«РАБОТА НАД КАНТИЛЕНОЙ В СТАРШИХ КЛАССАХ ДМШ и ШИ»

МИНИСТЕРСТВО КУЛЬТУРЫ ДОНЕЦКОЙ НАРОДНОЙ РЕСПУБЛИКИ

ОТДЕЛ КУЛЬТУРЫ АДМИНИСТРАЦИИ ГОРОДА МАКЕЕВКИ

МУНИЦИПАЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ ДОПОЛНИТЕЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ

«ШКОЛА ИСКУССТВ № 3 ГОРОДА МАКЕЕВКИ»

МЕТОДИЧЕСКИЙ ДОКЛАД

На тему:

«РАБОТА НАД КАНТИЛЕНОЙ В СТАРШИХ КЛАССАХ ДМШ и ШИ»

Подготовила:

Преподаватель фортепиано, концертмейстер
МУДО «Школа искусств № 3 г. Макеевки»

Алексеенкова В. А.

г. Макеевка

2021

Вступление

Свой доклад мне бы хотелось начать словами великого советского пианиста и педагога Генриха Нейгауза : «Овладение звуком есть первая и важнейшая задача среди других фортепианных технических задач, которые должен разрешить пианист, ибо звук - есть сама материя музыки;  облагораживая и совершенствуя его, мы поднимаем саму музыку на бОльшую высоту!» 

Действительно, работа над звуком – это сложная, кропотливая работа, требующая большого слухового контроля и нахождения нужного приема, нужного прикосновения пальца к клавише. .И не один жанр музыкальных произведений и работа над ним не учит пианиста выше перечисленным навыкам так, как учит работа над кантиленой.
В работе над кантиленными пьесами со старшими учащимися, которые уже владеют нужными приемами техники исполнения, ставятся более сложные задачи звукоизвлечения, которые приводят исполнение к так называемому «пению инструмента».
Я считаю целесообразным дать выпускнику романтическое кантиленное произведение. Например, Ноктюрн B-dur Джона Фильда, так как данное произведение – явный образец романтической кантилены.

Известный ирландский композитор, пианист и педагог ,который связал свою судьбу с русской музыкальной культурой и внес свою немалую лепту в ее развитие.
Фильд родился в Ирландии в семье музыкантов. Первоначальное музыкальное образование получил у певца, клавесиниста и композитора Т. Джордани. В десятилетнем возрасте талантливый мальчик впервые в жизни выступил публично. После переезда в Лондон (1792) он становится учеником М. Клементи . В 1799 г. Филд впервые исполнил свой Первый фортепианный концерт, принесший ему известность. В те годы его выступления с успехом проходили в Лондоне и других больших городах Европы.
Важнейшим событием стал переезд в Россию вместе со своим учителем. В Петербурге юный музыкант своей чудесной игрой рекламирует достоинства роялей фирмы Клементи, с большим успехом выступает в аристократических салонах, знакомится с русским музыкальным искусством. Постепенно у него созревает желание остаться в России навсегда. Большую роль в этом решении, вероятно, сыграло хорошее отношение и признание российской публики.

Жизнь Фильда в России связана с двумя городами — Петербургом и Москвой. Именно здесь развернулась его композиторская, исполнительская и педагогическая работа. Филд оставил после себя немалое творческое наследие : среди них 20 ноктюрнов, а так же концерты, сонаты, арии романсы и т.д..

Фильд стал основоположником нового музыкального жанра — ноктюрна, получившего затем блестящее развитие в творчестве Ф. Шопена, а также ряда других композиторов. Творческие достижения Филда в этой области, его новаторство очень высоко ценил Ф. Лист.

Композиторская и исполнительская манера Филда отличалась певучестью и выразительностью звучания, лиризмом и романтической чувственностью, импровизационностью и изысканностью.

Пение на фортепиано — одно из важнейших свойств исполнительского стиля. Значителен вклад Филда в воспитание молодых русских пианистов, как профессионалов, так и любителей. Его педагогическая деятельность была очень обширной.. У него обучались такие видные музыканты, как А. Верстовский и А. Гурилев. Несколько уроков у Филда взял Глинка.. В первой половине 30-х гг. Филд осуществил большую гастрольную поездку по городам Европы.. В конце 1836г. в Москве состоялся последний концерт композитора.
Имя и деятельность Филда занимают в русской музыкальной истории почетное и уважаемое место. Его композиторское, исполнительское и педагогическое творчество способствовало становлению и развитию русского пианизма, оно подготовило почву для появления целого ряда выдающихся русских исполнителей и композиторов.

Сведения о жанре

(франц. nocturne, букв. — ночная песня; итал. notturno, нем. Nokturne)
Обозначение, применявшееся к различным по исполнительскому составу, форме и характеру музыкальным произведениям.

- В 18 и начале 19 вв. итальянским термином notturno называли род дивертисмента (ряд концертных номеров в дополнение к основному спектаклю) , близкое к инструментальной серенаде, обычно для духовых или струнных и духовых инструментов, предназначенное для исполнения на открытом воздухе в ночное время (образцы у В. А. Моцарта и Й. Гайдна).
- Обозначение "ноктюрн" применялось и к оперным "ночным" сценам. Дж. Филд своими ноктюрнами утвердил этот жанр как небольшую одночастную напевную лирическую фортепианную пьесу мечтательного или элегического характера, обычно в репризной трёхчастной форме.

- Эту разновидность ноктюрна культивировал Ф. Шопен, углубивший и обогативший её.
В нашем понимании, Ноктюрн - (фр. nocturne — ночной) — это лирическая пьеса с широкой напевной мелодией, тема которой определенным образом связана с художественными образами ночи.

*Исполнение

Цель изучения данного произведения:

- Знакомство с творчеством Дж. Фильда;

- Приобретение новых и закрепление ранее полученных навыков кантиленной игры на инструменте;

- Развитие навыка «пения на инструменте»

- Решение различных гомофонно-гармонических задач

- Развитие слухового контроля в области педальной чистоты

- Развитие образного мышления;

- Продолжение развития склонности к внутренней программности и ассоциативному мышлению;
- Расширение музыкального кругозора

Польза изучения данного произведения:

Она, в перспективном развитии ученика, определена некоторыми выше перечисленными целями. Если ученику удастся осознать и показать на практике усвоение задач, предоставленных преподавателем в данном произведении, то ему не составит труда выполнить подобные задачи и в другом произведении.

Анализ художественного образа и содержания произведения:

Как было сказано ранее, ноктюрн - это некая ночная песня. Ему характерен медленный или умеренный темп. Выбранный мною Ноктюрн- не исключение. В данном произведении преобладает песенное жанровое начало. Ноктюрн B-dur носит явно кантиленный характер.
Типичная фактура – певучая мелодия на фоне мягкой, волнистой фигурации широкого диапазона.
Общий характер – мечтательная, порой взволнованная лирика. Тональность B-dur достаточно светлая.

Я считаю, что данный ноктюрн передает настроение человека, находящегося под впечатлением образов ночи. Здесь присутствует легкая меланхолия, светлая элегичность, порой - затаенная, но светлая грусть.

Ноктюрн – один из жанров, в котором можно дать полет фантазии, развить в исполнителе внутреннюю программность, ассоциативность и образное мышление.
Ученик, исполняя данное произведение, должен руководствоваться внутренней эмоциональностью программностью, немало важно чувственно осмыслить форму ,войти в образ и уметь передать настроение при исполнении. Можно предложить ученику самому выдумать содержание-картинку или происходящее, в данном случае «в ночи», действие. И в своем исполнении выразить и донести всплывающие образы до слушателя.

Формы и структуры:

Пьеса написана в простой двухчастной форме.

Первая часть 2-хчастной формы представляет собой период неквадратный с расширенным 2-ым предложением (9 -21 такты). Его предложения тематически сходны (несмотря на то, что немного различен мелодический рисунок). Период однотональный.

Первая часть завершается заключительной каденцией. Вторая часть – также период. Характерная черта – повторение к концу тематического материала из первой части.
Первое предложение (23-30 такты) – середина 2-хчастной формы. В нем происходит небольшое мелодическое развитие. Второе предложение – завершает собой всю форму.

Осознание формы и структур играет большую роль и помогает ученику быстро выучить произведение наизусть Это происходит благодаря проведенным интонационно-тематическим связям в мелодии (вокальная мелодия напевная, легко запоминающаяся, вставные эпизоды идентичны) и анализу фактуры аккомпанемента (гармонии сопровождения легко осознаются в структуре).

Исполнительская направленность

Как таковых технических сложностей в данном произведении не представлено. Исполнителю важно передать слушателю тот самый образ ночи - созерцательной и мечтательной. Содержание можно передать благодаря правильным исполнительским приемам, которые в свою очередь связаны не только с прикосновением к клавише и опорой в инструмент, а и с внутренней программностью, ассоциативностью и слуховым контролем исполняющего.
Линию баса, которая представляет собой разложенные арпеджио, можно представить в виде легкой морской волны, которая омывает берег и возвращается обратно. Необходимо сыграть эту линию опираясь на слуховые и ассоциативные представления.
Линию мелодии мы представляем в виде пения исполняемого человеческим голосом. Благодаря слуховому контролю и подходящему приему точного legato, переходу звука из пальца в палец, верной градации опоры и дифференцированному звукоизвлечению и приему филирования звука(равномерное угасание) мы достигнем нужного звучания.
В данном ключе мы продолжаем работу над всем произведением.
Не стоит забывать о педализации, так как она является непосредственным выразительным средством и исполнительским приемом. Благодаря правильной педализации произведение может заиграть новыми красками. В данном произведении целесообразно использовать запаздывающую педаль и четко реагировать на гармонические изменения.

Педагогическая направленность

В начале работы над произведением преподавателю необходимо условно поделить её на этапы:

1) Выразительное исполнение пьесы преподавателем от начала до конца с выполнением всех нюансов. Разговор с учеником о его впечатлениях от услышанного.

2) Рассказ об образном содержании произведения, его стилевом направлении и форме.
В дополнение можно рассказать о композиторе.

3) С самого начала важно поставить перед учеником задачи и цели выбора именно этой пьесы. Обозначить желаемый конечный результат и ,возможно, рассказать о пользе изучения данного произведения в перспективном развитии ребенка.

После знакомства с произведением и теоретической частью начинается разбор пьесы:
Можно предложить ученику «почитать с листа» в предельно медленном темпе, правильной аппликатурой (если она имеется) и со всеми указаниями динамики и другой нюансировки. Такую работу рекомендовал сам Г.Нейгауз. Уже с самого начала мы начинаем работу над звуком, так как данная работа – неотъемлемая и ,возможно, главная часть работы над кантиленой.
Одна из распространённых ошибок у учеников, которая требует обращения внимания, - это динамическое сближение мелодии и аккомпанемента. Отсюда вывод, что ученик не применяет навык дифференциации исполнительских приемов и не осуществляет слуховой контроль.

Детальный разбор. Работа над музыкальным текстом:

Одними из первых , на что обращает внимание ученик в начале работы с музыкальным текстом, являются ключевые знаки, т.е. тональность, и размер.
Затруднение может вызвать размер 12/8.

Стоит объяснить, что это сложный музыкальный размер, который образуется результате слияния двух или нескольких простых размеров (12/8=3/8+3/8+3/8+3/8)
Видим, что вместо четырех тактов, в каждом из которых должно быть три «восьмых» ноты, получается один такт с двенадцатью «восьмыми» нотами (3+3+3+3).

1) Начинаем работу с баса, т.е. аккомпанемента . Он представляет собой волнообразное движение – разложенные арпеджио. Данный тип баса проходит сквозь все произведение (не считая некоторых фрагментов).

Стоит объяснить ученику, что исполнение арпеджио в произведении – не всегда вопрос техники. В Ноктюрне B-dur арпеджированный аккомпанемент представляет собой густое мелодизированное, но в то же время и легкое покачивающееся движение.
Бас – гармоническая основа. Исполнение требует предельного legato с опорой на первый звук. Тут возникает первая техническая трудность – скачок на широкое расстояние (1-ый такт-децима).
Решение проблемы при помощи упражнений: a)перегруппировка ритмической фигуры: от слабой доли к сильной; b) проработка самого скачка с использованием плавных объединяющих движений; с) «бесшумное приготовление» ноты (быстрый перенос руки в сторону скачка до времени нажатия клавиши). !Но! данным упражнением не стоит злоупотреблять, так как это чревато последствиями в дальнейшем, в виде резких переносов руки. Данное действие выглядит не эстетично.

2) Работа над мелодией. Стоит напомнить ученику, что Кантилена происходит от итальянского слова канта – пение. На нашем фортепианном языке это означает – умение «петь» на инструменте. А чтобы «петь» на инструменте мы должны, в первую очередь, петь «про себя» . Работая над кантиленой, прежде всего сводим свою работу к мелодии, звуку. При работе над мелодией очень важно, чтобы ученик слышал  интонационность музыкальной речи, её смысл, выразительность, характер. От умения передать этот смысл музыкальной речи в большей  мере зависит содержательность исполнения.
Способы работы: Если ученику не удается интонирование на инструменте из-за неправильных слуховых представлений, преподавателю можно пропеть мелодию голосом. Или попросить коллегу-вокалиста или духовика проиллюстрировать фрагмент. Исполняя- важно сделать нюансы интонирования и фразировки ,выходы из длинных нот (1,3,5,6,7 и т.д. такты).
Если дело в непонимании приема исполнения и дифференциации звукоизвлечения, то возможен вариант «игры на ученике»,т.е. физическое ощущение желаемого прикосновения.: преподаватель может проиллюстрировать такую «игру» на мягкой части руки ученика чтобы он прочувствовал, ощутил точки опоры «на себе», а потом попытался перенести эти ощущения в клавиши, при этом необходимо обращать внимание на малый и большой игровой аппарат юного пианиста . Но, конечно важно опираться на слуховое ощущение, нежели на физическое.

Трудность в понимании интонирования может вызвать еще один фрагмент (8-ой такт):
Здесь присутствуют интонации неких вздохов. Сложность заключается в различном ритмическом рисунке мелодии и аккомпанементе. В басу есть сильная доля, на которую по логике приходится ритмическая опора, а в мелодии акцентной является вторая доля триольной фигурации. Сочетание мелодии с аккомпанементом придает этому фрагменту ощущение синкопированной ритмики.

Способы работы: Проучивание каждой руки по отдельности; Возможен метод подтекстовки с ударением на 2 слог; Соединение 3-х звуков (2-ая акцентная ,3-я доля мелодии и 1-ая доля баса).

В 14 такте фигурация 32-ыми воспринимается в качестве мелизматического элемента.
Его стоит исполнять слегка rubato, но в том же метре вовремя прийти в первую долю следующего такта. Необходим счет вслух.

Фрагмент с 17 по 21 такт стоит играть «насквозь». Более выразительно должна звучать хроматическая мелодия, а все остальное представляет собой гармонический фон. Кисть правой руки должна быть повернута в сторону движения мелодии, т.е.к 5-ому пальцу. Рука движется по одной траектории.

В 24 и 28 тактах встречается фрагмент полиритмии. Здесь также необходим счет вслух и анализ соотношения длительностей в партии аккомпанемента и мелодии.
в 28 такте образуется вид полиритмии 4 на 3.

Для освоения любого типа полиритмии необходимо добиваться независимости координированных движений в обеих руках. Проще всего запомнить каждую партию в отдельности и довести до автоматизма, а затем начинать соединять. Как показывает практика, лучше всего соединять ритмы в полиритм в исходном или близком к исходному темпе. Если темп будет медленным, то слух начнет концентрироваться на совпадении долей и вся ритмика разрушиться. Поэтому главный принцип научиться слышать линии отдельно.
Пример, приведенный ниже (полиритмия 2 на 3) можно использовать в качестве упражнения для развития независимости координированных движений рук и активизации слухового контроля за двумя метроритмическими линиями.

36 такт : как таковой метроритмической сложности не наблюдается. Нужно просчитать и уложить длительности (две 16-ых приходится на одну 8-ую). Фрагмент группетто от звука «до» идентичен фрагменту из 14 такта.

42 такт: встречается элемент полифонии (3-4 голоса),поэтому нужно подключить слуховой контроль и прослушать каждую мелодическую линию. Для более интересного и выразительного звучания можно выстроить интонацию «вопрос-ответ». Это достигается благодаря динамическим оттенкам Crescendo при восходящем движении и Diminuendo при нисходящем.
Педализация: Целесообразно позволять ученику использовать педаль лишь после того, как он достаточно поработал над мелодией без педали. В этом случае педаль усилит те элементы певучести, которых ученик уже добился. Если же ученик сразу начинает работать над мелодией с педалью, может возникнуть опасность того, что исполнительское внимание будет направлено  не столько на приёмы извлечения певучести звука, сколько на то, чтобы подменить их одной лишь педалью. Этого не следует допускать.
Педаль не должна компенсировать отсутствие legato и недостатки аппликатуры.
В Ноктюрне B-dur педаль, в большинстве случаев, берется по смене гармонии.
Необходимо следить за «педальной чистотой» - вовремя снимать и заново нажимать лапку педали. Не «захватывать» (не переносить) звуки предыдущей гармонии в новый гармонический фрагмент.

Подготовка к публичному исполнению

Прежде всего произведение должно быть выучено наизусть. Необходимо конечное определение темпа и точное понимание содержания пьесы. Это важно для передачи исполнителем того самого образа, воплощенного в произведении, слушателю. Целесообразно будет еще раз напомнить ученику о формообразовании и кульминационных моментах в обеих частях.

Большую роль играет количество репетиций в другой обстановке, чтобы ребенок заранее знал ,что такое «выйти из зоны комфорта». Чем больше репетиций в разных залах, тем легче будут даваться последующие выступления вне класса.

Психологическая сторона : Немаловажен эмоциональный настрой ученика. Важно вдохновить и зарядить ребенка на отличное выступление. Уже при подготовке нужно воспитывать у ученика ответственность перед произведением (авторский текст, правки редакторов, примечания преподавателя). А после выступления попросить ребенка самостоятельно проанализировать свое выступление.

Вывод

Играя данное произведение учащийся развивает образно-эмоциональную сферу, в ходе работы активизируется слуховое восприятие гомофонной фактуры, уделяется внимание качеству звука, воспитывается эмоциональная отзывчивость, осмысленность исполнения, ясное понимание формы произведения и замысла композитора.