Проект на тему :"Промыслы народов России2

Муниципальное бюджетное общеобразовательное учреждение

Кощинская средняя школа Смоленского района Смоленской области

Проект по географии

на тему:

«Промыслы народов России»

Клименкова Вероника

ученица 10 класса

Учитель: Барнёва Н.П.

2022г

Цели работы:

1. Закрепить и расширить знания об особенностях промыслах народов России. Совершенствовать умения работать с картами атласа, учебником и другими источниками географической информации с целью решения поставленных задач.

2. Памятка туристу, путешествующему по маршруту.

3. Красочно прорекламировать свой туристический продукт, используя иллюстрации, карту, статистические материалы.

4. Создать рекламный буклет «Промыслы народов России».

Продукт проекта:

1. Контурная карта с маршрутом путешествия.

2. Памятка путешественнику.

3. Буклет.

План

Ι Введение (обоснование выбора темы)

ΙΙ Основная часть

1. Оренбургский пуховый платок

2. Дымковская игрушка

3. Палехская миниатюра

4. Филигрань (скань)

5. Жостово

6. Мезенская роспись

7. Береста

8. Золотая хохлома

9. Гжель

ΙΙΙ Заключение.

ΙѴ Литература.

Ѵ Продукт проекта.

Маршрут путешественника

(Карта народных промыслов России)

Обоснование выбора темы

В настоящее время мы наблюдаем большой интерес к возрождению народных традиций, обычаев и промыслов. Русское народное творчество многообразно по своим видам, жанрам, формам и региональным особенностям.В России проживает много наций и народностей, у каждого народа своя сложившаяся культура, обычаи, традиции, развиты промыслы. Можно отметить, что в каждой области существуют и передаются из поколения в поколение свои традиции изобразительного искусства и секреты прикладных ремесел. Роспись по дереву и глине, плетение из лозы, бересты, бисера, инкрустация из соломки, кружевоплетение, вышивка, традиционная игрушка – это малый перечень русских народных ремесел, которые педагог может включать в свои занятия. Формирование российской идентичности является приоритетной целью современного образования. Следовательно, важной задачей становится воспитание в межнациональной толерантности, признания, принятия и понимания культуры других народов, вероисповедания, сохранение и передача истории развития различных народных промыслов. мы должны знать истоки своей культуры.
Народное искусство отражает менталитет, психологический склад, особенности национального характера, традиции, обычаи каждого народа. Произведения народного искусства как часть материальной и духовной культуры общества отражают представление человека об окружающем мире, обществе, природе. Они становится важным способом передачи от поколения к поколению общечеловеческих ценностей и традиций. Изучение творческого наследия наших предков способствует привлечению внимания к духовным ценностям, развитию интереса и уважения к историческому прошлому страны, что способствует социокультурному развитию личности ребёнка, способной понимать и ценить то, что создано трудом народа.

Введение

Без сомнений, говорить о каком-либо национальном самосознании невозможно, если отсутствует понимание таких вещей, как термин «народный промысел», а также понимание значения для истории нашей страны ее самобытных традиций, фольклора и, конечно же, художественных промыслов. Вклад канувших в неизвестность поколений народных мастеров в становление культурных традиций России сложно переоценить. Достаточно отметить, хотя бы, тот факт, что на протяжении веков выдающиеся скульпторы, изготавливающие народные промыслы России, художники в своем творчестве обращались к народным промыслам, каждый раз по-новому осмысляя.

В древности, наравне с изготовлением орудий труда и прочими «хозяйственными» потребностями у людей возникало желание украсить себя и свое жилое пространство. Роспись глиняной посуды, культовые скульптуры и т. п. были широко распространены уже в Каменном веке.

Древнерусское искусство своими корнями уходит в далекие дохристианские времена. В чем-то наивные, изделия народных мастеров того периода отражали близость людей к природе, их мировоззрение. Тонкое ощущение красоты, самобытные стили, техники не только сохранились в народе, но и успешно процветали вплоть до Петровских реформ. Огромный вклад в возрождение, подробное изучение изделий народных художественных промыслов был сделан советскими учеными.

Но вернемся к формам производства художественных изделий. Если в древности существовало так называемое «натуральное хозяйство» (одна хозяйственная единица, к примеру, большая семья, полностью обеспечивала собственные потребности), то позже стали возникать кустарные промыслы. С развитием науки и техники, однако же, «примитивные» частные мастерские зачастую не выдерживали конкуренции более дешевых фабричных товаров.

В СССР существовала программа по возрождению народных промыслов: мастеров объединяли в кооперативы и артели, однако необходимость выполнения плана существенно ухудшала качество продукции. К счастью, мастерство изготовления художественных изделий не было забыто. Навыки передавались из поколения в поколения в деревнях, издревле занимавшихся тем или иным промыслом. И по сегодняшний день эти традиции живы, являясь незаменимой составляющей российской культуры.

Оренбургский пуховый платок

Вязаные платки из козьего пуха – древний промысел, зародившийся в Оренбургском крае еще 250 лет назад. Платки ручной работы, связанные руками мастериц, легкие, как пушинка, и теплые, как ладони матери. Пуховые платки живут долго и передаются из поколения в поколение, согревая своим теплом и накопленной энергией предков. Русские мастерицы изготавливают три вида платков: шали, паутинки и палантины. Они разные по форме, плотности вязки, цвету и рисунку. Пуховые платки выполняют не только свое прямое назначение – утеплять и согревать, но и являются эксклюзивным украшением. Ажурные легкие шали, и белые паутинки станут украшением для любой женщины, подчеркнут ее изящество и тонкий вкус.

Оренбургский пуховый платок, наряду с тульским самоваром, матрешкой, хохломской росписью, гжелью, палехом, вологодскими кружевами, дымковской игрушкой, ростовской финифтью, уральским малахитом — один из символов России. Пуховязальный промысел зародился в Оренбургском крае примерно 250 лет назад, ещё в XVIII веке. По другим данным, вязание пуховых шалей из козьего пуха коренным населением этих мест уже было до образования Оренбургской губернии[1]. У его истоков стояли не только рукодельницы-пуховницы, но и ученые, исследователи, энтузиасты искусства. Первым, кто обратил свое внимание на оренбургские пуховые платки, был П.И. Рычков. В 1766 г. П.И. Рычков опубликовал исследование «Опыт о козьей шерсти», предлагая организовать пуховязальный промысел в крае.[2] Впоследствии академик П. П. Пекарский, составил описание жизни Рычкова назвал его «создателем того кустарного промысла в Оренбургском казачьем войске, который кормит не одну тысячу народа уже второе столетие» За пределами Оренбурга пуховые платки стали широко известны после заседания Вольного Экономического общества 20 января 1770 г. На этом заседании А. Д. Рычкова была награждена золотой медалью «в знак благодарности за оказанное усердие к обществу собиранием изделий из коз имеет такой тонкий пух. Вместе с тем, этот пух очень прочный — прочнее шерсти. Самое удивительное, что оренбургские козы разводятся только в Оренбургской области. Попытки французов в XIX веке вывезти из Поволжья оренбургскую козу не удались: тонкий пух козам нужен для сохранения тепла, а мягкий климат Франции этому не способствовал. Оренбургские козы во Франции выродились, превратившись в обычных коз с грубым толстым пухом. В XVIII—XIX веках Франция экспортировала десятки тысяч пудов оренбургского пуха, который ценился выше кашмирского. Западная Европа и сейчас много покупает оренбургского пуха.

Пика популярности оренбургские паутинки козьего пуха».Оренбургские пуховые платки за рубежом были впервые представлены на Парижской международной выставке 1857 года. Тем самым Оренбургский платок вышел на международный уровень и получил там признание. В 1862 году на Лондонской выставке оренбургская казачка Ускова М. Н. получила медаль «За шали из козьего пуха».Пух оренбургских коз — самый тонкий в мире: толщина пуха оренбургских коз — 16-18 мкм, ангорских коз (мохер) — 22-24 мкм. Поэтому изделия из оренбургского пуха — шали и паутинки — особенно нежные и мягкие. Суровые морозные зимы со снегом и оренбургскими метелями — буранами, а также особенности питания оренбургских коз — растительность горных степей Урала — вот основные причины, почему порода оренбургских достигли на закате развития Российской империи. В это время в Англии начали изготавливаться изделия с пометкой «Имитация под Оренбург». Но и в наше время, за рубежом выходит не только множество заметок и статей в иностранных СМИ, но и публикуются целые книги об истории промысла и вязании Оренбургских пуховых изделий.

Оренбургские платки бывают нескольких видов:

простой пуховый платок (шаль) — серые (редко белые) толстые теплые пуховые платки. Именно с изготовления шалей и начался оренбургский пуховязальный промысел. Наиболее теплый вид платка. Такие платки используются для повседневной носки.

Паутинка — ажурное изделие из козьего пуха тонкого прядения и шелка. Не используются для повседневной носки. Используется в торжественных, праздничных случаях, так как схемы и приемы вязания намного сложнее, чем простого пухового платка. Обычно используется более чистая и мягкая шерсть, что удорожает изделие.

Палантин — тонкий шарф/накидка, по способу вязанию и применению аналогичен паутинке.

Паутинка и палантин — это очень тонкие, как паутина, платки. Тонкие паутинки имеют, как правило, сложный узор и используются как украшение. Лучшие тонкие паутинки вяжут в сёлах Жёлтое и Шишма Саракташского района . Такая паутинка украсит любое платье вне зависимости от фасона. Тонкость изделия нередко определяют по 2 параметрам: проходит ли изделие через кольцо и помещается ли в гусином яйце. Впрочем, не каждое хорошее изделие обязательно соответствуют данным условиям, так как каждая мастерица прядет нить разной толщины, иной раз предпочитая более толстую нить тонкой. В качестве основы для паутинок используют шёлковую (реже — вискозную или хлопчатобумажную) нить, для шалей используют хлопчатобумажную (реже — лавсанную) нить. В паутинках обычно две трети пуха и одна треть шёлка.

Хороший платок ручной работы вяжут из сучёной пряжи: мастерица сначала прядёт плотную нить из козьего пуха, а затем напрядает её на шёлковую (хлопчатобумажную) нить-основу. Такой платок — паутинка или шаль — изначально не выглядит пушистым. Изделия начинают пушиться в процессе носки. Носится такой платок очень долго.

Надеждой развития промысла является продажа в другие регионы и страны, ведь продукция продолжает изумлять. Одной из такой возможностью стали интернет-магазины.

Приятно, когда есть уверенность в том, что любой житель страны может найти место, где он может купить пуховые изделия, происхождение которых не вызывает сомнений. Таким интернет-магазином стал Палантин.ру, представляющий изделия знаменитой Фабрики оренбургских пуховых платков и высококачественные оренбургские пуховые платки и паутинки ручной работы.

То, что считалось еще совсем недавно роскошью, стало доступным всем. Надеемся, что у оренбургского пухового платка впереди большое будущее - будущее, основанное на вековых традициях.

Оренбургский пуховый платок

Дымковская игрушка

Дымковский промысел — уникальное явление русского народного искусства, пришедшее к нам из глубины веков. Считается, что возник он в XV–XVI веках в слободе Дымково на низком правом берегу реки Вятки возле города Хлынова-Вятки. Именно там развилась и сложилась потомственная традиция изготовления глиняной игрушки по женской линии, передаваемая от матери к дочери. Постепенно складывались династии мастериц дымковской игрушки: Никулины, Пенкины, Кошкины… Каждая из них имела свои особенности изделий в форме и пропорциях, колорите и орнаментах. Здесь, в слободе, в XIX веке жили и работали от 30 до 50 семей игрушечниц.

«Свистунья»

В прошлом изготовляли игрушки в слободе Дымково целыми семьями, копали и месили глину, вручную толкли и растирали краскотерками комовой мел, с осени до весны лепили, сушили и обжигали. Ближе к началу ярмарки «Свистуньи-свистопляски», которая проходила в четвертую субботу после Пасхи, игрушки белили мелом, разведенным на снятом коровьем молоке, красили яичными красками, украшали большими пятнами золотистой потали. А затем на лодках привозили яркий самобытный товар в город Вятку на праздник, радуя своим искусством детей и взрослых. Ярмарка была продолжением ежегодного поминовения жителей Хлынова и Великого Устюга, погибших во время печальной битвы, вошедшей в историю города как Хлыновское побоище, когда «своя своих не познаша». В память об этом событии у Раздерихинского оврага был поставлен поминальный крест, а затем и часовня. После этого наступал разгульный веселый праздник, длившийся в течение трех дней, где вятские жители от мала до велика свистели в глиняные свистульки

Вот как описывает видевший этот праздник в 1811 году генерал Хитрово: «Жители города Вятки толпами собираются в сей день к небольшой деревянной часовне, где поют панихиды о упокоении душ своих соотечественников и родных, убиенных в тот день… Все утро посвящается молитве, а остальная часть сего достопримечательного дня — прогулке и увеселениям. Народ собирается с небольшими свистками и целый день свищет, ходя по улицам, и, стоя на валу, бросает глиняные шарики в ров. В честь оставшихся после сражения вдов продаются на тех местах куклы из глины, расписанные красками и позолоченные. Сей праздник называется в сем крае «свистопляска».

Будучи очевидцем, вятский писатель В.В. Лебедев писал в «Вятских записках»: «Когда попадаешь на площадь и идешь среди свистящей толпы, кажется, что идешь по воздуху. У всех смеющиеся и какие-то дерзкие лица. Идущие люди бережно держат перед лицами глиняную небольшую игрушку, ценой в три или пять копеек, изображающую двухголового зверя или барана с золотыми пятнами на боках. В хвост этому барану и свистят…».

Старейшая мастерица дымковской игрушки Е.И. Пенкина так вспоминала свое детство: «…Все горожане шли на Свистунью с детьми — три дня ребята свистели в свистульки, дудки дома, на улице — и получали всяких игрушек на целый год. Отец с матерью бывало тоже продает свои глиняные игрушки — сунет нам денег на сласти - конфеты, пряники, а пряники были особенные — привозили их из Архангельска — больше из черного теста с белым сахаром, фигурные...». К сожалению, сейчас этот праздник, существовавший до 1920-х годов, утрачен, но представление о нем дают нам творческие композиции дымковских мастериц разных поколений, выполненные на протяжении ХХ и в начале ХХI веков.

Известно, что дымковская игрушка, имеющая древние корни, упоминается в летописях в XV–XVI веках. В конце XIX – начале XX века она представляла собой одиночные самостоятельные фигурки людей, животных, птиц, свистульки, несущие в себе древние образы — представления людей о мире.

Традиции и современность

Дымковская игрушка в начале XXI века – явление сложное и многогранное. Тематическое разнообразие, повествовательность языка, яркость в цвете, тщательная проработка в деталях и орнаментах характерна для произведений современных мастериц. Эту игрушку с изделиями мастериц прошлого связывает так называемая традиция, которая, сохранив основное, на протяжении ХХ века постоянно изменялась и развивалась.

Само понятие «традиция» имеет латинское происхождение и обозначает «вручение, передача, предание, преподавание», то есть то, что передается во времени от поколения к поколению. Сюда мы можем отнести основные сюжеты и образы, технологию, приемы лепки и росписи, формы и элементы орнамента. В народном искусстве на традицию оказывают воздействие немало внешних и внутренних, объективных и субъективных факторов.

Основная технологическая цепочка в создании дымковской игрушки – подготовка глины, лепка, сушка, обжиг, побелка, роспись, украшение сусальным золотом – осталась в принципе неизменной. Но прогресс внес существенные поправки в течение ХХ века.

Современная мастерица не копает глину, не месит и не очищает её от примесей. Все это делают машины на одном из местных керамических производств под руководством технолога, и глина поступает в дымковский промысел готовой к работе, упакованной в полиэтилен брикетами по 5-10 килограмм. Кроме того, изменился состав побелки. До середины ХХ века дымковские мастерицы использовали мел, разведенный на снятом молоке, куда окунали игрушку целиком. Сегодня для беления дымковской игрушки используется сложный химический состав, который наносится кистью. Также в течение века не раз менялись краски для росписи: от самодельных (пигмент с яйцом и водой) до фабричных (казеиново-масляная и темпера ПВА, гуашь), в состав которых по-прежнему добавлялось яйцо. С появлением не так давно новых акриловых красок, ярких по цвету и стойких, многие мастерицы заменили ими не прочные традиционные краски «фуксин» (малиновый) и «розовку», а некоторые взяли в свою палитру и другие цвета. Кроме того, в течение ХХ века не раз происходила замена потали (сплав меди и цинка) на сусальное золото. Сейчас оба этих материала в арсенале мастериц. Все эти новшества каждый раз требовали корректировки в целом цветовой гаммы на игрушке каждой мастерицы, менялась ее фактура. Современные фабричные кисти разного размера и качества волоса позволили мастерице усложнить традиционный орнамент мельчайшими деталями (точки, штрихи, прямые и волнистые линии), играя порой отрицательную роль в его перенасыщении и измельчении.

Произошли некоторые изменения и в форме организации производства. Это по-прежнему индивидуальное художественное производство, где каждая игрушка от начала и до конца выполняется вручную одним мастером, являясь уникальной. Но разница в том, что современная мастерица освобождается от всех не творческих процессов, выполняемых другими людьми (обработка глины, изготовление побелки, обжиг), отдавая все свое время непосредственно искусству создания дымковской игрушки — творчеству.

Дымковская игрушка

Палехская миниатюра

Палехская миниатюра - вид народной русской миниатюрной живописи темперой на лаковых изделиях из папье-маше (коробки, шкатулки, портсигары). Возникла в 1923 в поселке Палех Ивановской области на основе иконописного промысла. Для палехской миниатюры характерны бытовые, литературные, фольклорные, исторические сюжеты, яркие локальные краски на черном фоне, тонкий плавный рисунок, обилие золота, изящные удлиненные фигуры.

История

Палех ещё с допетровских времён славился своими иконописцами. Наибольшего расцвета палехское иконописание достигло в XVIII — начале XIX века. Местный стиль сложился под влиянием московской, новгородской, строгановской и ярославской школ. Кроме иконописи, палешане занимались монументальной живописью, участвуя в росписи и реставрации церквей и соборов, в том числе Грановитой палаты Московского Кремля, храмов Троице-Сергиевой лавры, Новодевичьего монастыря.

После революции 1917 года иконописный промысел в Палехе прекратил своё существование. 5 декабря 1924 года в Палехе была организована «Артель древней живописи» по росписи изделий из папье-маше. Её учредителями стали И.И. Голиков, И.М. Баканов, А.В. Котухин, В.В. Котухин, И.В. Маркичев, И.И. Зубков, А.И. Зубков. В результате долгих творческих поисков бывшие иконописцы явили миру расцвеченные радугой красок и золотым узорочьем виртуозные композиции на шкатулках из папье-маше. Палешане не отказались от привычной техники письма яичными красками с применением творёного золота. В образном решении новых произведений они по-прежнему использовали средневековые приёмы стилизации, условность форм. Самыми популярными и наиболее удачно решавшимися композициями первых лет существования палехской миниатюры стали «тройки», «охоты», «битвы», «парочки», «пастушки», «идиллии», «гулянки». В этих произведениях не было ни развитого сюжета, ни яркого образа, лишь сильно выраженное орнаментальное начало. Непосредственность, искренность и поэтичность придавали обаяние и теплоту первым работам палешан.

Одним из самых ярких и талантливых художников Палеха был Иван Иванович Голиков. Его называли мастером коня, битвы и тройки. Сказочные кони с хрупкими ногами в миниатюрах Голикова расцвечены всеми цветами радуги, а «битвы» и «охоты» – проявление неукротимой фантазии палехского художника. Голиковские «тройки» динамичны, порывисты, но иногда величавы и торжественны. К этому мотиву И.И.Голиков обращался многократно, рисуя зимние и летние тройки на самых разных предметах: брошах, пудреницах, портсигарах, подносах.

И.М. Баканов считался в Палехе лучшим знатоком иконописных традиций. Он безупречно владел оригинальной техникой наложения красочных слоёв. Благодаря просвечиванию нижних слоёв краски сквозь тонкие, прозрачные верхние слои, создаётся эффект внутреннего свечения живописи, эффект перелива одного тона в другой. Баканов создал много замечательных работ, ставших классикой палехского искусства. Он обращался к песенным темам («Степан Разин», «По улице мостовой»), воспевал образ родного Палеха. Лучшие его работы написаны на темы пушкинских произведений - «Сказка о Золотом петушке», «С порога хижины моей», «Бахчисарайский фонтан».

Иван Иванович Зубков был тонким ценителем родной сельской природы. В его миниатюрах нет развитого действия, художник как бы созерцает природу. Фигуры имеют плавные, несколько замедленные ритмы движения, что даёт ощущение тишины и покоя. Художественное мышление И.И. Зубкова было живописно-пластическим, а не орнаментально- декоративным. Художник строит красочную гамму на тонких тональных отношениях, на нежных переходах одного цвета в другой. Таковы его миниатюры «Парочка», «У речки», «Пейзаж».

Ранние романтические произведения А.М. Горького, построенные на песенном ритме, близки и созвучны стилистике палехской миниатюры. Иллюстрируя их, палешане практически не знали неудач. В числе лучших работ – шкатулка И.П. Вакурова «Буревестник». Красный силуэт рабочего с молотом словно вырастает из каменной глыбы. «Мне хотелось, чтоб этот человек был похож на рабочего и на писателя, и на строителя, и чтоб он мог мудро управлять государством» - так объяснял свой замысел И.П. Вакуров в книге Е. Вихрева «Палешане». В этой миниатюре, как и в других драматических композициях Вакурова большое значение имеет чёрный фон. Художник оставляет большие плоскости фона незаписанными, связывая их с напряжённо звучащими цветовыми пятнами.

Одним из самых оригинальных палехских художников является Аристарх Александрович Дыдыкин. В своих композициях он умело сочетал древние иконописные мотивы и новые приёмы, освоенные в процессе работы над миниатюрой. Для произведений этого мастера характерна особая трактовка пейзажа, обильное наложение золота в орнаменте и пробелах. Лучшие миниатюры А.А. Дыдыкина: «Уж ты, Ваня, разудала голова», «Демьянова уха», «Раскрепощение женщины», «Волга русская река» - находятся в коллекции ГМПИ. Миниатюра «Уж ты, Ваня, разудала голова» написана на тему старинной русской песни. В центре композиции плачущая девушка, провожающая в город своего жениха. Её поникшей от горя фигуре вторят склонившие свои кроны деревья и мягко очерченные горки, передающие плавность, напевность русской мелодии.

В искусстве палехской лаковой миниатюры как самостоятельный жанр развивается портрет. Его основоположниками стали бывшие иконописцы-личники: Правдин Н.А., Паликин И.Ф, Серебряков И.Г. Портретные изображения создаются на различных предметах из папье-маше: пластинах, шкатулках, брошах, портсигарах. Палехские художники пишут портреты государственных деятелей, исторических лиц и своих современников.

В середине XX столетия в искусстве Палеха усилились реалистические тенденции, выраженные стремлением многих художников к внешнему правдоподобию в раскрытии сюжета и отдельных образов. Для многих композиций тех лет характерна парадность, излишняя монументальность и украшательство.

Следующие поколения миниатюристов стремились к возрождению традиций, созданных основоположниками палехской миниатюры. Искусство лаковой миниатюры не исчерпало себя, у него огромный потенциал.

Палехские художники проявляют своё дарование во многих видах изобразительного искусства: монументальной живописи, книжной графике, театральной декорации.

В настоящее время в Палехе живёт и работает более 600 художников, каждый десятый житель Палеха – выпускник Палехского художественного училища им. А.М. Горького. Они работают в различных творческих коллективах: кооперативе «Объединение художников Палеха», АО «Товарищество Палех», ООО «Художники Палеха», иконописных и иконостасных мастерских.

Палехская миниатюра

Филигрань (скань)

Филигрань (скань) — своеобразный вид художественной обра­ботки металла, занимающий с глубокой древности важное место в декоративно-прикладном искусстве.

Термин «филигрань» — более древний; он произошел от двух латинских слов «филюм» — нить и «гранум» — зерно. Термин «скань» — русского происхождения. Он берет свое начало от древнеславянского глагола «съкати» — ссучивать, свивать, сучить.

Оба термина как бы раскрывают технологическую сущность это­го искусства. Термин «филигрань» сочетает в себе названия двух основных первичных элементов, из которых производятся филигран­ные изделия, — это проволока и мелкие шарики, дополняющие про­волочный узор.

Термин «скань» подчеркивает основную технологическую осо­бенность, характерную для сканного производства, а именно то, что проволоку применяют в этом виде искусства ссученной, свитой в шнуры, что придает сканным изделиям особую красоту и изящест­во. Чем тоньше по сечению проволока и чем туже, круче она ссу­чена, тем красивее получается изделие. Особенно, если узоры так­же дополняет и «зернь» — этим термином в русском сканном про­изводстве обозначали мельчайшие шарики. Однако термин «зернь» в современной практике почти утратился и сейчас чаще употребляют термин «кальнер» или «корнер» — от искаженного немецкого слова «корн», что также означает зерно.

В зависимости от технологических особенностей изготовления филигранных изделий различают большое разнообразие видов и разновидностей филиграни, которые чаще всего обозначают сле­дующими названиями:

Напайная филигрань (скань) — художественная обработка, когда узор из проволоки (гладкой или сученой), а также зернь напаивают непосредственно на листовой металл. Напайная филигрань имеет следующие разновидности:

а) фоновая, или глухая филигрань — простейший случай, когда филигранный узор напаивают на листовой металл (рис. 56), иногда дополнительно канфарят фон;

б) просечная, или выпильная филигрань, при которой после пай­ки узора фон удаляют либо просечкой, либо выпиловкой;

в) рельефная филигрань по чеканке - сканный узор напаиваютна заранее подготовленный чеканный рельеф;

г) напайная филигрань с эмалью или перегородчатая эмаль (см. раздел «Эмаль»), при которых после пайки скани все пространства между перегородками, образованными сканью, или их часть запол­няют эмалью

Ажурная филигрань — обработка, при которой узор, состоящий из элементов, выполненных из проволоки, спаивают только между собой, без фона, образуя как бы кружево из металла, а применяе­мую в этом случае зернь напаивают на это кружево. Ажурная фи­лигрань имеет следующие разновидности:

а) плоская ажурная филигрань — весь предмет представляет со­бой плоское (двухмерное) кружево, образованное проволочными деталями, спаянными между собой в одной плоскости (рис. 58); б) ажурная филигрань с эмалью, или «оконная» эмаль (см. раз­дел «Эмаль»), — проемы, ячейки между сканными деталями заполнены прозрачной, просвечивающей эмалью, образуя как бы ми­ниатюрный цветной витраж;

в) скульптурно-рельефная ажурная филигрань — изделие пред­ставляет собой скульптурный, трехмерный рельеф (иногда горель­еф), образованный из ажурной филиграни;

г) многоплановая, или сложная филигрань — сканной узор, со­стоящий из двух или многих планов, напаянных один на другой, т. е. когда на нижний узор, служащий как бы фоном, накладывают и припаивают новый рисунок, лежащий в другой плоскости; на нем может быть построен третий план и т. п. Таким образом, изделие приобретает трехмерный характер.

Филигрань (скань)

Жостово

Есть в Подмосковье деревня Жостово, жители которой уже более полутора веков владеют мастерством украшения всего одной вещи - подноса. Под кистью народных живописцев этот предмет обрёл качества художественного произведения. Собранные в букеты или вольно раскинувшиеся на блестящем черном фоне садовые и полевые цветы украшают поднос и несут людям чувство радости души, поэзию вечного цветения природы. Ведь вряд ли найдется человек, не любящий природу, равнодушный к цветам, их красоте, аромату, заключенной в них великой силе жизни. Эта тема близка каждому, поэтому так много почитателей жостовского таланта не только в нашей стране, но и за рубежом.

А когда-то, в начале XIX века, открывая в Жостове первую мастерскую по производству изделий из папье-маше, купец Филипп Никитьевич Вишняков и не подозревал, что основал новый промысел, которому суждено будет со временем войти в число уникальных очагов русской народной культуры. Здесь сложилось самобытное искусство декоративной живописи, вобравшей в себя традиции народных росписей на бытовых предметах и станкового живописного натюрморта, по-своему понятого и переработанного народными мастерами. Первые подносы изготовлялись из папье-маше, как и выпускающиеся вместе с ними коробочки, табакерки, марочницы и шкатулки. Поначалу и украшавшая их живопись была одинаковой - пейзажи, писанные с гравюр и картин, летние и зимние тройки коней, чаепития за столом. Помещённые на черном фоне в центре поля хорошо читались силуэтами фигур, локальными цветовыми пятнами.

В 1830-е годы подносы в Жостове стали делать из металла. На мысль о замене папье-маше на более прочный материал жостовцев навели подносы Нижнего Тагила, знаменитого ещё в XVIII веке центра их производства. В XIX веке в Тагиле делали подносы, украшенные растительным орнаментом, характерным для предметов уральской народной расписной утвари.

Другим известным центром производства подносов стал Петербург. Здесь были в моде подносы фигурных форм, сложного рисунка, изображавшей цветы, фрукты, птиц среди различных раковин и прихотливых завитков.

Жостовские мастера учли опыт живописцев Нижнего Тагила и Петербурга, но не просто использовали понравившиеся стили и приёмы, а создали на их основе свой собственный неповторимый стиль и характер украшения подносов. Он сложился в 1870 - 1880-е годы.

В это время увеличился спрос на подносы в городах. В трактирах, в питейных заведениях и гостиницах подносы использовались по прямому их назначению, и как украшение интерьера. Подносное производство в Жостове постепенно отделилось от лаковой миниатюры на папье-маше. Возникло немало мастерских, производивших подносы на продажу в Москве, в Петербурге и других местностях. С тех пор и поныне Жостово и окрестные деревни являются своего рода заповедниками этого уникального искусства.

Коллекция жостовских подносов в Русском Музее невелика. Но в ней есть первоклассные произведения, исполненные в разные периоды жизни промысла и наглядно отражающие особенности и уровень искусства своего времени.

К числу самых известных произведений принадлежит овальный поднос, украшенный живописью по перламутру.

Почти на каждом старинном подносе стоит клеймо мастерской, в которой он был выполнен. Из этого клейма можно узнать имя хозяина мастерской, а по ней определить время создания подноса.

Жостово

Мезенская роспись

Мезенская роспись возникла в начале XIX века в низовьях реки Мезень Архангельской области. Ею расписывали различную домашнюю утварь — прялки, ковши, короба, сундуки, шкатулки. С конца XIX века центром мезенской росписи становится деревня Палащелье, поэтому мезенская роспись по дереву известна также как «палащельская роспись».

Традиционно предметы, расписанные мезенской росписью, имеют только два цвета — красный и чёрный (сажа и охра, позднее сурик). Роспись наносилась на негрунтованное дерево специальной деревянной палочкой (тиской), пером глухаря или тетерева, кисточкой из человеческого волоса. Затем изделие олифилось, что придавало ему золотистый цвет. В настоящее время в целом технология и техника мезенской росписи сохранились, за исключением разве что того, что чаще стали применяться кисти. Некоторое внутреннее различие современной мезенской росписи от старой ощущается и потому, что изначально роспись производилась только мужчинами, тогда как в наше время ею больше занимаются женщины.

Для мезенской росписи характерен свой самобытный символьный орнамент. Пожалуй, это самое интересное в мезенской росписи. Каким то необъяснимым образом предметы с таким орнаментом притягивают, радуют глаз, источают тепло и свет. Причина здесь не только в том, что все изделия с мезенской росписью делаются вручную и мастер вкладывает в них свою душу, но и в том, что каждая чёрточка, каждый квадратик, ромбик орнамента мезенской росписи, равно как и каждая фигурка животного, птицы глубоко символичны. Идущие ещё с наскальных рисунков символы огня, неба, земли, воды, воздуха, плодородия, урожая, достатка и многие другие, органично вплетены в орнамент мезенской росписи и, фактически, являются видом древнего письма. Так, например изображение коня в традиции народов, издревле населявших эту местность, символизирует восход солнца, а изображение утки – это порядок вещей, она уносит солнце в подводный мир до рассвета и хранит его там.

Самая древняя датированная прялка с мезенской росписью относится к 1815 году, хотя изобразительные мотивы подобной росписи встречаются в рукописных книгах XVIII века, выполненных в мезенском регионе.

По стилю мезенскую роспись можно отнести к наиболее архаичным видам росписи, дожившим до нашего времени. Рисунки имеют глубокие корни. Найдены наскальные изображения на берегах Белого моря и Онежского озера, которые перекликаются с рисунками Мезенской росписи.

Готовое изделие расписывали по чистому негрунтованному дереву сначала охрой с помощью измочаленной на конце деревянной палочки, потом птичьим пером делали черную обводку и наносили узор. Расписанный предмет покрывали олифой, что предохраняло краску от стирания и придавало изделию золотистый цвет.

Наиболее яркие персонажи Мезенской росписи:

красные кони — условный знак Солнца, его движения по небосводу,

оленихи — небесные роженицы, они дарят жизнь всему живому на Земле,

уточки, гуси, лебеди — души далеких предков, которые вьются вокруг и помогают нам в трудную минуту,

ёлочки — олицетворение мужской силы,

мифологическое дерево жизни — состоит из ствола, заполненного ромбиками, бесчисленными родами. Корни дерева завиваются в спирали, олицетворяющие подземный мир. Верхушка увенчана солярным знаком — знаком небесного мира.

Роспись выполняется в два цвета: черный — сажа и красный — охра. Когда-то краски приготовляли из красно-коричневой береговой глины и сажи, растертой на смоле лиственницы — «таючей сере», а с конца XIX века вместо глины стали употреблять сурик. Все изображения очень статичны и лишь благодаря многократному повтору возникает ощущение динамики. Рядом с изображением часто встречаются подписи с именем автора, заказчика или датой изготовления.

В Северодвинске, Архангельске и других местах сейчас широко развернуто производство сувениров в мезенском стиле — подносы, чаши, солонки, декоративные доски, шкатулки и др. Среди изделий встречаются и колокольчики…

Мезенская роспись

Береста

Берёза - дерево, которое во Франции называют деревом Мудрости. Береза даёт нежность и красоту, из неё делают дёготь, из почек настойку при острой и хронической экземе, как мочегонное, не раздражающее почек, от боли в костях - в банях парились веником берёзовым с листьями, от гнойных ран. При ревматизме компрессы из свежих листьев или ванны из их отвара. Дёготь для подавления грибковых заболеваний, а так же лечат чесотку и проказу в народе. Пчелы делают прополис из почек берёзы, а прополис сохраняет от разложения многие годы даже мышей зажаленных пчёлами в улье . Жевание кусочка верхней кожуры, почти мгновенно уничтожает отрыжку, и дурной вкус во рту, от расстройства желудка. В старину отвар из листьев считался самым сильным средством против педикулёза (даже ртутная мазь не помогла). От ревматизма спасали сухие ванны из свежих весенних листьев до сильной испарины.

Лечебными свойствами берёза превосходит все остальные деревья русских лесов и садов.Чистым дёгтем натирались для профилактики от холеры, простуды, ревматизма. При чесотке, лишаях. Капля дёгтя предохраняет от нагноения при занозе. Из древесины получали берёзовую камфару. В Каменном веке из бересты – коры берёзы, делали супер клей для приклеивания КАМЕННЫХ топоров, пик, ножей, одежды, обуви к дереву или между собой. Учёные определили крепость склеивания как максимально возможную – как сварка по металлу. В Канаде они подглядели способ изготовления клея у Индейцев (сами не смогли его изготовить в современной лаборатории). Индейцы выкапывали ямку в земле вкладывали туда кору – бересту Берёзы и засыпали её землёй. Потом вставляли сверху палку горящим угольным концом и плавили осторожно бересту в ямке без доступа воздуха (если туда попадал воздух всё загоралось и портилось). Береста превращалась в кусочек смолы. Для склеивания эту смолу опять нагревали – клеили КАМЕННЫЙ топор к деревянной ручке,- она остывала и приклеивала камень и дерево как сварка. Вот вам и древние технологии!

С успехом использовалась береста и в более поздние времена. Так, например, во время Великой Отечественной войны многие партизанские отряды, не имея под рукой иного писчего материала, писали листовки и своеобразные «лесные газеты» именно на пластах бересты.

На Руси береза всегда была любимым деревом. Наши предшествующие поколения почитали ее за то, что, по поверьям, она могла исполнять желания. По обычаю, девушки приносили березе угощение — собственноручно испеченные пироги, садились поддеревом и обращались к нему с заветной просьбой. Как лекарственное растение береза упоминается еще в «Домострое». Свежим березовым соком лечили простудные и кожные заболевания, в качестве средства от опухолей использовали березовый гриб — чагу. Хорошим мочегонным средством считались почки березы, из которых готовился чай. Листья березы люди собирали во время войн и готовили из них общеукрепляющий витаминный напиток.

Но вернемся еще раз к бересте. Береста не только служила "связью" битым горшкам, но и сама являлась посудой и тарой и находила себе применение в каждом русском доме. Различной емкости короба, туеса для сбора ягод, корзинки плетеные и "цельнокроеные" - они так или иначе обязаны своим появлением бересте. Потому и общие для них названия берестень или берестен (те, что покрупнее, например, на четверть пуда коровьего масла) и берестничек (они поменьше, обычно под сметану или мед). Однако имелась и более точная их, как теперь говорят, дифференциация. Скажем, туеса -это сравнительно небольшие (не более 15 сантиметров в диаметре) цилиндрические сосуды с тугой крышкой и часто с дужкой на ней. Лукошки делались низкими, открытыми (40-45 сантиметров в поперечнике) и обычно с ручкой. Наконец, самые вместимые, закрытые короба (коробья) служили для хранения одежды, белья, домашней утвари. С коробами, полными мелкого товара (помните: "Эх, полным-полна моя коробушка..."?), ходили по селам торговцы-коробейники, они же лукошники или офени. Лукошко и короб служили даже старинной мерой объема, особенно для зерна.

Бересте мы во многом обязаны и распространению письменности на Руси, и тем, что узнали целый ряд документов глубокой древности. Разделив бересту на более тонкие слои, наши предки получали нечто вроде прообраза современной бумаги. Достаточно вспомнить берестяные грамоты, найденные археологами при раскопках в древних русских городах Смоленске, Пскове, Новгороде, Старой Руссе, Витебске. Эти письмена, датируемые ХI-ХV веками, сохранились благодаря удивительному свойству березовой коры не поддаваться гниению, противостоять разрушительному действию времени. А поскольку береста - материал дешевый и доступный, то авторами "березовых" посланий были и купцы, и "умевшие грамоте" простолюдины. Княжеские же документы писались на дорогом привозном пергаменте вплоть до середины XIV века, когда при великом князе Симеоне на Руси появилась (тоже, видимо, завозная) бумага. Позднее, в 1565 году, итальянский путешественник Рафаэль Барберини свидетельствовал, что моско-витяке сами затеяли изготовление бумаги. Можно предположить, что появившаяся тогда же первая русская книга "Апостол" - творение рук первопечатников Ивана Федорова и Петра Мстиспавца - была отпечана уже на отечественной бумаге.

Береста

Золотая хохлома

Золотая хохлома — один из ста­ринных самобытных русских на­родных промыслов, на протяжении веков формирующий быт и жизнен­ный уклад целых поколений и явля­ющийся неотъемлемой частью рос­сийской культуры. Особенностью хохломского промысла является изготовление золоченой деревянной посуды без применения дра­гоценного металла и своеобраз­ная растительно-травная роспись. Символом хохломской росписи стала огненная жар-птица, укра­шенная яркими цветами. Столицей золотой хохломы по праву считается город Семенов, распо­ложенный в 80 километрах от Нижнего Новгорода.

История золотой хохломы

Хохломской промысел насчитывает более трёх столетий. Он зародился в нижегородском Заволжье и пошел от иконописи. Это было время обширного заселения нижегородских земель разным людом, сре­ди которого были «старооб­рядцы» - противники церковных реформ Патриарха Никона. Они знали секрет золочения икон при помощи серебряного ме­талла и льняного масла - олифы. Деревянные иконы покрывали слоем серебра, растертого в порошок, после чего оли­фили, затем ставили в печь. После закалки икона приобретала новый золотистый цвет. Впоследс­твии, с появлением более дешевого олова, этот способ перешел и на посуду. Так, начиная с XVII века, на всю Россию славилась распис­ная деревянная посуда заволжских мастеров. «Парадная» посуда из­готавливалась по особым заказам небольшими партиями из разных пород дерева, разных форм и ху­дожественной отделки, и предна­значалась для дарения именитым гостям и иностранным послам.

На территории предприятия сто­ит памятник легендарному Семёну-ложкарю. Скульптурное изображение - это дань уважения всему трудовому люду заволжского края, тем, кто трудился, не покладая рук, развивая свое ремесло. Нижегородской посудой торговали на великом торжище - Макарьевской ярмарке, позднее Нижегородской, в Москве и других уголках России. Начиная с 60-х годов XIX века, хохломская посуда и мебель постоянно экспонируются на отечественных и зарубежных выставках. После всемирной выставки 1889 года в Париже резко увеличился экспорт хохломских изделий. Искусно выточенная и рас писаная посуда появилась на рынках Западной Европы, Средней Азии, Персии, Индии.

В начале XX столетия русские хохломские изделия проникают в отдаленные города Америки, Австралию и даже Африку. Ассортимент отличался большим разнообразием. Изготавливали различную посуду: ложки, блюда, тарелки, бочата, поставки и солонки, кружки, бокалы, шкатулки, трости, табакерки и даже мебель в русском стиле - столы с ножками баляси­нами, шкафы-теремки. Покупатели всегда ценили лёгкость и прочность хохломских изделий, красоту росписи. В XIX веке её мотивы были достаточно просты: чашки украшали поясками из геометрических фигурок, но к концу века роспись усложнилась. На крупных вещах на заказ создавали орнаменты кудрины с золотыми цветами и листьями округлых форм изделия для продажи в город расписывали узорами в духе ситцевых платков, старинных набоек или орнаментов рукописных книг. Самым распространенным и любимым было «травное» письмо. Уже в 30-е годы XX века на основе лучших традиций росписи был создан новый хохломской орнамент. Современная роспись обогатилась НОВЫМИ мотивами, стала тоньше и сложнее по колориту и компози­ционному решению, усложнилась и техника исполнения.

За многовековую историю хохломской промысел претерпел немало взлетов и падений, что отражалось на судьбе его мастеров. Дороговизна леса, конкуренция металлической и фаянсовой посуды, зависимость от скупщиков - всё это не способствовало росту благосостояния самих ложкарей и художников. Положение изме­нилось, когда в 1916 году при под­держке Нижегородского земства в Семёнове была открыта Школа художественной обработки дерева. Её возглавил талантливый художник Г. П. Матвеев. На базе этой школы была организована кооперативная артель «Кустарь - художник», кото­рая впоследствии переросла в круп­ное производственное объединение «Хохломская роспись». Благодарные потомки помнят о заслугах Матвеева, на территории предприятия ему установили па­мятник и сохранили заложенные Мат­веевым традиции наставничества. «Хохломская роспись» патронирует семёновский Художественный лицей № 30, где готовят будущих мастеров по росписи и деревообработке. В 1931 году артель получила назва­ние «Экспорт», поскольку 70 % продукции продавали за границу. В 1961 году артель получила статус фабрики, а в 1971 году - производственно-ху­дожественного объединения. В настоящее время крупнейшее в России предприятие народных художественных промыслов «Хохломская роспись» продолжает вековые традиции выпуска изделий с хохломской росписью. В ассортименте насчитывается более 1000 наиме­нований изделий утилитарного и декоративно-сувенирного назначения. Это многопредметные набо­ры для ухи, десерта, в том числе: наборы-сервизы, резные ковши, братины (ковши для вина), подсвечники, вазы, поставки, бочата, штофы, панно, музыкальные шкатулки. Вся выпускаемая продукция име­ет сертификаты соответствия и гигие­нические сертификаты, а это значит, что из хохломской посуды можно пить и есть, не опасаясь за здоровье. Под заказ выполняются изделия с геральдикой, эмблемами, портре­тами.

На предприятии работает бо­лее полутора тысяч человек, в том числе 400 художников. Многие из них - по-настоящему одаренные, талантливые мастера. И у каждого свое осмысление богатого творчес­кого наследия, свое видение рисунка и особый почерк. Ряд художников имеют почетное звание: «Заслужен­ный художник РФ», являются членами Союза художников России, награж­дены государственными премиями. На предприятии с 1964 года дейс­твует творческая лаборатория, где рождается новый ассортимент и уникальные высокохудожествен­ные изделия. Через лабораторию проходят подающие надежды мо­лодые мастера. Настоящими вирту­озами росписи называют художниц М. Иванову, Е. Зайцеву, О. Разумову, Н. Воронину. На их работы обращают внимание специалисты на многих российских и междуна­родных выставках. По эскизу заслуженного ху­дожника РФ Таисии Белянцевой ко дню 40-летия полетов из Лондона в Москву фюзеля­жи восьми лайнеров авиаком­пании «Бритиш Эйэрвэйз» бы­ли украшены хохломским узо­ром.Искусство хохломы - это не только красиво выполненная рос­пись, но и умение создавать выра­зительную форму изделия, знание сложной технологии обработки дерева. И немногие знают, сколь­ко труда и терпения, сноровки и истинного вдохновения требует людей разных специальностей этот сложный процесс. На основе Традиционного способа изготов­ления хохломских изделий был разработан и усовершенствован ' современный технологический процесс, позволяющий достиг­нуть высокого технического уровня продукции.В производстве используется дерево разных пород, в ос­новном - липа. Древесину сна­чала выдерживают на открытом воздухе не менее года. Затем ее распиливают на кряжи, изго­тавливают болванки, из которых вытачивают чашки, постав­ки, бочата, вазы, мат­решку, выре­зают ложки и ковши. Некрашеную посуду называют в промысле «белой» или «бельем». Пре­жде всего, ее надо высушить, чтобы изделие не дало трещин. Поэтому в помещениях предварительной об­работки постоянно поддерживается температура около 30 градусов, а в сушильных камерах, где на широ­ких полках-«колосниках» досуши­ваются белые точеные изделия, - до 100 градусов. Затем, некрашеные чашки покрывают специальным масляным грунтом красно­вато-коричневого цвета, отчего все они становятся похожими на глиня­ные. После грунтовки изделия 2-3 часа сушат в электропечи при тем­пературе 120-130 градусов. Далее - шлифуют, шпаклюют, олифят. Последняя подготовительная операция - лужение. Исполняют ее также, как и все предыдущие операции, вручную. Пока верхний слой олифы не высох окончатель­но и грунт не утратил вязкости, из­делия натирают алюминиевым порошком. Луженые чашки становятся матово блестящи­ми, напоминая серебряные, и в таком виде поступают в цеха росписи.

Золотая хохлома

Гжель

Гжель - небольшое село, название которого стало символом неповторимого искусства и народного мастерства. Также гжелью называют выпускаемые в этих местах высокохудожественные фарфоровые изделия, расписанные кобальтом по белому фону.

Издавна Гжель славилась своими глинами, широкая добыча разных сортов велась здесь с середины XVII века. В 1663 году царь Алексей Михайлович издал указ «во гжельской волости для аптекарских и алхимических сосудов прислать глины, которая годится к аптекарским сосудам».

История промысла начинается с XVIII века, мастера гжели делали обычную для того времени гончарную посуду, изготавливали кирпич, гончарные трубы, изразцы, а также примитивные детские игрушки, снабжая ими Москву. Считается, что количество выпускаемых тогда игрушек должно было исчисляться сотнями тысяч штук в год. Самобытные гжельские изделия пользовались неизменным спросом. Крестьяне-кустари трудились от зари до зари, имея дело с глиной и творя из неё необходимые в быту вещи. Каждый из них имел свою манеру и, создавая изделия, вносил собственное видение окружающего мира. Достоинство посуды, игрушек определялось вкусами покупателей и управлялось их спросом. В середине XVIIIвека в России довольно быстро начали развиваться гончарные производства, однако гжельские изделия пользовались неизменным спросом. Отсюда производство керамики начало распространяться в Коломенский, Серпуховский и другие уезды Московской губернии.

Конец XVIII века явился временем расцвета гжельской майолики. Особенно большого искусства местные мастера достигли при изготовлении кувшинов, кумганов - особых сосудов, квасников. Работа требовала большого терпения и мастерства - роспись не допускала поправок и переделок, так как велась по мягкому, не обожжённому черепку, покрытому белой эмалью. Гжельцы выпускали отдельно и мелкую майоликовую пластику, которая часто отражала типичные сценки их жизни, наполненные юмором композиции, солдат, крестьянок, модниц и франтов, занятых теми или иными делами. Сюжеты были выразительны и доходчивы, покоряли ясностью замыслов, наивностью их создателей - простых народных умельцев.

В течение многих десятилетий мастера гжели создавали изумительные по красоте и разнообразию росписи изразцы для оформления печей и каминов. История промысла отражена во многих изделиях, сохранившихся до наших времен. Многие образцы хранятся теперь в коллекциях Эрмитажа, Государственном объединенном Владимиро-Суздальском историко-архитектурном и художественном музее, Останкинском дворце-музее творчества крепостных, Саратовском государственном художественном музее им.А.Н.Радищева и многих других.

Кувшины и квасники, большие тарелки и кружки украшали изображениями цветов, птиц, деревьев, архитектурных сооружений. Все эти мотивы мастера выполняли с хорошим пониманием декоративного характера рисунков, смело вводили синий, желтый, зеленый цвета в коричневые контуры. Роспись сосудов дополняли скульптурные фигурки людей, птиц, животных. Такой метод открывал широкий путь фантазии мастеров. Кувшины, кумганы (сосуды), чайники превращались в подобие скульптуры. Их ручки приобретали форму веток, а носики заканчивались головкой птицы. Каждый элемент не был копией реального мотива. Он остроумно перерабатывался в декоративную форму.

После 1802 года, когда была найдена светлая серая глина близ деревни Минино, в Гжели возникло производство полуфаянса, из которого во множестве делали квасники, кувшины и кумганы. Со второй половины 20-х годов XIX века многие изделия расписывали только синей краской. Но, к сожалению, полуфаянс отличался грубым строением и малой прочностью.

Около 1800 года в деревне Володино Бронницкого был основан и первый фарфоровый завод. Павел Куликов, его основатель, научился технике изготовления фарфора, работая на заводе Отто в селе Перово. Желая сохранить секрет выработки фарфора, Куликов всё делал сам, имея только одного рабочего, но, по преданиям, двух гончаров. Завод Куликова замечателен тем, что от него пошло фарфоровое производство Гжели.

К 1812 году в истории гжельского промысла уже насчитывается 25 заводов, выпускающих посуду. Среди них самыми популярными были заводы Иванова и Лаптевых в деревне Кузяево. По подписям на оставшихся изделиях известны мастера Н. Гусятников, И. Срослей, И. Кокун. Кроме посуды, делали игрушки в виде птиц и зверей и декоративные статуэтки на темы из русского быта. Блестящие белые лошадки, всадники, птички, куклы, миниатюрная посуда расписывались лиловой, жёлтой, синей и коричневой красками в своеобразном народном стиле. Мотивами росписи являлись декоративные цветы, листья, травы.

Увлечение фарфором, поддержанное большим спросом на него, привело к постепенному сокращению производства майолики. С начала XVIII века фарфор и фаянс заняли господствующее положение в гжельском промысле. Ощущался экономический расцвет производства. Крестьянские мастерские перерастали в небольшие заводы.

Традиционные изделия - кувшины, кумганы, блюда - дополнялись новыми видами продукции. Из фарфора стали делать молочники, масленки, чашки, чернильницы, подсвечники, чайницы. Многоцветная кистевая роспись в сочетании с золотом украшала чайные сервизы, вазы для цветов. Посудные изделия дополняла скульптура, изображающая жанровые сцены. При наличии крупных фарфоровых заводов - конкурентов Гжели - промысел сохранял в фарфоре характер народного искусства с его наивной трактовкой изображений и непосредственным отбором мотивов и сюжетов из окружающей жизни.

Со второй половины XIX века работы гжельских мастеров перестраиваются на сдержанную гамму росписи с господством в ней синего кобальта. Его сочетание с белым фарфором, подкрепленное золотыми отводками, составило новую линию развития искусства Гжели. Вторая четверть XIX века - период наивысших художественных достижений гжельского керамического искусства во всех его отраслях. Стремясь получить тонкий фаянс и фарфор, владельцы производств постоянно совершенствовали состав белой массы. C середины XIX века многие гжельские заводы приходят в упадок, и керамическое производство сосредотачивается в руках Кузнецовых, некогда выходцев из Гжели.

Гжель

Заключение

В настоящее время наблюдается большой интерес к возрождению местных народных традиций и ремесел. Огромную роль в сохранении и развитии этих традиций имеет личность мастера.

В настоящее время в области работают более 500 человек. Особенность деятельности мастеров народного творчества заключается в том, что средства, способы их деятельности не могут конкурировать с современной промышленностью. Они сохраняют ту форму труда, в которой исторически сформировалась та или иная традиция. Несомненно, изделия, созданные современными мастерами, носят свой, авторский, неповторимый облик. Многие из них черпают свои знания у потомственных мастеров. Только обращение к первичной информации о сфере бытования, знаниям о носителях техники того или иного промысла, приемам ремесла позволили современным мастерам передать колорит орловских ремесленных традиций. Это уникальные личности и индивидуальности, которые отдают много сил изучению традиционных народных ремесел. Среди них можно назвать гончаров П.И. Логвинова (д. Титово Урицкого района), народного мастера России И.Б.Лузянина (Чернолощеная глина, с. Распопово Орловского района). Это мастерицы создающие аналоги народных костюмов Орловской области, О.А.Лузянина, Л.Д.Диденко. Народные мастера России, владеющие техникой вышивания «Орловский спис»: С.И.Пелепейченко, Н.В.Богатова, Л.Н.Воропаева, А.Г.Глушкова. Изготавление плешковской и чернышенской глиняной игрушки народными мастерами России А.Х.Афанасовой, Н.Н.Фроловой, А.Б.Фроловым, Л.М.Карякиной. Владеют техникой мценского кружева народные мастера России Т.А. Маслова, Н.Г.Савенкова.

Литература

http://archvuz.ru/2007_2/17

http://www.efarfor.ru/narodniy-promisel.html

http://club-edu.tambov.ru/vjpusk/vjp121/rabot/21/new_page_9.htm

http://studopedia.ru/3_116110_istoriya-narodnih-promislov-rossii-altaya.html

http://ru.wikipedia.org/wiki/%C3%E6%E5%EB%FC

http://www.gzhel.ru/

http://gzhel-spb.ru/

http://club-edu.tambov.ru/vjpusk/vjp121/rabot/21/new_page_9.htm

http://studopedia.ru/3_116110_istoriya-narodnih-promislov-rossii-altaya.html

http://www.posezonam.ru/gzhel/

http://www.posezonam.ru/gzhel/

http://art.rin.ru/cgi-bin/index.pl?id=47

http://khokhloma24.com/

http://khokhloma24.com/

http://promisly.ru/nhp/khokhlomskaya-rospis-semenov

Памятка путешественнику

Практические советы туристам, отправляющимся в автобусный тур по Европе и России

Автобусные туры – прекрасное лекарство от скуки и способ за краткий срок и небольшие деньги набраться новых впечатлений.

О дороге:

Чтобы Вам было комфортно в Вашем доме на колесах – советуем взять в дорогу:

• Удобную немнущуюся одежду, плед.

•Удобную обувь на низком каблуке.

• Защитные очки, не пропускающие свет, и беруши.

• Зонтик на случай непогоды или легкий плащ-дождевик.

• Надувную подушку под голову (или просто маленькую подушечку).

• Продукты питания длительного хранения (растворимые супы, чипсы, орехи, шоколад, вакуумную нарезку), чай, кофе в пакетиках.

• Кружку с ручкой (керамическую или пластмассовую) для кипятка, ложку. Хорошо иметь гигиенические салфетки с влажной пропиткой.

• Не лишними будут Ваши привычные лекарства от головной боли, боли в желудке и т.п., потому что медстраховка работает лишь в экстремальных случаях.

• Электроприборы, необходимые лично Вам (фен, бритва, дорожный утюг), которые должны иметь европейскую вилку или переходник.

О деньгах:

Практика показывает, что помимо банковской карточки для расчетов в магазинах, кафе, на сувениры, музеи и т.д. необходимо иметь наличные. Лучше заранее купить валюту посещаемых стран в Эстонии, что сэкономит и Ваше время и Ваши деньги.

И еще:

Групповые экскурсионные поездки подразумевают высокую организованность и дисциплинированность туристов. В противном случае будет страдать Ваша экскурсионная программа. Поэтому, если Вы решили на какое-то время покинуть группу, сообщите об этом заранее Вашему гиду. Если Вы отстали от группы или у Вас возникли затруднительные ситуации (потеряли паспорт, деньги и т.п.) немедленно обращайтесь в полицию.

Последний совет – улыбайтесь и выучите хотя бы несколько распространённых слов (здравствуйте, спасибо, пожалуйста и т.п.). Это поможет Вам в любой ситуации. И не только в автобусном туре,, но и любом путешествии!

Приятных Вам путешествий!

Буклет

«ПРОМЫСЛЫ НАРОДОВ РОССИИ»