Хореографическая подготовка и сцендвижения артистов (вокалистов): координация движений, точки и акценты в музыкальном сопровождении, заполнение сцены.

Хореографическая подготовка и сцендвижения артистов: координация движений, точки и акценты в музыкальном сопровождении, заполнение сцены.

РИТМИКА И КООРДИНАЦИЯ ДВИЖЕНИЙ

Хореография и эстетика сценических движений имеет огромное значение для восприятия зрителем артиста. В данном случае язык жестов, пластика и ритмичность исполнителя играют важную роль в завершении образа, который транслирует артист. Во многом динамичность, пластика и ритмическая точность зависят от РИТМИЧЕСКОГО СЛУХА исполнителя. В эстрадном жанре, где львиную долю репертуара занимают подвижные, динамичные произведения – это особенно важно. С лирическими и протяжными произведениями этот момент может не иметь такого значения и данная проблема (если она есть) может ещё долго не обозначаться до определенного момента.

3 вида слуха:

1. Мелодический

2. Гармонический

3. Ритмический

Идеальным считается наличие всех трех видов слуха. Но чаще все же наблюдаются, как минимум, проблемы с одним из видов.

Если ритмическая активность всё же присутствует, важным моментом является наличие КООРДИНАЦИИ ДВИЖЕНИЙ. Тот случай, когда тело слушается тебя, и работает синхронно с твоим ритмическим слухом и ощущениями. То есть МАЛО НАЛИЧИЯ ТОЛЬКО ГАРМОНИЧЕСКОГО СЛУХА, НЕОБХОДИМА ЕГО КООРДИНАЦИЯ С ТЕЛОМ.

Отсутствие или наличие ритмической активности артиста в такой же мере, как и попадание в ноты, говорит о его музыкальности. (походка артиста, выход, покачивания, хлопки и тд).

На данном этапе важна хореографическая подготовка артиста (ученика). Артисты (ученики) в прошлом или настоящем времени занимающиеся хореографией любого рода, справляются с этой задачей гораздо успешнее.

С учеником всегда необходимо прорабатывать определенную лекалу движений на сцене, до тех пор, пока он сам не сможет предлагать альтернативное видение номера, его драматургии, характера, динамического развития и тд.

Если учащийся еще не умеет сценически импровизировать, перемещаться по сцене и работать со зрителем, необходим детальный разбор формы песни покуплетно, с движениями рук и ног, хлопков и прочее. Движения необходимо «втанцовывать» и доводить до автоматизма. Это поможет разгрузить умственную деятельность во время выступления и, в свою очередь, натренировать дыхательный и вокальный аппарат, который будет готов к исполнению произведения ни в состоянии покоя, а в состоянии средней или высокой активности.

ТОЧКИ И АКЦЕНТЫ.

Эстрадный жанр, современные аранжировки интересны своим музыкальным наполнением, саундом, современными семплами, ритмическими сбивками и прочее. Артист не может существовать от них отдельно. Так же как артист, работающий с оркестром или концертмейстером, ловит каждое его движение, так и исполнитель, работающий с фонограммами -1, должен составлять со своим музыкальным, не живым сопровождением единое целое.

Это происходит за счёт обозначения:

- пауз

- замедлений

- сбивок

- ускорений

- насыщение или ослабление оранжировки

- основного бита

- кульминационных акцентов.

Все выше перечисленные музыкальные акценты могут быть обозначены практически любой частью тела: ногой, рукой, головой, взмах, хлопки и тд. Исполнитель, обыгрывающий кульминацию песни и ее основные акценты, не только вокально, но и посредством невербалики (мимика, жесты, взмахи и тд) делает образ более ярким и запоминающимся для зрителя. Таким образом артист усиливает музыкальную составляющую за счет визуализации, когда зритель может не только услышать звуки/аранжировку, но и увидеть их.

ЗАПОЛНЕНИЕ СЦЕНЫ

Заполнение сцены – это максимальное и логичное использование глубины и ширины сцены для внесения в номер разнообразия, его дальнейшего развития для поддержания интереса и внимания зрителя.

Важным моментом в сценическом мастерстве, а особенно сольном исполнительстве, является симметрия.

СИМММЕТРИЯ – играет большое значение в реализации зрелищности и логичности номера.

Психология человека и его глаз устроен так, что всё симметричное и более упорядоченное мы воспринимаем как более положительное и правильное. И зрелищность сценических представлений во многом базируется на этом. И, конечно, не забываем про комфорт восприятия: зрителю, в идеале, должно быть всё видно и всё слышно. Только тогда он сможет по достоинству оценить выступления артистов, а исполнитель сможет максимально точно донести образ и смысл произведения/номера.

Основная схема направления движений в номере:

Выход в центр - движения к правой кулисе – движение к левой кулисе (либо наоборот) – возврат к центру – выход на авансцену (в кульминации) – завершение номера по центру сцены.

Эта форму можно взять за основу, но не придерживаться её досконально. Всё, конечно же, зависит от сцены, её размеров, заполненности (наличие каких-либо предметов, декораций и инструментов на ней). Исполнитель (ученик) должен перед выходом оценить всё свободное пространство, которое можно задействовать, если того требует номер.

Смена положения на сцене должна быть логичной, опираясь на музыкальную форму (такты, квадраты и тд.) и поэтическую форму (куплет, строфа, строка).

Если речь идет о репетиционном процессе, то уже там, в условиях учебного класса\студии\зала ученик должен стараться максимально, по возможности, использовать всё свободное пространство, если того требует драматургия номера. И уже непосредственно перед выступлением, предварительно ознакомившись со сценой и оценив её комфорт и характеристики, доработать и, если это необходимо, изменить свою основную «лекалу выступления». Тем самым исполнитель сможет избежать форс-мажорных обстоятельств во время выступления, которые могут помешать, но при этом добиться поставленной задачи, которую он перед собой ставит.