма Христа Спасителя и стал самым молодым членом-корреспондентом Российской академии художеств. Ему всего 36. В его роду были женщины - музы Константина Бальмонта и Максимилиана Волошина, а также мужчины, принадлежавшие к интеллектуальной элите своего времени.

В детстве засыпал под строки: "влечься к чужому не лучшее в человеке, своего взыскуй..." древнегреческого поэта Пиндара, в отрочестве раскапывал средневековые городища Русского Севера, свою комнату превращал в арену войны «алой и белой розы». Из пластилина выстраивались готические города: замки, башни, мосты, крепости, форты, заселенные рыцарями. При этом фигурки рыцарей высотой в сантиметр отличались друг от друга мастерски вылепленными доспехами, шлемами и прочим, прочим, что существовало в воображении. В 2009 году Никита Макаров с отличием закончил художественный институт имени Сурикова. Он продолжил семейную династию живописцев: Андрей Макаров, Елена Леонова, на чьих пейзажах русской провинции взрастал.

По сути своей, картины Никиты принадлежат совершенно иной культуре, чем та, которую нам предлагает XXI век. Его художественный мир – особенный. Этот мир, где как в замке Нойшванштайн, искусство говорит с искусством и об искусстве. 

"Париж у меня ассоциируется, прежде всего, с Газдановым и Георгием Ивановым. Италия – с Буниным, Гиппиус, Мережковским и, конечно, с Гоголем. Германия – с Ходасевичем. Венеция для меня – это Дягилев, Стравинский, Бродский" - поясняет Никита Макаров."

ДОЛГАНОВ Владислав. Начинающий художник работающий технике пуантилизм. Родился в городе Магнитогорск, заканчивает в этом году институт. Известен своими портретами известных людей, а так же разных абстрактных рисунков.

Глава II. Наглядные пособия к урокам.

2.1 Изучение техники пуантилизм на занятиях с детьми.

Для того чтобы научить ребенка рисовать в данной технике стоит придерживаться некоторых рекомендаций.

При механическом смешении возникают неприятные последствия, связанные не только с возможностью химической реакции смешиваемых пигментов, но и с отличием величины частиц пигментов, отражением света в мутной среде, какой является связующее. И еще много других причин, о которых зритель даже не догадывается, но которые изрядно “треплют нервы” живописцам. И тогда можно прибегнуть к технике пуантилизма.

Прежде чем познакомить детей с техникой пуантилизма, необходимо дать историческую справку возникновения этой техники.

Известно, что воздействие света на сетчатку имеет некоторую длительность, в результате происходит синтез. Средство выражения -- это оптическое смешение тонов, цветов (локального цвета и цвета освещения: солнца, керосиновой лампы, газа и т.д.), то есть различного света и реакций на него, соответственно законам контраста, градаций и излучения. Согласно теории, опиравшейся на закон одновременного контраста и оптического смешения, традиционные тона палитры можно восстановить через противопоставление не только дополнительных цветов, но и 18 тонов призмы [8].

Пуантилизм противопоставил беспорядочности и хаотичности мазков импрессионистов четкую систему вычисления и наложения точек, что делало работу художника очень сложной и трудоемкой, а способ письма строгим и сухим, но в тоже время привел к эффекту создания более интенсивных цветов, тонов и света в живописи. Плоскостно - декоративные картины систематически заполнялись мазками правильной формы.

Существует другой способ смешения цвета - оптический. Такой способ сейчас применяется в современной цифровой техники. Этот способ и используется в пуантилизме.

Расположенные рядом четыре желтых квадратика (возможны другие геометрические фигуры) воспринимаются желтым пятном, аналогично, синие - синим. Два синих + два желтых = зеленым. Один синий + три желтых = желто-зеленый. Три синих + один желтый = сине-зеленый. И так до бесконечности. В современном понимании - это пиксель, т.е. точка на математическом языке [15].

Пуантилизм оказал очень большое влияние на развитие живописи в будущем. Приемами этой техники активно пользуются современные художники.

Существует парадокс одновременного отрицания и признания данного метода. Проблема в трудоемкости наложения красок, когда процесс отнимает несоразмерно много внимания и сил, отвлекая от главного. При работе в данной технике необходимо использовать ряд материалов и инструментов.

На занятии понадобятся:

- белая бумага формата А4;

- краски: гуашь всех цветов;

- палитра;

- стаканчик для воды;

- кисть тонкая круглая с острым концом, или палочка с ватным наконечником.

Главная особенность пуантилизма: мазки должны быть небольшими, любой формы.

Техника не ограничивает художника в выборе живописного материала - акварель, гуашь, масло, акрил, темпера.

Для того чтобы дети правильно выполнили работу им необходимы дополнительные знания: умение составить эскиз, разработать композицию, чтобы получилась полноценная картина, а не только единичный предмет, например, бабочка или животное. Картина должна обрасти окружающей средой.

Роль учителя показать начальный этап работы - например, бабочка в технике пуантилизма, рыбки, животные. Учитель объясняет умение создавать глубину в картине: чем больше точка, тем ближе предмет, также она должна быть более насыщенной, в тоже время за счет размера точек показать тень на предмете и под предметом. Чем меньше точка, тем отдаляется предмет и в тоже время высветляется его поверхность

8