Становление светской живописи и скульптуры в начале XVII века

Становление светской живописи и скульптуры

в начале XVII века

Учитель истории

МОУ "Журавлёвская СОШ"

Старченко Светлана Викторовна

2017 год

При Петре I художественная культура заняла новое место в духовной жизни. Она становилась светской, более разнообразной в жанровом отношении, получило активную поддержку от государства. Впервые русское искусство приобрело отчётливо светский характер и развивалось в русле европейского искусства Нового времени. Однако, в целом, она носила переходный характер, поскольку во многом ещё сохраняла черты прежней эпохи.

Приобщение к опыту мировой культуры произошло в живописи. О переходе к новому искусству свидетельствует утверждение новых жанров и техники. Ведущую роль заняли картины на светские сюжеты, выполненные маслом; в художественный обиход вошло изображение человеческого тела с учётом анатомии. Светское искусство петровского времени представлено монументальной росписью: панно и плафоны, различными видами станковых произведений и миниатюрой.

Больших успехов достигло искусство портрета во всех его разновидностях: камерный и парадный, в рост и погрудный, парный и двойной. Обращает на себя внимание большое количество парадных портретов, изображающих членов царствующего дома и высших сановников. Здесь очевидна социальная функция парадного портрета: он не просто прославлял Петра I и близких ему людей, но и способствовал утверждению идеологии абсолютизма, утверждал сословное самосознание дворянства.

Портретная живопись составляет одну из вершин культуры XVIII века, можно даже сказать века портрета...И.Э.Грабарь называл портрет «одним из главных факторов, решивших судьбу русской живописи.

До появления светских портеров в России существовала парсуна – род светской портретной живописи на основе художественного языка иконы. Это был портрет - тезис с условным иконописным пространством, с жёстким правилами расположения фигур и пояснительными надписями. Парсуну писали как икону: темперой или тертыми красками на доске с иконным фоном. Но это был тип графического, а не живописного изображения.

Среди исследователей существует спор о соотношении парсуны XVII века и светским живописным портретом XVIII века о том, можно ли считать парсуну непосредственной предшественницей портрета. На этот вопрос существует и утвердительный и отрицательный ответы с существенными оговорками. Если считать парсуну предшественницей портрета, то между ними существует большой разрыв, как будто не хватает звеньев одной цепи. В пользу иноземного происхождения русского портрета говорит то обстоятельство, что портрет и пейзаж возникли в России практически одновременно и первыми мастерами стали «пенсионеры, прошедшие европейскую школу. Кроме этого стремительная европеизация не оставила времени для постепенного вызревания и перерастания парсуны в живописный портрет, когда можно было взять готовый опыт.

Однако главное направление в искусстве портрета было связано с пониманием человека как личности, со стремлением художника проникнуть в его внутренний мир. Это нашло отражение в камерном портрете.

Становление русской портерной живописи связано в значительной мере с именем Ивана Никитича Никитина. Начав образование в мастерской Оружейной палаты, художник уже в первых работах уходит от парсунской традиции и пытается передать не только внешнее сходство, но и внутренний мир изображаемых персон. В это время Никитиным были написаны: портреты племянницы Петра I Прасковьи Иоановны в 1714 году, царевны Натальи Алексеевны ок. 1716 года.

В 1716-1719 гг. Н.Н. Никитин продолжил обучение в Италии, осваивая тонности европейской техники. Работы мастера до и после обучения за границей составляют разительный контраст. Обучение в Европе помогло художнику избавиться от старых художественных приёмов. В это время создаются лучшие его портеры: портрет канцлера Г.И.Головкина 20-е гг., «Петр I на смертном ложе» в 1725 году. Портретам И.Н. Никитина характерно правдивое изображение своих героев, интерес к внутреннему миру человека, показ не только индивидуальных внешних черт, но и характера.

Другим выдающимся портретистом этого времени и современником И.Н.Никитина был А.М.Матвеев, который обучался в Голландии и был увлечён фламандской школой и Рубенсом. Настоящую славу этому мастеру принесла его совместная работа с архитектором Д.Трезини по украшению Петропавловского собора, а затем и здания Двенадцати коллегий. А.М. Матвеев стал руководителем всей «живописной команды» в «Канцелярии от строений», которая ведала строительством Петербурга.

А.М. Матвеев проявил себя талантливым портретистом. Им был написан первый в русской живописи двойной портрет «Автопортрет с женой», который напоминает семейные портреты Рубенса и Ван Дейка, но отмечен и национальным характером. Это портрет несёт «ренессансный» психологический заряд. Для русской ментальности было новинкой воспевание любовного союза.

После работ И.Н. Никитина и А.М. Матвеева в развитии русского портретного искусства наступила некоторая пауза. Но это затишье означало не менее важный процесс усвоения полученных знаний и адаптации европейской художественной школы. Особенно выдающихся мастеров и достижений не было вплоть до середины XVIII века, когда появились новые портретисты: И.Я.Вишняков, А.П. Антропов, И.П.Аргунов.

Среди иностранных художников петровского времени можно отметить Иоганна Таннауэра и Луи Каравакка. Луи Каравакк приехал в Россию в 1716 году из Марселя и стал первым придворным живописцем. Типичный представитель европейского рококо, он брался за всё: декоративные росписи, баталии, но, в основном, портреты. Луи Каравакк писал портреты Петра I и его семьи: Екатерины I, дочерей, внуков. Но наиболее удачным считается портрет дочерей Петра - Анны и Елизаветы, написанный им в 1717 году.

Одновременно с Каравакком работал немецкий живописец Иоганн Таннауэр, который приехал в Россию в 1711 году. Превосходный портретист, учившийся в Венеции, он часто писал портреты царствующих особ, государственных деятелей и частных лиц. К наиболее известным его работам относится портреты: цесаревича Алексея, дочерей Меньшикова Александры и Марии, Петра Андреевича Толстого, Фёдора Матвеевича Апраксина. В работах Иоганна Таннауэра виден интерес художника к личности и внутреннему миру людей.

Пётр I всячески поощрял иностранных художников, платил им примерно в десять раз больше, чем отечественным. Но обязательным пунктом являлось обучение отечественных художников. Таким образом в России появлялись свои национальные мастера.

В изобразительном искусстве петровского времени появилось такое новое явление, как гравюра, которая пришла на Русь из Европы. Свою популярность гравюра завоевала прежде всего из-за дешивизны. Гравюры стали широко использоваться в учебной литературе, газетах и календарях.

Художественный облик гравюр подчинялся нескольким правилам. Обычно изображение имело три плана: на первом располагалась жанровая сценка, дерево, на втором – «водная гладь» с кораблями или без них, а на заднем плане – архитектурный пейзаж. Заполнялось всё пространство листа.

В петровское время гравюра выполняла очень важную функцию: она доносила до зрителей живой облик важнейших событий: виды новой столицы, победы русской армии и флота. В начале XVIII века была издана знаменитая «Книга Марсова» - сборник о всех сражениях «Свейской войны» с многочисленными гравюрами: штурм Ниеншанца, Юрьева и Нарвы; осада Нотебурга, карты завоёванных земель. Петровские гравюры несли заряд романтики перемен и открытий, она внушала оптимизм и пафос созидания.

Известным мастерами гравюр были Алексей и Иван Зубовы, Алексей Ростовцев, Матвей Махаев.

В работах Алексея Зубова Петербург – это радостный, молодой, динамично развивающийся город. Лучшей его работой по праву можно считать «Панорама Петербурга», созданная А.Ф.Зубовым в 1716 году. Цельная непрерывная лента строений Петербурга смотрится сквозь вереницу кораблей на Неве, как бы напоминающих гирлянду славы.

В первой половине XVIII века постепенно осваиваются все жанры монументальной и станковой скульптуры. Начинает развиваться монументально-декоративная пластика, тесно связанная с архитектурой. Под руководством архитектора И.П.Зарудного создавался белокаменный резной декор церкви Архангела Гавриила в Москве. Также не были забыты традиции древнерусской скульптуры – резьба по дереву и кости, декоративная пластика иконостасов.

Начало XVIII века отмечено проявлением интереса к скульптурной классике. Первые образцы светской скульптуры были привезены из Европы, это были главным образом произведения мастеров итальянского барокко. В русской традиции круглой скульптуры почти не было. Появление круглых, часто обнажённых статуй в России было большой новинкой. Посланные Петром I люди скупали античную и барочную скульптуру по всей Европе. Таким путём в Россию попало много античных статуй или их копий. Так, в Италии была куплена знаменитая мраморная античная статуя «Венера Таврическая».

В 1710 году в Летнем саду было выставлено более 30 больших статуй, скульптура появилась в парках Петергофа, Ораниенбаума, в царском селе. При создании Петергофа программно широко использовали пластику, водрузив в центре знаменитого «Самсона, раздирающего пасть льву» — торжество русских над шведами в Северной войне. Скульптура же стала и основным украшением Летнего сада. Таким образом, при Петре I было положено начало созданию крупных коллекций западноевропейского искусства.

Первым мастером скульптуры в России стал Бартоломео-Карло Расстрели. Итальянец по происхождению, он переехал жить в Россию из Франции в 1716 году со своим малолетним сыном по приглашению Петра I и остался здесь жить навсегда. Б.-К. Растрелли исполнил многие произведения портретной, декоративной и монументальной пластики. Наиболее известной его работой является бронзовый бюст Петра I, в котором мастерски переданы не только внешнее сходство, но и энергичный характер царя.

Мастерство Б.-К. Растрелли проявилось также в бюсте А.Д.Меньшикова, исполненном в 1716-1717 годы и статуе Анны Иоановны, выполненном уже намного позднее в 1741 году. Самое значительное произведение Б.-К. Растрелли – это конный памятник Петру I. Здесь отразились впечатления автора от монументов античности, Возрождения и XVII века. Пётр изображён триумфатором, восседающем на коне в одеянии римского императора.

Интересна судьба этого памятника: он был отлит уже после смерти скульптора в 1745-1746 годах под руководством его сына Ф.-Б. Растрелли, но более 50-ти лет пролежал в сарае всеми забытый. Только в 1800 году по приказу Павла I он был установлен в Петербурге, органично войдя в архитектурный ансамбль города. Некоторые скульптуры заказывались специально на российские сюжеты, как например «Мир и Победа» в честь Ништадского мира.

В России работали и другие европейские мастера скульптуры: Николя Пино, Андреас Шлютер, Конрад Оснер.  Однако они не оставили значительного следа в русской скульптуре.

Таким образом, можно сделать следующие выводы. В истории искусства первая четверть XVIII века представляет собой начальный и основополагающий этап. Находясь на границе со средневековьем, он принял на себя двойную роль: с одной стороны, водораздела, с другой – важного связующего звена, поскольку речь идёт о явлениях той же национальной культуры. В этот период скрестилось многое: проблемы средневековья и Нового времени, искусства отечественного и общеевропейского, светского и религиозного. И это естественно, поскольку именно в этот период Россия входила в круг культуры нового типа. Утвердились новые жанровые формы, такие как портрет и гравюра, было положено начало круглой античной скульптуре.