Справочный материал для учителя МХК

Мировая

художественная культура

(справочный материал для учителя)

Введение.

Художественная культура – часть духовной культуры человечества.

Понятие культура употребляется для характеристики исторических эпох (античность, Ренессанс), отдельных стран (культура Древнего Египта, Киевской Руси), и тогда оно обозначает совокупность материальных и духовных ценностей, созданных человеческим обществом в определенные эпохи или в конкретных странах.

Важнейшей частью культуры является культура художественная.

Всю историю мировой художественной культуры можно рассматривать как историю стилей.

Стиль – это то своеобразие, которое позволяет сразу определить, в какую историческую эпоху создано произведение искусства. К великим стилям относятся архаика и классика античности, романский стиль и готика в средние века, возрождение, обозначавшие переходный период от средних веков к новому времени, барокко и классицизм в новое время.

Последним крупным стилем на рубеже XIX–XX вв. стал модерн, в котором была сделана попытка возрождения единства архитектуры, декоративного и изобразительного искусства.

Романтический стиль, готика и Ренессанс были стилями, появившимися во всех видах искусства и оказавшими огромное влияние на мировоззрение, философию, быт.

Все стили тесно связаны в своём развитии. Сложившись в определённую историческую эпоху, они непрерывно преобразовывались и возрождались на следующем этапе в новом качестве.

Художественная культура Древнего Египта.

Религия древних египтян.

Одной из наиболее ранних в истории является культура Древнего Египта – высокоразвитая египетская цивилизация сложилась в долине Нила в III тысячелетии до н.э. Своеобразие этой цивилизации можно объяснить природными и географическими особенностями Египта. Стремление противостоять силам природы привело к появлению магии, которая стала своеобразной ширмой между человеком, чувствующим на себе давление таинственных сил, и самими этими силами. Для египтян роль такой магической защиты играли сложные представления о богах, отождествляемые с животными. Для всей религии Египта характерно многообразие.

• Бык (Анис) – бог плодородия.

• Корова (Хатор) – богиня неба и покровительница природы.

Исида – богиня мать. Образ Исиды сыграл впоследствии важнейшую роль в создании образа христианской Богоматери.

• Баран (Хнум) – творец мира.

• Гор – сын Исиды, бог солнца (Сокол).

• Осёл (Сет) – бог зла, человек с головой осла.

• Шакал (Анубис) – владыка душ умерших (человек с головой собаки).

• Кошка (Баст) – богиня любви.

• Лев (Сехмет) – богиня войны (женщина с головой львицы). Дочь бога солнца Ра.

• Тот – бог мудрости, птица ибис.

• Крокодил (Собек) – бог воды.

• Скарабей (Хепер) – бог жизни.

Среди древнеегипетских мифов основное место занимали сказания о сотворении мира и людей. Верховное солнечное божество Ра почитался в виде человека с солнечным диском на голове и изображался в священной ладье. Убеждение в том, что человек после смерти продолжает существовать в месте своего погребения, привело к изобретению мумификации – особой консервации тела, и построению гробниц. Они изменялись в зависимости от времени. В эволюции Египта различают 3 основных периода:

1. Древнее царство (XXVIII - XXIII вв. до н.э.) – время строительства

пирамид.

2. Среднее царство (XXI - XVIII вв. до н.э.) – строительство храмов и

гробниц.

3. Новое царство (1580-1085 гг. до н.э.) – отделение гробницы от

заупокойного храма.

Древнее царство.

Приблизительно в 3000 г. до н.э. фараон I династии Меном объединил в одно государство Северный и Южный Египет со столицей в Мемфисе. Создание мощного централизованного государства под властью фараона продиктовало и основной тип архитектурного сооружения – гробницу, в которой кроме тела в саркофаге помещалось множество вещей домашнего обихода.

Портретная скульптура – одно из величайших достижений Древнего царства. Все статуи торжественны, величавы, застылы.

Одной из основных задач при постройке гробниц фараонов являлась задача произвести впечатление подавляющей мощи. Фараоны IV династии возвели три великие классические пирамиды фараонов Хуфу, Хафра, Менкаура (Хеопс, Хефрен, Микерин). Каждая пирамида является частью архитектурного ансамбля, включающего маленькие пирамидки цариц и заупокойный храм, примыкавший к пирамиде с восточной стороны. Нередко с храмом помещали сфинкса. Сфинкс – фантастическое существо с туловищем быка, лапами льва и головой царя, украшенной платком – клафтом с угрем, символом царской власти, и искусственной бородой, которую мог носить только фараон.

Египтяне придавали огромное значение изобразительному искусству. Стены гробниц украшали рельефами, изображениями реалистических картин земной жизни. Благодаря искусству древних египтян мы имеем представление об образе жизни этой цивилизации.

В период Древнего царства было развито художественное ремесло. Сохранилось большое количество изящных сосудов из различных пород камня – яшмы, гранита, ювелирные изделия из золота, малахита, бирюзы, художественная мебель из ценных пород дерева.

Во второй половине XXIII вв. н.э. Египет распался на отдельные области и период Древнего царства закончился.

Среднее царство.

Среднее царство начинается с 2060 г. до н.э. Ментухотеп I объединил Египет и восстановил единую власть фараонов в городе Фивы. Исторические события в стране наложили отпечаток на искусство среднего царство.

Наряду с пирамидами Древнего царства появился новый тип погребальных сооружений. Особую известность получил заупокойный храм при пирамиде. Он вошел в историю культуры под названием лабиринта. Происхождение названия связывают с тронным именем Аменемхета, в греческой транскрипции читающимся как Лабир. Колонны лабиринта были стилизованы под растительные формы, но наряду с традиционными был создан тип колонн, который в более поздние века стали называть дорическими (гладкие с изображением головы богини Хатор – рога коровы).

В этот период художники особенно хорошо изображали в росписях природу: птиц, рыб.

В росписях и в скульптуре изменилась иконография царей. Во внешнем облике статуй конкретные индивидуальные черты стали превалирующими.

Новое царство.

Начало Нового царства датируется примерно 1580 г. до н.э. Это период военного могущества, направленного не столько на оборону, сколько на завоевания. За короткий срок пышные дворцы и дома изменили облик Фив, превратив их в самый богатый и величественный из египетских городов. Главное внимание уделялось строительству храмов, которое велось в трех основных направлениях: наземные, скальные, полускальные храмовые комплексы.

Наземные – Карнакский и Луксорский (Карнак справедливо считают каменным архивом истории Египта).

Скальные – храм Рамсеса II в Абу-Симбеле.

Полускальный заупокойный – храм царицы Хатшепсут (Луксор).

Религиозная реформа Эхнатона.

Одним из важнейших событий в истории Древнего Египта явился непродолжительный по времени, но глубокий по сути религиозный переворот, осуществленный фараоном XVIII династии Аменхотепом IV (XIV в. до н.э.), затронувший все стороны египетской действительности: быт, верования, искусство, письменность, язык. Этот период в египетской культуре называют «амарнский». Аменхотеп переименовал себя в Эхнатона, что значит «угодный Атону» (Атон – бог солнца).

Это был культ натуралистический, культ животворящего солнца. Решительный перелом произошел в искусстве, тесно связанном с религией. Все изображения были строго в профиль, что не допускалось ранее, фараона изображали с некрасивыми чертами лица и со всеми погрешностями фигуры.

Памятниками, отражающими традиции Эхнатона можно считать все произведения искусства, найденные в гробнице Тутанхамона.

Особенности стилей амарнского искусства:

1. свободная постановка фигур.

2. живые непринужденные позы.

3. передача непосредственного общения.

Литература и театр в Древнем Египте.

Основными литературными жанрами были заупокойные тексты, гимны, любовные песни, сказки.

Театр зародился еще в Древнем Египте как массовое действие. Сюжет всех драматических представлений был сугубо религиозным.

После завоевания Египта Александром Македонским египетское искусство постепенно сливалось с эллинистическим. Элементы орнаментов, символика, скульптура Древнего Египта нашли широкое распространение на территории всей Римской империи.

Художественная культура Древней Греции.

Культура Древней Греции складывалась стремительно. Этому способствовали географические условия. Греки называли мир Космосом и считали его разумным и управляемым законами. Античная культура не являлась случайной, а была проявлением сути народного духа. Влияние природы сказалось повсюду: в науке, в архитектуре, философии.

Древнегреческое искусство складывалось из трех основных потоков:

1. Крито-микенское искусство (Эгейский период) 20-15 в. до н.э.

закончился Троянской войной.

2.Влияние искусства Древнего Египта.

3. Искусство дорийцев (северные народы).

Этапы.

1. Крито-микенский XVI-XIII вв. до н.э.

2. Гомеровский XI-VIII вв.до н.э. (Аэд Гомер – певец, сочиняющий и исполняющий эпические песни) «Илиада» и «Одиссея»

3. Архаика VIII-VI вв. до н.э.

4. Классика (классическая эпоха) V-IV вв. до н.э.

5. Эллинизм (III-I вв. до н.э.) Завоевания Александра Македонского.

1. Крито-микенский (эгейский период).

Многие центры эгейской цивилизации стали известны сравнительно недавно. Трою с ее постройками и сокровищами нашли во второй половине XIX века. О культуре о. Крита лишь догадывались, зная греческие мифы.

Реальный смысл мифов стал очевидным, когда англичанин Артур Эванс раскопал на Крите в Кносее огромный дворец. Отличительной чертой Критской архитектуры являлось отсутствие симметрии в зданиях. Во дворце были обнаружены ванные комнаты, водопровод, водяная уборная, древнейшие в мире. Основным изображением дворцов была двойная секира. Основной темой пейзажной живописи являлось море с рыбами, дельфинами, заросли кустарников с быками, львами, козами.

От эгейского периода сохранилось множество предметов мелкой классики: статуэтки женщин со змеями в руках, сосуды.

Извержение вулкана на Крите и успешный исход войны с Троей привели к новой культуре. Дворцы отличались симметрией и имели четкую систему в расположении комнат и залов.

2. Гомеровский период.

Этот период называют «темными веками». Преобладание искусства сурового геометрического стиля с преобладанием линейного орнамента: кругов, треугольников, ромбов. Человеческую фигуру всегда изображали в профиль. Яркой фигурой был Гомер, его поэмы «Илиада» и «Одиссея» имеют исключительное познавательное, нравственно-эстетическое значение, содержат сказания о жизни и деяниях греческих богов и героев.

3. Архаика.

Глубокое влияние на жизненный уклад греков оказала колонизация по берегам Средиземного и Черного морей. В связи с этим претерпела изменения религия. Греческие храмы в эпоху архаики были центром жизни не только религиозной, но политической и экономической. Возникают 2 типа греческих ордеров (от латинского ordin – порядок: дорический и ионический). В дорическом ордере преобладали четкие резкие линии, некоторая тяжеловесность форм. В ионическом ордере преобладают тонкие высокие колонны с растительными орнаментами.

4. Классический период.

Скульптуры ранней классики свои устремления направили на создание реального образа, на точную передачу деталей, изображение в движении. Застылость скульптуры была преодолена Мироном, создавшем «Дискобола».

Понятия театр, сцена, оркестр - пришли из Древней Греции. Греческое искусство V в. до н.э. своим богатством и совершенством отразило внутренний расцвет общества, его породившего.

5. Эллинизм.

Охватывает исторический период от смерти Александра Македонского в 323 г. до н.э. до 31 г. до н.э.

Александр Македонский основал 70 городов с эллинским укладом жизни, самым знаменитым из которых стала Александрия с правильной планировкой улиц, беломраморными храмами, огромной библиотекой и крупнейшим научным центром Средиземноморья. Искусство эллинизма проявилось прежде всего в декоративности (нарядный образ с букетами). Самым грандиозным сооружением эпохи эллинизма стал знаменитый Пергамский алтарь Зевса (одно из «семи чудес света»).

Небывалых высот достигло искусство резьбы на драгоценных и полудрагоценных камнях.

Греция заложила основы будущей европейской культуры, в частности рационального и конструктивного художественного мышления, ставшего основой классицизма в искусстве.

Художественная культура Древнего Рима.

Культура Древнего Рима с его совершенными памятниками архитектуры, скульптуры, живописи, литературы составляет неотъемлемую часть античной культуры. Становление собственно римского искусства относится ко времени республики (VI-I вв. до н.э.).

В его основе лежат хронологические рамки правления императоров:

1. искусство империи Октавиана Августа (31-14 до н.э.).

2. искусство империи Юлиев-Флавиев (14-96 н.э.).

3. искусство империи Траяна (98-117 н.э.).

4. искусство империи Андриана (117-138 н.э.).

5. искусство империи Антонинов (138-192 н.э.).

6. искусство поздней империи (III-IV вв. н.э.).

Культ богов и стилей архитектуры римляне позаимствовали у греков. Битвы, походы, торжественные церемонии – все фиксировалось в архитектурных формах. Размещение гробниц вдоль дорог является отличительной чертой искусства эпохи республики.

Самым замечательным памятником этой эпохи стала площадь Романо близ Капитолия – верхнего храма, где вмещались все традиционные постройки для римского города. Храм Юлия Цезаря, первый храм, посвященный смертному, был воздвигнут на том месте, где сожжены останки диктатора. С этого времени (20 г. до н.э.) вошло в обычай воздавать божественные почести героям и властителям империи. Эти храмы строили по типу греческих в строгой прямоугольной форме.

Особую прелесть римского города составляли фонтаны и водоемы. Римляне жили в собственных домах, в оформлении которых значительную роль играла настенная живопись, называемая впоследствии помпейским стилем. К III в. до н.э. относится зарождение римской литературы. Большим великолепием слога и торжественным красноречием отмечены сочинения Марка Туллия Цицерона – римского политического деятеля, оратора и писателя (106-43 гг. до н.э.). Гай Юлий Цезарь (102-44 до н.э.) – автор «Записок о Галльской войне», по мнению исследователей, являлся для латыни тем же, чем Тургенев для русского языка. После убийства Юлия Цезаря и 14 лет кровопролитной войны к власти пришел внучатый племянник Ю.Цезаря Октавиан Август. Его правление представляло собой монархию, скрытую под маской республики. Этот период явился временем рассвета скульптуры, мастера которые копировали шедевры древнегреческой пластики. Героя обычно показывали обнаженным.

После смерти Октавиана Августа наступило время правления династии Юлиев-Флавиев, характеризующееся помпезным стилем для всех видов искусства, особенно дворцов. Колизей – амфитеатр, самый большой для того времени, создан из мрамора, вмешавший 50 тысяч зрителей для массовых развлекательных мероприятий. В живописи художественные идеалы времени Флавиев нашли свое выражение в декоративных росписях «пышного» стиля.

Искусство империи Траяна (полководца) – это создание рыночных площадей из цветного мрамора. При Андриане империя уже не завоевывала, а оборонялась. Это наложило отпечаток на всю художественную культуру того времени. Самым грандиозным сооружением стал храм Зевса Олимпийского.

Период империи Антонинов характеризуется «стилем провинциальной живописи» во всех видах искусства.

Скульптура поздней империи отмечена двумя основными чертами: сложностью композиции и ярко выраженным драматизмом, который достигался выражением силы, властности, жестокости. В это время был создан Константинополь – город с планировкой военного лагеря. Центром культурной и общественной жизни был ипподром. Кроме того Константинополь - церковный центр с сильной императорской властью. Возникает христианская религия с образом Иисуса Христа. С течением веков вся ранняя христианская символика сложилась в систему, предполагающую и строго установленную систему изображения – иконографию. Великая Римская империя прекратила свое существование в 395 г. н.э., так как в это время фактически стали существовать два самостоятельных государства: Западная империя с церковным центром в Риме и Восточная – с единым центром в Константинополе. Процесс исторического и культурного развития пошел разными путями.

Искусство Византии IV-XV веков.

К Византии относятся земли восточно-христианского мира (Восточная Римская империя, Балканский полуостров, острова Эгейского моря, Сирия, Палестина, Египет, Кипр, Крит, Аравия, Крым, Кавказ), где преобладало греческое население, называвшееся ромеями (эллинами).

Первый период развития византийской художественной культуры длился 2 столетия. В нем выделяются следующие направления:

1. Создание книги – пергаменного кодекса. (Пергамент – обработанная особым образом кожа телят или ягнят).

Для оформления книг художники использовали более всего красную краску – миниум. Книжная иллюстрация стала называться миниатюрой.

2. Возникновение крестово-купольного типа культовых сооружений и мозаичного декора интерьеров. (Самый распространенный вид храма – базилика).

«Золотой век» искусства Византии связан с правлением Юстиниана Великого (527-565 гг.). Самой значительной постройкой того времени было возведение Софийского собора с мраморной облицовкой и золотой мозаикой сводов. Архитектурный образ храма был приближен к образу вселенной. Недаром его сравнивали с космосом. Софийский собор стал лучшим образцом византийского стиля. При Юстиниане широкое распространение в качестве декоративного украшения храмов получили иконы (по-гречески – образ). Икону следует рассматривать не как портрет, а как символ, поэтому на ней изображалось не лицо, а лик. Это первое отличие от картины. Второе- икона пишется на доске (липовой, сосновой, кипарисовой). Покрывается защитным слоем.

«Македонское возрождение».

После смерти Юстиниана Великого смута довела государство до полного расстройства. Возрастающий авторитет монастырей, хранящих чудотворные иконы, усиление их мощи и богатства настораживали светскую власть. В 730 г. император Лев III издал эдикт, запрещавший иконы. А через 100 лет почитание икон было восстановлено.

В 867 г. в результате дворцового переворота на престол вступил Василий I Македонянин, положивший начало Македонской династии. На время правления этой династии приходится деятельность двух великих славянских просветителей Кирилла и Мефодия, создавших азбуку, впоследствии переведенную на славянский язык.

В период Македонской династии получила классическую завершенность крестово-купольная форма храма, где был алтарь и жертвенник. Любая деталь в храме имела символический смысл. Четыре стены – четыре стороны горизонта. Алтарь – на востоке, выступ на алтаре – Богоматери, купол – Христу.

Искусство XI-XII вв.

В иконостасе к числу обязательных изображений относились:

• Благовещение – весть о рождении • Рождество Христово

• Сретение – встреча Иисуса и Симеона • Крещение

• Преображение – подтверждение божественной природы

• Вход в Иерусалим

• Распятие – символ христианской веры

• Сошествие во ад

• Вознесение

• Воздвижение – нахождение креста

• Успение Богородицы – вознесение на небо.

Основные иконографические изображения Богородицы.

• Оранта – молительница • Умиление

• Одигидрия – путеводительница, наставница

Основные иконографические изображения Христа.

• Вседержитель • Спас на престоле • Спас в силах

• Спас нерукотворный • Спас Иммануил

XV столетие было временем заката византийской культуры. В 1453 г. турки захватили Константинополь и разорили его. С падением города практически прекратило свое существование и Византийское государство.

Культура Западной Европы в средние века.

Западная Римская империя, начиная с V в. испытывала бесконечные вторжения на свою территорию варварских племен. Развалом западно-римской государственности стала бесконечная смена императоров на троне.

476 г. во всемирной истории стал концом древнего мира и началом средневекового периода. Историю художественной культуры средневековой Европы принято подразделять на три этапа:

• дороманский (VI-X вв.)

• романский (XI-XII вв.)

• готический (XIII-XV вв.)

Дороманское искусство.

Развитие искусства в Западной Европе началось с примитивных форм, так как варварские народы не могли воспринимать античные традиции.

Интенсивная христианизация Европы вызвала повсеместное строительство церквей, в большинстве своем базиликального типа. С триумфальными арками.

Здания светского характера бесследно исчезли. Художественное творчество варварских народов наиболее полно представлено предметами прикладного искусства (ларцы, чаши, кубки) и ювелирными изделиями (пряжки, браслеты, ожерелья).

Излюбленными мотивами изображений явились силуэты птиц и зверей, различных чудовищ и демонов, где выражалось христианское представление о греховном начале в мире.

Орнаменты, состоящие из бесконечного плетения линий, получили название абстрактного. Его широко использовали для украшения рукописей.

Книгам придавалось большое значение. Для христиан они являлись символом Божественного завета. Все религиозные рукописи украшались очень богато. Буквы имели изящные завитки. Важнейшее внимание уделялось инициалу – заглавной букве.

Расцвеченная яркими красками, изукрашенная причудливым узором, заключенная в роскошный оклад из слоновой кости или металла с вставками из эмали и драгоценных камней, средневековая рукопись являлась драгоценностью.

Выдающейся личностью того времени был Карл Великий (768-814 гг.), объединивший территории современной Франции, Германии, Бельгии, Голландии, Северной Италии и Северной Испании. Так возникла священная Римская империя со своеобразной культурой, получившая впоследствии название «каролингское возрождение».

Романская культура.

В истории континентальной Европы X век был веком разрухи и бедствий: войн, голода, эпидемий. Искусство, получившее в дальнейшем название романского, развивалось на всей территории от Испании до Польши. Термин «романское искусство» от латинского romanus – римский. Исторически это время соответствовало периоду феодализма. К этому времени относится зарождение рыцарства. («рыцарь в переводе с немецкого «всадник»). Распри рыцарей вели к постройкам и украшениям замков. Неподалеку от замков возникали города. Основные постройки городов: городская ратуша, кафедральный собор. В это время возникает витражная роспись из наборного цветного стекла. Главной особенностью изобразительного искусства являлся мистический, религиозный характер, (мир злой и обманчивый, тело – оковы бессмертной души). К романской эпохе относился и монастырский ансамбль. Романский стиль иногда называют монастырским стилем.

Готическое искусство.

Между романским стилем и готикой нет четкой хронологической границы. Готика явилась высшей ступенью средневекового искусства. Родиной стиля считается Франция. Готика предоставила христианской церкви новые возможности для своего утверждения. Этот стиль держался в Европе свыше трех веков. Самой знаменитой постройкой того времени был собор Парижской Богоматери – Нотр Дам де Пари – главный храм Франции. Одним из самых характерных и повсеместных проявлений был изысканный утонченный стиль книжной миниатюры – одинаковый при всех дворцах Европы. В обиход вошла не только религиозная, но и учебная литература. На рубеже XI-XII вв. получила признание письменная литература на народных языках. Стала развиваться поэзия. В XII в. возник новый литературный жанр – рыцарский роман. Одним из создателей был Кретьен де Труа. Его произведения: «Рыцарь «Львиное сердце», «Тристан и Изольда».

Итак, подведем некоторые итоги. Средние века стали временем зарождения общеевропейского архитектурного стиля – сначала романского, затем готического.

Культура средних веков представляет собой сложное и многостороннее сочетание церковной и простонародной культуры. В силу этого содержание произведений искусства той эпохи отличается значительным разнообразием и охватывает широкий круг образов и идей.

Впервые в истории искусство формировалось и развивалось в рамках единого для всех народов Европы христианского мировоззрения. И в связи с этим одной из главных особенностей средневекового искусства является его глубокий мистический, религиозный характер. Религиозное мышление обусловило появление сложной символики художественных образов. Каждая архитектурная деталь храма, свет, цвет несет определенную смысловую нагрузку, определенную ступень небесной иерархии.

Свойственное средневековому мышлению стремление обнаружить «соответствие» видимых материальных форм духовным идеям нашло отражение в грандиозных христианских готических храмах, олицетворяющих собою «модель мира». Согласно представлениям средневековых схоластов, всем формам, имеющим конструктивное, вполне земное происхождение, придавалось символическое значение. Формы архитектуры выражали христианскую идею духовности, устремления к Богу и со временем были настолько усовершенствованы, что перестали производить впечатление тяжелой каменной массы.

Интерес к внутреннему миру человека, противопоставление духовного начала телесному, его приоритет исказили восприимчивость к красоте реальных форм и разрушили характерное для античной культуры представление о телесной гармонии. Именно религиозный аскетизм обусловил создание идеала, во всем противоположного античному: все материальное теперь считалось греховным и недостойным изображения, образы приобрели крайне деформированную, экзальтированную форму.

В средние века возникла лирическая поэзия и музыка, стали культивироваться идеалы духовной любви. Получило развитие светское куртуазное искусство, отражающее понятие рыцарской доблести, чести, уважение к женщине. Появились новые жанры литературы.

В целом средневековое искусство с его пониманием красоты как высшего Божественного блага, распространяющегося на весь материальный мир с его грехами, заблуждениями и несовершенством, явилось той почвой, на которой выросло искусство Возрождения.

Искусство Возрождения в Италии.

Колыбелью искусства Возрождения или Ренессанса (Фр.) была Италия.

Искусство Возрождения возникло на основе гуманизма (от латинского humanus – «человечный») – течения общественной мысли, которая зародилась в XIV веке в Италии, а затем распространилось во всех европейских странах.

Искусство Ренессанса многим обязано художественной традиции средних веков.

В архитектуре сложились новые типы общественных зданий. Живопись обогатилась линейной и воздушной перспективой, знанием анатомии и пропорций человеческого тела. В традиционную религиозную тематику произведений искусства проникало земное содержание. Усилился интерес к античной мифологии, истории, бытовым сценам, пейзажу, портрету. Наряду с монументальными настенными росписями, украшающими архитектурные сооружения, появилась картина, возникла живопись масляными красками.

Формирование ренессансной культуры в Италии происходило в экономически независимых городах. В подъеме и расцвете искусства Возрождения большую роль сыграли церковь и великолепные дворы некоронованных государей (правящих богатых семейств). Главными центрами культуры были города: Флоренция, Генуя, Милан, Венеция.

В XVI веке столицей итальянского Возрождения стал Рим. Начиная с этого времени местные центры искусства, кроме Венеции, утратили прежнее значение.

В эпохе итальянского Возрождения принято выделять несколько периодов:

• Проторенессанс (XIII-XIV вв.)

• Раннее Возрождение (XV в.)

• Высокое Возрождение (XV -XVI вв.)

• Позднее Возрождение (XVI в.).

Высокое Возрождение.

Высокое Возрождение дало человечеству таких великих мастеров, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Тициан.

Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)

«Мадонна с цветком» (1472 г.)

«Мадонна с младенцем» (Мадонна Литта ) (XV в.)

«Тайная вечеря» (1495-1497 гг.)

«Джоконда» (Мона Лиза) – Флоренция, 1503 г. – одно из самых прославленных произведений мировой живописи. (первый начал рисовать масляными красками).

Рафаэль (1483-1520 гг.)

С творчеством Рафаэля связывается представление о возвышенной красоте и гармонии. Принято считать, что в созвездии гениальных мастеров Высокого Возрождения, в котором Леонардо да Винчи олицетворял интеллект, Микеланджело – мощь, именно Рафаэль был главным носителем гармонии. Его называли Мастером Мадонн.

Самая знаменитая «Сикстинская Мадонна» (XVI в.) (1515-1519 гг.) – образ совершенной красоты. Эта картина изображает не просто Божественную Мать с Божественным Младенцем, а чудо явления Небесной Царицы, несущей людям своего Сына как искупительную жертву.

Микеланджело Буонарроти (1475-1564 гг.)

– величайший скульптор эпохи Возрождения.

«Давид» (5,5 м из мрамора) (1501-1504 гг.) – олицетворение мощи человека.

Тициан (1476-1576 гг.)

Он один из создателей монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе торжественно-парадного.

«Любовь небесная и земная» (1515-1516 гг.)

«Вознесение Марии» (1516-1518 гг.)

«Лежащая Венера» (1538 г.)

«Венера Урбинская»

«Даная» (XVI в.)

В «Джоконде», ставшей своеобразной визитной карточкой эпохи Возрождения, да Винчи создал неповторимый по тонкости психологический портрет человека, поместив Мону Лизу на фоне странного идеалистического пейзажа, состоящего из гор, пересеченных водными потоками и окутанных испарениями, сквозь которые с трудом пробивается свет. Это не увиденный где-то пейзаж и не игра воображения, а природа созидающая, т.е. циклический переход материи из одного состояния в другое, где портрет является конечным звеном ее постоянного развития. Именно в этом глубоком единстве и гармонии всех ее частей природа выступает как всеобщее явление, как красота.

Позднее Возрождение.

Во второй половине XVI века в Италии нарастал упадок экономики и торговли, искусство переживало глубокий кризис. В нем укреплялись антиренессанские тенденции, воплотившиеся в маньеризме.

Маньеризмом называется течение в европейском искусстве XVI века (от ит. манера, прием, худ. почерк). Это антиклассическое течение. Ренессанский идеал – гармоническое восприятие человека. Маньеризм – мир неустойчив, шаток, в состоянии распада, образы полны тревоги, беспокойства, напряженности, художник отдаляется от натуры, хочет ее превзойти. Например, произвольная вытянутость фигур, нереальность фантастического пространства и света, холодные пронзительные краски. В произведениях живописи нарастает бездушная холодность и вычурность приемов, постепенно картины становятся похожи на декоративные панно. Искусство маньеризма было переходным: уходила в прошлое эпоха Возрождения, наступало время нового всеевропейского художественного стиля – барокко.

Возрождение в странах Европы.

Колыбелью искусства «эпохи Возрождения» принято считать Италию. Для нее античная культура была неотъемлемой частью национального достояния. Все страны Европы условно можно разделить на 3 части:

1. Страны Северной Европы: Нидерланды, Германия, Франция.

2.Страны Западной Европы: Испания.

3.Страны Морских держав: Англия.

Северное возрождение.

Оно характеризуется сложным сочетанием мистического мироощущения и гуманистического мышления. Познание мира и человеческой личности художниками Северного Возрождения проходило не через отрицание идеалов средневековья, как у итальянцев, а через развитие традиций национального готического искусства. На становление новой культуры наибольшее влияние оказало Христианство.

Художников Северного Возрождения мало волновали красота человеческого тела и иллюзорная глубина изображаемого пространства. Для них выразительной была готическая экспрессивность (усиление впечатления), состоящая в нарушении пропорций фигур, беспокойном движении складок одежды, в напрягшихся мускулах и жилах на шее. Например: в итальянской живописи св. Себастьян изображался прекрасным юношей, невозмутимо стоящим у мраморной колонны, несмотря на впившиеся в его тело стрелы врагов, а в Нидерландской он стоит на фоне ветвистого дерева, извиваясь вместе с его искореженным стволом.

Североевропейское искусство осмысливало место человека в мироздании иначе, чем итальянское. В искусстве Италии человек, наделенный безграничными творческими возможностями, способный преобразовать мир, рассматривался как центр Вселенной. В искусстве Северной Европы человек – не вершина творения, а лишь одно из многочисленных свидетельства всемогущества Творца. Созданный вместе с этим миром, включенный в космический ритм природы, он живет в картинах североевропейских художников одной жизнью с небесами, землей и морем: для них человек и прекрасен, и величав, но все же не более, чем любой камень или травинка.

Для итальянских художников идеалом считались точные пропорции и симметрия, а северянам любая закономерность казалась нарочитой (выдуманной). По этим причинам искусство Северного Ренессанса называют еще «магическим реализмом». Оно было стилистически неоднородным и по-разному проявилось в Нидерландах, Германии и Франции.

Ренессанс в Нидерландах.

На формирование стилистических признаков Нидерландской живописи XV века оказала влияние франко-фламандская миниатюра, в которой изображение реальной земной жизни с множеством конкретных подробностей проявилось раньше, чем в других жанрах изобразительного искусства.

Первым мастером Нидерландской школы живописи принято считать анонимного художника Мастера из Флемаля (Робер Кампен). Именно произведения этого художника положили начало типичному для Нидерландов самобытному демократическому течению в живописи («Алтарь Мероде»).

Культура этой эпохи оставалась по преимуществу религиозной, но само религиозное чувство приобрело большую человечность и индивидуальность. Священные изображения призывали молящегося не только к поклонению, но и к пониманию, сопереживанию. Самыми распространенными в искусстве стали сюжеты, связанные с земной жизнью Христа, Богоматери и святых, с их хорошо знакомыми и понятными каждому человеку заботами, радостями и страданиями.

Возрождение в Германии

В XV столетии искусство в Италии стремилось научно объяснить материальный мир, в Нидерландах – передать его зримую красоту, в Германии – точно фиксировать увиденное, рассказывать и поучать. Не случайно книгопечатание и искусство графики явились немецким изобретением.

Основоположником немецкого Возрождения считается Альбрехт Дюрер (1471-1528 гг.), сумевший в своем творчестве очень тонко передать дух эпохи, где были распространены настроения хилиазма (веры в тысячелетнее правление Иисуса Христа и праведников), предчувствие конца света, но вместе с тем и появление нового гуманистического мышления. Дюрер был оформителем ряда книг светского содержания, самой знаменитой из которых являлся «Корабль дураков» Себастиана Брандта. – Эта книга была выдающимся явлением в средневековой литературе, так как была написана на немецком языке, а не на латыни, и подвергала сомнению прежние представления о морали и источниках зла. В средневековых поэмах людские беды объяснялись кознями дьявола, а в книге калечат и портят мир пошлость и глупость.

Гравюры Дюрера представляли собой жанровые сцены, удивительно конкретные, с точной передачей деталей и подчеркиванием характерного в изображаемом, что являлось одной из особенностей всей немецкой живописи, мало интересующейся идеальной красотой человеческого тела. Иногда немецкие мастера просто шокировали пристрастием к изображению грубого, некрасивого и отталкивающего.

Французское ренессансное искусство.

На протяжении XV столетия в сложной исторической обстановке, характеризующейся феодальной раздробленностью и условиями Столетней войны (1337-1453 гг.), происходили изменения в области французского изобразительного искусства, приобретавшего постепенно светский характер.

До конца XVI века в архитектуре продолжали сосуществовать средневековые и ренессансные формы, в живописи – готические.

Первым видом искусства, где проявились реалистические тенденции, являлась книжная миниатюра. Именно в иллюстрациях мы видим новое отношение к окружающему миру и переход от условного изображения к реалистическому. Впервые художники стали передавать светотени и механику движения человеческого тела.

Самым знаменитым художником того времени был Жан Фуке (1420-1477/81 гг.).

Наиболее полно и ярко передовые идеи французского Возрождения были воплощены в литературе. При королевском дворе Франциска I существовал литературный кружок. Во время его правления развернулось строительство новых замков.

Но уже к 1562 году французское Возрождение утратило свой беспечно-жизнерадостный характер. Гугенотские войны вызвали глубокий хозяйственный и культурный упадок в стране. Произошло нарушение спокойного течения культурного процесса.

Постренессанская культура.

Архитектура и скульптура барокко в Италии.

Формирование новой культуры связано со стремительно меняющейся «картиной мира» и кризисом идеалов итальянского Возрождения.

Для духовной жизни общества XVII века большое значение имели Великие географические и естественнонаучные открытия: первое плавание Христофора Колумба в Америку, открытие Васко да Гамой морского пути в Индию, кругосветное путешествие Магеллана, открытие Коперником движения Земли вокруг солнца, исследования Галилея и Ньютона. Новые знания разрушили прежние представления о неизменной гармонии мира, об ограниченном пространстве и времени.

Человек начал остро ощущать неустойчивость своего положения, противоречие между иллюзией и реальностью. Новое мировосприятие по-особенному отразилось в художественной культуре: все необычное стало казаться красивым, а ясное и простое – скучным и неинтересным. Возник новый стиль – барокко (в пер. с итал. – странный, причудливый) – жаргонное словечко португальских моряков для обозначения бракованных жемчужин. Вместо стремления к равновесию, новый стиль барокко означал стремление к подвижному, постоянно меняющемуся. В моду вошли «тревожные силуэты». Этот стиль получил распространение в странах, где господствующее положение заняла католическая церковь (Италия, Испания, Австрия, Германия, Чехия, Польша).

Начало итальянского барокко связано со строительством римской церкви Джезу (1575 г.). Витые бронзовые колонны, купол возносится на головокружительную высоту. Человек чувствует себя совершенно раздавленным перед масштабом увиденного. Это и есть идеальное воплощение идеи римского католического барокко.

Изобразительное искусство Фландрии.

Главным критерием живописи барокко считалась красота. При этом художники видели красоту не в природе, а в мистическом озарении (пышные драпировки, мантии).

Другой важной особенностью живописи является передача движения и пластики. Самым великим живописцем барокко был Питер Пауль Рубенс (1577-1640 гг.). Особая эмоциональная тональность рубенсовских картин достигается тонко продуманным цветовым сочетанием: прозрачные легкие лица, складки одежд расплывчаты, мерцание золотистых волос. Рубенс всегда писал сильно разведенными красками.

Театр и декоративно-прикладное искусство.

Комедию масок можно считать самым древним искусством, достигшую своего расцвета в эпоху барокко. Актеру не приходилось каждый вечер импровизировать, он играл свою маску всю жизнь (Арлекин – костюм из разноцветных кусочков).

Второй значительной формой театрального искусства XVII века стала опера. Она потребовала иной архитектуры театрального помещения, иного устройства сцены, иного оформления, обеспечивающего зрелищность. Барокко обогатило театр живописными костюмами. Особенность театра заключалась в том, что он превратился в закрытое помещение, возникла необходимость строительства театральных зданий, освещения, основанного на различных осветительных эффектах.

В области декоративно-прикладного искусства наиболее интересной представляется мебель, отличающаяся тяжеловесностью форм и прихотливым орнаментом: кожа, расписанная золотом; шкафы на ножках в форме шаров; шкафы, секретеры, столики, украшенные деревянной мозаикой.

Одним из проявлений стиля барокко стали изделия из богемского хрусталя (Чехия) (Территория Чехии раньше называлась Богемией). Сырье добывали из золы деревьев – лесное стекло, за блеск называли хрусталем (греч.). Стены в зданиях затягивали тканью с золотыми и серебряными нитями.

Музыка барокко.

Барокко – это эпоха в истории нравов и отношений людей. П.П. Муратов писал: «У барокко были не только свои церкви и дворцы, у него были свои люди, своя жизнь…». Повсюду наплыв преувеличенных эмоций. Повсюду слишком пышное воображение. Культура барокко породила «человека барокко», который противопоставлялся «человеку Ренессанса». Театрализация жизни обусловила создание многих музыкальных жанров: оперы, концерта, сюиты, прелюдии. Событием величайшего значения стало рождение оперы. Родиной оперы считается Флоренция. Знать стала нанимать придворных музыкантов, стали возникать оперные школы.

Для исполнения музыки, кроме органа, появились новые инструменты: клавесин, скрипка, виолончель, контрабас.

Знаменитые музыканты того времени Антонио Вивальди (1678-1741 гг.), Иоганн Себастьян Бах (1685-1750 гг.) (нем. – ручей). Бах воплотил в своем творчестве богатую и сложную жизнь своих современников, а именно: Евангельское предание приобрело в его музыке глубокую жизненную достоверность. Любимым инструментом Баха был орган.

Как исторический художественный стиль барокко охватывает около двух столетий. «Жизнь есть сон» – эти слова стали девизом эпохи. Однако параллельно с барокко развивались иные художественные направления, течения и стили, в том числе классицизм.

Художественная культура стран Западной Европы.

Искусство классицизма. Архитектура.

В странах, где произошли буржуазные революции (Голландия, Англия) ведущей стилевой системой стал классицизм. Особое место заняла Франция. Во время правления Людовика XIV – короля – солнца – сложился один из самых ярких художественных стилей – «большой», или «королевский», который наиболее полно выражал идеи торжества, национального единства и сильной, абсолютной королевской власти. В нем соединились элементы классицизма и барокко (барокко (итал.) – странный, причудливый, - жаргонное словечко португальских моряков для обозначения бракованных жемчужин неправильной формы стало использоваться в значении сделать форму мягкой, подвижной. В моду вошли «тревожные силуэты».

Самым ярким проявлением классицизма стала архитектура. Вершиной французской архитектуры стали светские сооружения: дворцы, парки, градостроительные ансамбли.

В основу планировки Парижа была положена возникшая еще в античности трехлучевая система улиц, исходящих из одной точки. Такой точкой являлся парк Тюильри с центральным лучом – Елисейскими полями.

Развитие классицизма во Франции принято делить на 3 этапа:

• Первая треть XVII века характеризовалась вертикальной устремленностью архитектурных форм (1600-1630 гг.).

Люксембургский дворец Марии Медичи

Королевская площадь Вогезов

• 1630-1660 гг. Возникновение дворцов с парковыми ансамблями.

Во-Ле- Виконт

В этот же период возник своеобразный вид архитектурного сооружения – французский отель, представляющий собой великолепный особняк, созданный для жизни в нем частного лица.

• 1660-1700 гг. – строгий стиль классицизма. Основные черты – классическая строгость и декоративная перегруженность интерьера.

Самыми знаменитыми постройками эпохи классицизма являются:

• Люксембургский дворец Марии Медичи • Лувр (Париж)

• Церковь св. Людовика (Париж) • Ансамбль Версаля

Особенно прославили «большой стиль» гобелены (декоративный тканый ковер французского происхождения по имени красильщиков Гобеленов) с изображением пейзажей, сцен охоты, сельских мотивов в пышном обрамлении растительного орнамента.

Изобразительное искусство Франции.

Самым прославленным мастером французского классицизма является художник Никола Пуссен (1594-1665 гг.). В соответствии с идеалами классицизма им была разработана строгая регламентация жанров. Ведущим – высоким – считался жанр исторической картины, ступенью ниже стояли портрет и пейзаж, бытовой жанр и натюрморт в живописи классицизма фактически отсутствовали. Главенствующее значение придавалось рисунку, а не колориту. В отличие от пейзажной живописи барокко Пуссен отражал вечное, незыблемое, что лежит в основе бытия.

В XVII веке сложились два типа взаимоотношений национальной школы и его лидера. В одних случаях мастера концентрировали в своем искусстве качества школы (напр. Рубенс во Фландрии), в других – контрастировали между школой и талантом. Таково положение Караваджо в Италии, Рембрандта в Голландии, Веласкеса в Испании.

Вне всяких стилей стоит творчество Микеланджело Караваджо (1571-1610 гг.), целью которого было изображение реальности. Он был первым художником, кто уравнял в своем творчестве жанры живописи. Хорошо выполненная картина с изображением цветов не уступала, по его мнению, картине, написанной на религиозный сюжет. Караваджо был предан только «натуральности». Объектами его изображения были люди из народа, он начал почти программную демократизацию Священной истории, утверждая, что подлинных героев можно найти везде. Неприкрашенная действительность, запечатленная на его полотнах, балансировала почти на грани сознательного пристрастия к низменному и уродливому. Визитной карточкой художника, является знаменитый караваджиевский луг – сфокусированный световой пучок, выхватывающий из мрака предмет и акцентирующий на нем внимание. Знаменитые полотна.

«Погребение Христа» «Смерть Марии»

«Воскрешение Лазаря»

«Святой Матфей с ангелом»

Преемником Микеланджело стал Рембрандт Харменс Ван Рейн (1606-1669 гг.) из Голландии. В создании композиций на библейские и мифологические темы ему не было равных.

«Самсон и Долила» «Поклонение волхвов»

«Снятие с креста»

«Христос, исцеляющий больных»

«Явление Христа Марии Магдалине»

Рембрандт выработал одно из ключевых средств художественного выражения – эффект светотени. Все картины построены на контрасте света и тени. Эпилогом творчества Рембрандта по праву считается картина «Возвращение блудного сына». В мировом искусстве не много произведений такого мощного эмоционального воздействия.

Особое место в творчестве Рембрандта занимает портретная живопись. Он не только передает внешний облик, но и раскрывает внутреннюю суть человеческой личности.

В творчестве испанского художника Диего Веласкеса (1599-1660 гг.) отражены три фазы изображения действительности.

1. Изображение реальной действительности в отдельных бытовых картинах из жизни простых людей.

«Продавец воды»

«Старая кухарка»

«Завтрак»

2. Показ реальной среды, которая окружает духовно богатого человека (библейско-мифологическая тематика).

3. Формирование жанровой картины нового типа.

«Фрейлины» «Пряхи»

Особую группу его работ составляли конные портреты Филиппа IV, Королевы Изабеллы Французской, принца Бальтасара Карлоса. Творчество Веласкеса знаменует собой финал великой художественной культуры XVII века.

Театр французского классицизма.

Поскольку писатели классицизма обращались к жанрам античной литературы, наибольшее распространение комедия и трагедия. В трагедиях изображались общественные государственные коллизии, в комедиях – частная жизнь. Трагедия классицизма была основана на условных правилах трех единств: единство места (события происходят в одном месте), единство времени (в течение 24 часов) и единство действия (в основе лежит одно событие).

Великим создателем французской классической трагедии по праву считается Пьер Корнель (1606-1684 гг.)

«Медея»

«Сид»

«Гораций» - Подчинение личности государственным интересам.

Великим создателем комедии является Жан Батист Поклен (1622-1673 гг.), сценический псевдоним – Мольер. У него было два типа комедий – комедии характеров и комедии нравов.

«Тартюф» «Лекарь поневоле»

«Дон Жуан» «Мещанин во дворянстве»

«Мизантроп» «Мнимый больной»

(лицемерие, скупость) (невежество, грубость, вульгарные манеры)

Мольер создал комедию нового типа на основе органичного соединения национальной традиции народного театра и опыта театра французского классицизма.

Творчество Корнеля и Мольера тот «золотой век» французской драматургии, который длительное время рассматривался как культурный и художественный образец для других европейских народов.

Художественная культура XVIII века.

Стиль рококо в искусстве Франции.

XVIII век в истории МХК обозначен как период кризиса. Искусство как бы держало перед человеком образец высшего совершенства. В XVIII веке вся система подверглась пересмотру.

Первым стилем европейского искусства стал стиль рококо, возникший во Франции. Если предыдущие художественные стили складывались в архитектуре, а затем уже распространялись в живописи, скульптуре, то рококо возникло сразу как стиль аристократических гостиных и будуаров.

Центром формирования рококо был не дворцовый парадный интерьер, а салон частного дома, аристократическая гостиная, где тон задавали женщины, которые сделали свою повседневную жизнь искусством. Женственность стала главным критерием красоты. А главной заботой изобразительного искусства – декор помещений. Особенностью убранства интерьера было использование огромного количества зеркал (призрачность, игра, иллюзии).

После перевода на французский язык сказок «Тысячи и одной ночи» мода на все экзотическое, восточное, китайское захлестнула Париж. Произведения изо уже не представляли ценности сами по себе, а превратились в предметы украшения интерьера. Любимыми темами художников рококо стали не сила, страсть и героизм, а нежность и игра.

Ведущим живописцем был Франсуа Буше (1703-1770 гг.) придворный художник Людовика XV. Главной темой его полотен было изображение пастухов и пастушек, мифологических персонажей, развлекающегося общества. Это были не просто картинки, а картины жизни с эротическим подтекстом.

Наиболее ярким представителем был и Антуан Ватто (1684- 1721 гг.) – мастер «галантных празднеств». Его картины «Праздник любви», «Урок любви», «Мирная любовь» и т.д.

Среди скульпторов первое место в искусстве рококо принадлежит Этьену Морису Фальконе (1716-1791 гг.). Он сделал резкий поворот в сторону интимной лирики. «Амур» - самая популярная скульптура во Франции того времени.

Рококо завоевало репутацию изысканного, но самого легковесного стиля в истории искусства, однако, подготовило почву для эпохи Просвещения, начало которой относится к середине XVIII века.

Литература и музыка эпохи Просвещения.

Движение просвещения было общеевропейским, но зародилось и стало наиболее действенным именно во Франции.

Движущей силой исторического процесса просветители считали борьбу разума и суеверий. Ключевым принципом политической программы являлся закон, который предполагал наличие Свободы, Равенства, Братства.

В пределах литературы возникли разные художественные направления со своей спецификой, главными среди которых были классицизм, реализм и сентиментализм.

Наиболее ярко характерные черты просветительского классицизма воплотились в творчестве Франсуа – Мари Аруэ (1694-1778 гг.), вошедшего в историю под именем Вольтер. Все его произведения философские. Самая известная поэма «Орлеанская девственница». Во всех литературных жанрах Вольтер оставался верен просветительской миссии, он в буквальном смысле правил общественным мнением Европы.

Выдающимся представителем просветительского реализма был Дени Дидро (1713-1784 гг.). Прежде всего, он известен как организатор и издатель «Энциклопедии или Толкового словаря наук, искусства и религии», а также нового жанра – художественная критика. («Монахиня»).

Кульминацией в эволюции французского театра эпохи Просвещения стали комедии Пьера Огюстена Карона де Бомарше (1732-1799 гг.)

«Севильский цирюльник»

«Безумный день, или Женитьба Фигаро» - комедии интриг, в которых блестяще воссоздана точная и детальная картина нравов Франции.

Жан Жак Руссо (1712-1778 гг.) был одним из виднейших представителей европейского сентиментализма, который расценивается как завершающая стадия эпохи Просвещения. Основная цель – воспитание чувствительности.

Сильная мятежная личность была привлекательная и для раннего творчества Иоганна Вольфганга Гёте (1749-1832 гг.). Страдания юного Вальтера – борьба молодого человека против убожества действительности.

«Фауст» - трагедия (создавалась в течение 60 лет) отразила эволюцию мировоззрения автора. «Фауст» представляет собой поэтическую и вместе с тем философскую энциклопедию европейской духовной культуры нового времени, отразившую проблемы следующего периода – эпохи романтизма.

Вторым крупным писателем классицизма был Иоганн Кристофор Фридрих Шиллер (1759-1805 гг.).

«Мария Стюарт»

«Орлеанская дева»

Создатель нового жанра – классической баллады.

Музыкальное искусство XVIII века отмечено развитием опер, симфоний, сонат, возникновением филармоний и камерных ансамблей.

Крупнейшими композиторами являлись Франц Йозеф Гайдн (1732- 1809 гг.), («Времена года», «Прощальная симфония»), Вольфганг Амадей Моцарт (1756-1791 гг.), («Дон Жуан», «Свадьба Фигаро», «Волшебная флейта» - оперы.

Людвиг Ван Бетховен (1770-1827 гг.) («Лунная соната», «Героическая симфония» - Бетховен называл своим любимым детищем). «Героическая симфония» открыла новую эру в истории жанра. Впервые было создано музыкальное произведение, представляющее собой гениальное симфоническое воплощение образов революционной борьбы и победы.

Архитектура и изобразительное искусство эпохи Просвещения.

Идеи просветителей, связанные с распространением знаний, пропагандой науки, обожествлением природы призывали к простоте и естественности, соответствовали эстетике классицизма. В области архитектуры и декоративно-прикладного искусства вновь возродились классические традиции и классические формы. В живописи стало модным все, связанное с жизнью и бытом древних римлян, тем более что в 1748 году начались раскопки Помпеи. (Полная симметрия форм).

• Собор св. Женевьевы (Жак Жерми Суффло)

• Площадь согласия в Париже (Жак Анне Габриэль)

Под влиянием нравоучительства французских просветителей классические тенденции постепенно выродились в сентиментализм.

Сентиментализм являлся крупнейшим течением, связанным с идеалами о доброте. Слова «добродетельный» и «чувствительный» стали самыми лестными эпитетами. Любые проявления какого-либо переживания выражались в потере сознания или горьких рыданиях. (Жан Батист Грез, Жак Луи Давид – живописцы). Жак Луи Давид – новый стиль революционный классицизм «Клятва Горациев».

Европейская культура конца XVIII- начала XX века.

Романтизм в европейском искусстве.

Рубеж XVIII и XIX столетий характеризуется новым направлением в духовной культуре – романтизмом, возникшем на почве разлада идеала и действительности. Решающую роль в его зарождении сыграли эпоха Просвещения и Французская революция. Идеи «свободы, равенства, братства» оказались утопической мечтой, а эпоха революции и десятилетняя наполеоновская эпопея закончились мрачной реакцией. Все это породило настроения разочарования жизнью, пессимизма, новую модную «болезнь» - «мировую скорбь» и нового героя, бунтующего, не находящего себе места, обуреваемого тоской, которая гонит его из края в край часто в поисках смерти.

Властителем душ в эпоху мрачной реакции стал английский поэт Джордж Гордон Байрон (1788-1824 гг.), сумевший выразить этот надрыв. Его герой Чарльз Гарольд – мыслитель, снедаемый тоской. Он всегда мрачен, погружен в себя, всюду он видит насилие, обман, коварство, жестокость. И когда находит наконец желанную смерть, уходит из жизни спокойно, без тени сожаления.

Содержанием нового романтического искусства стал бунт романтического героя против обывальщины. «Бегство совершалось в историческое прошлое, в сферу чистого вымысла или в экзотические страны, не тронутые цивилизацией. Эти различные пути определили и основные темы романтического искусства: историческую, фантастическую, экзотическую. Романтики обращались к эпохе средневековья.

•Романы В. Скотта и Виктора Гюго

(«Айвенго» - «Отверженные»)

• Оперы Вебера «Волшебный стрелок»

Вагнера «Летучий голландец»

Мендельсона «Сон в летнюю ночь»

Воображение романтиков будоражила таинственность замков, рыцарей. Это была эпоха, когда верили в призраков и вампиров, упырей и вурдалаков. Знаменитые произведения этой эпохи.

Эрнст Теодор Амадей Гофман (1776-1822 гг.) – (писатель, композитор, художник). «Щелкунчик».

Дж. Верди опера «Аида» (Древний Египет)

Бизе «Кармен»

Моцарт «Дон Жуан», « Свадьба Фигаро»

Шекспир «Ромео и Джульетта», «Гамлет»

Сервантес «Дон Кихот»

Данте «Божественная комедия»

Романы Ал. Дюма

Общим для романтического мироощущения и в литературе, и в музыке, и в живописи было отображение спокойной, величественной природы как контрастного фона для мятущегося героя. Стали создаваться пейзажные парки.

Романтизм провозгласил ценность человеческой личности и полную свободу художественного творчества от оков классицизма.

Критический реализм во французском искусстве XIX века.

В недрах романтического искусства начала XIX века стал формироваться реализм, связанный с прогрессивными общественными настроениями, нацеленный на полное отражение реальной жизни.

Знаменитые произведения и их авторы.

Оноре де Бальзак (1799-1850 гг.) «Шагреневая кожа», «Отец Горио»

Гюстав Флобер (1821-1880 гг.) «Госпожа Бовари»

Реализм XIX века всесторонне развил и углубил воспринятую от романтизма критику материального. Его ведущими принципами являлись объективное отображение существенных сторон жизни, воспроизведение типичных характеров в типичных обстоятельствах, жизненная достоверность изображения, преобладающий интерес к проблеме зависимости личности от общества и истории.

Импрессионизм.

Импрессионизм - (от франц. – впечатление) направление в искусстве последней трети XIX – начала XX века, представители которых стремились передать свои мимолетные впечатления и наиболее естественно запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости.

Во французском искусстве второй половины XIX века импрессионизму принадлежит важнейшее место, с ним связаны решительные сдвиги в развитии живописи последующих десятилетий не только во Франции.

В основу своего творчества художники – импрессионисты положили «пейзаж настроения», изображение родной природы и ее постоянно меняющегося состояния.

Клод Оскар Моне (1840-1926 гг.) «Впечатление. Восход солнца»

«Лондонский туман»

«Кувшинки»

Пьер Огюст Ренуар (1841-1919 гг.) «Девушка с веером»

«Белокурая купальщица»

«У моря»

Импрессионизм – чисто французское явление, хотя его предшественниками считаются английские пейзажисты. Это веселое, радостное искусство. Импрессионисты были прямыми продолжателями ясного и светлого мироощущения французского классицизма XVIII века. Они отказались от темных, земляных красок в пользу чистых спектральных цветов.

Постимпрессионизм.

На середину 80-х годов приходится своеобразный перелом в развитии французской художественной культуры. Таким течением стал постимпрессионизм, представленный крупнейшими живописцами конца века - В. Ван Гогом и Полем Гогеном. Они стремились через изменчивую видимость природы передать ощущение ее постоянства.

Винсент Ван Гог (1853-1890 гг.) – художник, создавший максимально яркие художественные образы путем соединения рисунка и цвета («Подсолнухи», «Красный виноградник»).

Поль Гоген (1848-1903 гг.) – пытался передавать внутреннее состояние характера человека («Женщина, держащая плод», «Видение после проповеди»).

Постимпрессионизм – переходный период к стилю модерн.

Художественный стиль модерн.

Сформировавшийся новый стиль получил название модерн (от лат. – новый, современный). Этот стиль – попытка обобщить художественные традиции Запада и Востока, античности и средневековья, классицизма и романтизма.

Главным критерием красоты модерн провозгласил целостность создаваемого художественного образа, начиная с проектирования здания и оформления интерьера панно, витражами, живописью до мебели, светильников, решеток, посуды.

В основных национальных школах он начинался в графике и прикладном искусстве, постепенно втягивал архитектуру, именно в ней он проявился с наибольшей полнотой.

Антонио Гауди (1852-1926 гг.) • Собор Саграда Фамилиа. Барселона

Чарльз Макинтош (1868-1928 гг.) – «баронский стиль» средневековых шотландских замков.

Большое значение в развитии архитектуры сыграло применение металлических конструкций. Стекло и металл стали основой архитектурных форм. Зародилась промышленная архитектура.

Несмотря на богатство художественных идей и множество оригинальных направлений стиль модерн не получил дальнейшего развития. В различных течениях исчезло художественно-образное содержание искусства, исчезло человеческое, нарушились грани, отделяющие одно искусство от другого, это уже не искусство.

Именно поэтому искусство модерна называют «последним большим художественным стилем».

Художественная культура Древней Руси.

Киевская Русь.

Истоки русского национального художественного стиля складывались задолго до принятия Русью христианства в X в. Н.М. Карамзин в «Истории государства Российского», описывая истоки возникновения искусства Древней Руси, рассказывает, как «Владимир, увидев заблуждение язычества, стал искать истины в разных верах». Многие послы рассказывали ему о своих верах, но все не нравились князю. И только философ, присланный греками из Византии, поведал Владимиру историю сотворения мира и велел креститься. После крещения князь построил Каменный храм во имя Богоматери (989-996 гг.). Постройкой храма руководили византийские мастера. Церковь, названная Десятинной, являла собой образ – символ нового мира, в котором предстояло жить русскому человеку.

После смерти Владимира Великого в Киеве стал княжить Ярослав Мудрый. Композиционным центром города является Софийский Собор, ставший самым выдающимся памятником древнерусского зодчества и единственный собор, у которого нет прообраза ни в одной другой стране (25 куполов). Из нутрии храм был украшен мозаикой и фресками, прославляющими царскую власть. (Термин «фреска» (роспись по сырой штукатурке) появился в Италии в XIII веке, все виды стенной живописи в древнерусском искусстве обозначались до этого времени как «стенное письмо»). В тематику входили евангельские сцены и бытовые. В истории византийского искусства знаменитые мозаики собора фигурируют как уникальный по своему значению памятник эпохи Македонской династии, поскольку создавались константинопольскими мастерами. От Византии Киевская Русь восприняла и иконопись.

К шедеврам того времени относятся:

«Спас»

«Великая Панагия»

« Св. Георгий»

«Богоматерь Умиление»

«Архангел Гавриил»

«Устюжское Благовещение»

«Богоматерь Владимирская»

«Дмитрий Солунский»

Все эти иконы написаны в разное время и разными мастерами, но у них много общего (византийского): плоскостное изображение, линейный контур фигур, лик с миндалевидным разрезом глаз, тонкий прямой нос, маленький рот и отрешенный взгляд.

Первым русским иконописцем считается Алимпий (инок Киево-Печерского монастыря, живший в XI-XII вв.).

Древнерусская литература XI-XII веков.

Христианизация Руси во многом способствовала распространению письменности и появлению первых литературных произведений, главным образом религиозного содержания. И все это благодаря двум монахам, болгарским просветителям Кириллу и Мефодию. Составленная ими славянская азбука способствовала образованию единой культуры, общей для нескольких стран: Болгарии, Руси, Сербии, Моравии.

К концу X – началу XII вв. уже существовало несколько жанров: проповеди, летописи, жития святых. Первыми являлись «Речь философа» (для князя Владимира) и «Слово о Законе и Благодати».

В первом – изложении всемирной истории от сотворения мира до Выбора Владимиром новой веры. Второе – о равноправности народов.

Выдающимся литературным памятником, относящимся к летописному жанру, является «Повесть временных лет» монаха Киево-Печерского монастыря Нестора (≈ 1113 г.).

К жанру житейской литературы относятся «Поучения» Владимира Мономаха. Основная тема древнерусской литературы – смысл человеческой жизни.

Древнерусская литература ближе к фольклору, она анонимна и создавалась путем накопления опыта, кроме «Слова о полку Игореве», написанного, по мнению специалистов, одним человеком. Это лиро-эпическое

произведение с элементами ораторской речи, с использованием слов и выражений народной речи, повод для горьких размышлений о судьбах Русской земли, призывом к объединению и защите родной земли. Для крестьян книга являлась символом Божественного завета, рукописи всегда украшали очень богато.

Русское искусство в период феодальной раздробленности.

Со смертью Ярослава в 1054 г. строительная деятельность в Киеве не прекратилась, но люди не стали возводить колоссальных сооружений. Наряду с монастырями на Руси строились храмы, называемые соборами: земельные и придворно-княжеские.

XII-XIII вв. – противоречивый и трагический период в истории Руси. С одной стороны, это время высочайшего развития искусства, с другой – почти полного распада Руси на отдельные княжества.

При Юрии Долгоруком (сыне Владимира Мономаха) сформировался суздальский стиль – белокаменное зодчество. (Церковь Бориса и Глеба).

Андрей Боголюбский (сын Юрия Долгорукого) создал во Владимире «Золотые ворота». Белокаменные фасады соборов украшали резьбой по камню (Церковь Покрова на Нерли).

В 1185 -1189 гг. город Владимир Успенский собор. В нем была помещена самая главная святыня Руси – икона Владимирской Божией Матери, написанная евангелистом Лукой.

Архитектура и иконопись.

Монголо-татарское нашествие жестоко поразило Древнюю Русь. В большинстве городов замерло крупное строительство: прекратилось сооружение городских и монастырских соборов, появился обычай строить небольшие храмы. Новгородские - строились целиком из кирпича или разноцветного булыжника. Украшали храмы кокошниками (дуговые ступенчатые углубления) и мозаичными композициями и фресками снаружи (внутри).

В конце XII в. в иконописи стали накапливаться черты, которые в дальнейшем определили ее особенности: наличие ярких красок, их контрастное сочетание, повествовательность и пристрастие к сюжетным подробностям.

Значительное место занимало так называемое «палатное письмо», т.е. изображение помещения и обстановки. Фон был, как правило, светло-желтым или золотым.

Наряду с иконописью очень интенсивно развивалась книжная миниатюра. Она была созвучна иконам. В Новгороде для украшения книжной миниатюры сложился особый орнамент, состоящий из растений, широких и узких лент, причудливо переплетающихся между собой и переходящих в фантастических полуптиц, полузверей.

Живопись Феофана Грека и Андрея Рублева.

Формирование иконостаса.

Когда на Руси после длительного перерыва стали вновь расписывать храмы фресками, русским художникам пришлось осваивать искусство настенной живописи. Новгород притягивал иноземных мастеров, русичи предпочитали греческих художников. Очевидно, так попал в Новгород Феофан Грек, первый живописец на Руси. Им было расписано около 40 церквей. Идейную основу живописи Феофана составляет мысль о всеобщей греховности, в результате которой человек оказался настолько удаленным от Бога, что может только со страхом и ужасом ожидать прихода своего безжалостного судии. Лик Вседержителя – воплощение карательной силы. Только на Руси Феофан смог осознать, как далеко отстоит реальный земной человек от тех духовных идеалов, на которые ориентировались византийские подвижники. Живопись Феофана является уникальным и обособленным явлением в истории древнерусского искусства, но этот гениальный художник оказал огромное влияние на русскую культуру.

В конце XIV – начале XV вв. древнерусская живопись переживала свой расцвет. Это можно видеть в произведениях русского живописца Андрея Рублева, на все последующие времена определившего стиль иконописи. В основе его творчества лежит иная концепция, чем у Грека. Это философия добра и красоты, гармонии духовного и материального начал. В христианском учении Рублев видел не идею беспощадного наказания грешного человека, а идею любви, всепрощения, милосердия. Его Спас – не грозный и беспощадный судья, а сострадающий, любящий и всепрощающий Бог. Он справедлив и благожелателен, он может примерить противоположность небесного и земного.

Вершиной творчества Рублева является «Троица». Он написал ее в память Сергия Радонежского. Для русских людей идея триединого Бога символ единения. В основе изображения три ангела за трапезой. Очертания круга – символ вечности. За левым ангелом символ «Божественного домостроительства», за средним – дерево, напоминание о кресте. За правым – гора – знак возвышенного. Палитра Рублева – яркие краски: голубизна неба, зелень травы, блеск солнца.

Московская живопись, основы которой заложил Андрей Рублев, лишена драматического оттенка. Он стал также создателем иконостаса – важной детали внутреннего убранства храма. Его формирование началось с присоединения ряда икон, отражающих земной путь Иисуса. Иконостас представляет собой образ церкви. Но если храм есть пространство, то иконостас показывает становление Церкви от Адама до Страшного суда. В нем несколько рядов.

Верхний – Ветхий Завет.

(Средний) Второй – Новый Завет.

(Нижний) Третий – моление Церкви, воссоединение людей с Богом.

В XV-XVI вв. возник дворцовый комплекс Московского Кремля со знаменитым Успенским собором. Главным направлением в живописи Москвы было творчество Дионисия, крупнейшего иконописца после Феофана Грека и Андрея Рублева. Излюбленными его сюжетами были праздничные картины многолюдных торжеств.

Искусство Дионисия стояло на рубеже двух эпох: с одной стороны оно завершало творческие искания художников XV в., с другой – начинало пышную и замысловатую живопись XVI столетия.

Русское искусство XV- XVII вв.

Московское зодчество XV-XVI вв.

В конце XIV в. Москва прочно утвердилась как политический центр северо-восточной Руси. Московский князь Дмитрий собрал общерусское сопротивление Золотой орде. Кафедра русского православия была перенесена в Москву. Здесь началось строительство каменных храмов.

В это время были построены и стоят до сих пор

• Успенский собор в Москве,

• Троицкий собор в Троице-Сергиевой лавре,

• Собор Спаса Нерукотворного в Андронниковом монастыре,

• Собор Рождества Богородицы в Звенигороде.

Все четыре собора одноглавые, построенные из белого камня.

Во второй половине XV в. в годы правления Ивана III произошло дальнейшее укрепление Русского государства. Особое значение Иван III придавал фортификационным сооружениям (оборонительное сооружение, укрепление). Для перестройки Кремля были приглашены миланские инженеры. Были построены и ныне стоящие башни из красного кирпича в 1515 г. (год завершения строительства Московского Кремля). Кремль стал одной из лучших крепостей Европы. Грандиозный дворцовый комплекс Кремля получил завершение после постройки Грановитой палаты, служащей тронным залом для торжественных церемоний и приемов иностранных послов. Декоративное оформление соответствовало отражениям ренессанских тенденций.

Русское искусство XVI в.

Иван III добился объединения русских земель, а при Иване IV было введено на Руси книгопечатание. Самым выдающимся литературным памятником времени Ивана Грозного был Лицевой летописный свод (летопись с рисунком), 10 000 листов и 16 000 миниатюр. Свод включает библейские истории, всемирную историю, летопись Руси, повести и сказания. Это своеобразная историческая энциклопедия Московии.

Ориентация на русскую старину проявилась в появлении столпообразных шатровых храмов (Храм Вознесения в Коломенском).

Время правления Ивана Грозного нельзя назвать счастливым для русской живописи. Гармония образов, святящаяся палитра Андрея Рублева и Дионисия сменились маловыразительными иллюстративно-аллегорическими образами. Создавались фрески на исторические сюжеты, иллюстрирующие идею божественного происхождения царя. Появились первые опыты исторического портрета. Свидетельством служат изображения русских царей на фресках Грановитой палаты, считающиеся ранним опытом древнерусской портретной живописи.

В 1598 г. царем стал Борис Годунов. Желая прославить свое имя, он развернул строительные работы в Кремле, где построил Колокольню Ивана Великого и несколько соборов Донского монастыря, Ипатьевского.

В XVI в. возникла строгановская школа иконописи («мелочное письмо») – изысканный мелкий рисунок, богатство красок, правдивое изображение природы. Это были первые образцы русской пейзажной живописи, хотя и с библейскими образами. Иконы строгановской школы занимают особое место в древнерусской живописи, это драгоценные изделия, предназначавшиеся не столько для храма, сколько для сокровищницы.

Русское искусство при первых Романовых.

Последним этапом древнерусской истории был XVII в.. Он же явился началом нового периода в истории русского искусства. Под влиянием Запада в России возникают первые театральные представления, в литературе на первый план выходят произведения светского характера, светская музыка, гонимая церковью, начинает пользоваться все большей популярностью.

Главными объектами гражданского строительства стали кремлевские дворцы: Теремной, Потешный и Патриарший. Основными зодчими были Бажен Огурцов и Антип Константинов.

В XVII в. строили много деревянных церквей, но гражданские постройки ориентировались на западноевропейские образцы со свойственной строгой симметрией в построении зданий. Новый архитектурный стиль получил название «нарышкинского барокко» (пышный стиль с кружевным орнаментом), (Храм Архангела Гавриила, трапезная Троице-Сергиевой Лавры).

Огромную роль в развитии русской живописи XVII в. сыграли мастерские Оружейной палаты московского Кремля, по существу первой Академии художеств. В этот период происходит осознанное разделение светской и религиозной живописи, поэтому изографы подразделялись на иконописцев и живописцев.

Среди иконописцев самое видное место занимает Симон Ушаков (1626-1686 гг.). В своих иконах изображал реальную пространственную среду, соблюдал естественные пропорции лица, объемную форму.

Большого расцвета достигло ювелирное и декоративно-прикладное искусство, что пополнило царскую казну и атрибуты власти. В Оружейной палате изготовляли уникальные образцы парадного оружия. Широкое распространение получила декоративная роспись по эмали. Высокого искусства достигла живопись иглой, продолжившая традиции русских вышивальщиц XV в. Свои изделия мастера украшали жемчугом, золотыми и серебряными нитями.

Придворные круги, при кажущемся западничестве, не желали отказываться от старых художественных традиций, и только преобразования Петра I европеизировали Русь.

Русское искусство XVIII в.

«Петровское барокко».

Петровское время (реформы) явилось переломным для всей русской жизни, оно обозначило переход от средневековья к новому времени с ориентацией на Западную Европу.

Основы нового искусства закладывались в Москве. Церковь в Дубровицах, церковь Архангела Гавриила (Меншикова башня), Лефортовский дворец были результатами петербургского стиля, отражавшего личные вкусы Петра.

Город, заложенный на Неве и названный Петербургом в честь святого апостола Петра, должен был воплотить мечту о новом идеальном городе. Петр замыслил его как портовый город – крепость, вариант Голландского искусства, но в результате вышло свое, особенное. Петербургский стиль – это особое ощущение пространства и исторического времени. Улицы в силу отсутствия подъемов и спусков, становятся как бы интерьером города. Сады и площади «встраивали» в плотные линии домов, что служило выражением горизонтальности города. Характерные элементы городского пейзажа – шпили Петропавловской крепости, Адмиралтейства и Михайловского замка – являются перпендикулярными к горизонтальным линиям города.

Уникальность петербургского стиля в том, что город поднялся по воле одного человека за четверть столетия и почти сразу же в камне. В сравнении, Москва, раскинувшаяся «на семи холмах» росла стихийно вокруг исторического центра в течение многих веков. Петербург был заложен в 1703 году.

Главной достопримечательностью города и его первой выдающейся постройкой является Петропавловский собор (авт. Доменико Трезини – итал.). Главное идейное содержание этого памятника сводилось к прославлению государственной мудрости и военных успехов Петра I. Скромный, практичный, с нарядной архитектурой.

Следующее творение – Летний дворец Петра с летним садом, фонтанами и беседками. Подстриженные кустарники, античные статуи,

место, где устраивались ассамблеи и празднества.

Постепенно вкусы Петра стали склоняться к Франции, чему свидетельство строительства Петергофа и Эрмитажа.

В петровскую эпоху получили развитие новые области изобразительного искусства: портретная живопись, графика, миниатюра по эмали.

Первыми русскими живописцами были:

Иван Никитич Никитин (1690-1742 гг.)

Андрей Матвеевич Матвеев (1704-1739 гг.)

Алексей Федорович Зубов (1682-1751 гг.).

Новым для России видом искусства являлась гравюра (франц.- вырезать) – печатное воспроизведение рисунка, вырезанного на деревянной доске или вытравленного на металлической пластине. Особенность гравюры состоит в возможности ее тиражирования: с одного рисунка много оттисков – эстампов.

«Елизаветинское рококо».

К концу царствования Петра придворная культура тяготела к роскоши и пышности осуществить то, что задумал Петр, оказалось под силу его дочери Елизавете. В годы ее царствования франко-итальянское влияние достигло апогея, придав русской культуре радостное настроение и красочность. Излюбленным орнаментом Елизаветы являлся рокайль (раковина), поэтому в оформлении дворцовых интерьеров, ювелирных украшениях, сервизах и мебели широко использовался стиль рококо.

Одним из выдающихся архитекторов того времени был Франческо Бартоломео Растрелли (1700-1771 гг.) (итал.). Он создал Зимний дворец, Воронцовский дворец, Смольный монастырь, перестроил Царскосельский дворец, достроил Петергоф. Характерной чертой его интерьеров являются светский, увеселительный, праздничный облик.

Особенности, присущие елизаветинской архитектуре, находили своеобразное отражение в литературе, а именно в жанре торжественной оды. Выдающимся представителем эпохи является Михайла Васильевич Ломоносов (1711-1765 гг.) – автор трех штилей: высокий – трагедия, поэма, ода; средний – послание, сатира, элегия, драма; низкий – комедия, басни, песни.

Изобразительное искусство того времени характеризовалось многообразием жанров. В живописи утвердился портрет, в котором прославился И.Вишняков.

Оплотом классицизма была Академия художеств.

В 1752 г. М.В. Ломоносов основал фабрику цветного стекла с производством художественной посуды. Было налажено производство фарфоровых расписных изделий. Первооткрывателем фарфора в России стал Дмитрий Иванович Виноградов (1720-1758 гг.).

Искусство второй половины XVIII века.

C вступлением Екатерины II на российский престол начался новый этап в развитии русской культуры, ее сближения с европейской.

Мода на античность и классицизм ярко проявилась в архитектуре. Получили свое дальнейшее развитие принципы градостроительства, симметрия, началось сооружение гранитных набережных, зданий общественного назначения. Первым из них стала Академия художеств (заложена Елизаветой), официально открытая в 1764 г. В это же время в 1757 г. был построен Малый Эрмитаж.

Все архитекторы были иностранцами. В Петербурге строили дворцы, набережные, летние сады, мосты, фонтаны.

Перенесение столицы и основание Петербурга сыграло в истории русского зодчества решающую роль. Архитектура стала развиваться двумя направлениями: петербургским и московским.

Выразителем вкусов москвичей стал Матвей Федорович Казаков (1738-1812 гг.) – создатель архитектурного облика города.

В соответствии с требованиями классицизма произошли изменения и в живописи.

Исторический жанр, библейские сюжеты

– Антон Павлович Лосенко (1737-1773 гг.).

Портретисты: Федор Степанович Рокотов (1735-1808 гг.)

Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735-1822 гг.)

Владимир Лукич Боровиковский (1757-1825 гг.)

Пейзажисты: Федор Яковлевич Алексеев (1753-1824 гг.)

Сильвестр Феодосьевич Щедрин (1745-1804 гг.)

Вторая половина XVIII в. – резкий скачок в развитии музыки. Русская музыка дала мощный импульс дальнейшему развитию национальной оперы и русского романса.

В годы правления Екатерины II возросло значение периодической печати (литературные, философские, сатирические журналы).

Огромной популярностью пользовались произведения зарубежной литературы. Многие коллекционировали книги.

«Золотому веку» Екатерины II в России нет аналогий. Нигде в Европе не удалось достичь такого великолепия, как архитектурные ансамбли Петербурга и его пригородов.

Русский классицизм – это великое явление в истории мирового искусства.

Русское искусство XIX века.

Искусство первой половины XIX века.

Первая половина XIX в. – время расцвета русской художественной культуры, получившей мировое признание.

Литература: А.С. Пушкин

А.С. Грибоедов

И.А. Крылов

Н.В. Гоголь

М.Ю. Лермонтов

В.А. Жуковский

Е.А. Баратынский

Музыка: М.Ю. Глинка «Жизнь за царя», «Руслан и Людмила»

Архитектура: А.Н. Воронихин – Казанский Собор. (Андрей Никифорович)

А.Д. Захаров – Адмиралтейство (Андрей Дмитриевич)

Карл Росси – Ансамбль Дворцовой площади, Михайловский дворец на Марсовом поле.

Живопись: О.А. Кипренский

К.П. Брюллов

А.А. Иванов

П.А. Федотов

А.Г. Венецианов

Такой расцвет всех видов искусства во многом был обусловлен подъемом патриотических чувств русского народа в войне с Наполеоном, ростом национального самосознания. Весь «золотой век» русской культуры отмечен гражданской верой в великое предназначение человека.

В царствование Александра I в Петербурге была построена значительная часть выдающихся архитектурных сооружений: Казанский собор и Адмиралтейство. Но постепенно стиль «александровского классицизма» в русской архитектуре стал перерастать в ампир («стиль империи», зародился во Франции и ориентировался на формы искусства императорского Рима).

Главным выразителем русского ампира был архитектор Карл Росси (Ансамбль Дворцовой площади, Михайловский Дворец, Александринский театр).

В начале века большое развитие получила совершенно новая для русского искусства мемориальная пластика (русское ампирное надгробие) - Иван Петрович Мартос. Он же автор монумента Минину и Пожарскому на Красной площади в Москве.

Во время царствования Николая I был построен Исаакиевский собор (авт. Огюст Монферран). В эту эпоху развивалось течение «национального романтизма», охватившего всю Европу после наполеоновских войн.

Демонстрация партии живописцев первой половины XIX века.

Творчество Глинки, в котором отражены сцены народной жизни, народный характер, чувства и переживания отдельного человека, способствовало дальнейшему развитию музыки по пути реализма.

Искусство второй половины XIX века.

Годы царствования Александра II, придававшего большое значение в культурной жизни «самостоятельности народного духа», были временем поисков национального пути в искусстве и острых социальных тем. Появились разночинцы и революционно настроенная интеллигенция.

Главным в русской живописи стало преобразование нравственного и социального начал над художественным. Эта особенность проявилась в творчестве демократически настроенных художников.

В 1870 г. возникла организация «Товарищество передвижных художественных выставок» (Передвижники). С их появлением началась связь между русским обществом и русскими художниками.

В.Г. Перов	А.И. Корзухин
И.Н. Крамской	Н.В. Неврев
Г.Г. Мясоедов	И.П. Богданов
В.М. Максимов	Н.А. Ярошенко
К.А. Савицкий	И.Е. Репин
И.М. Прянишников	В.И. Суриков
М.П. Клодт	В.М. Васнецов
К.Е. Маковский	И.И. Шишкин
Н.Н. Ге	А.И. Куинджи
А.К. Саврасов	В.Д. Поленов
Л.Л. Каменев	Н.Н. Дубовской
А.П. Боголюбов	Н.Д. Кузнецов
В.Е. Маковский	С.В. Иванов
Е.Е. Волков	А.Е. Архипов
И.И. Левитан	В.А. Серов
Н.А. Касаткин	И.С. Остроухов
М.В. Нестеров	И.К. Айвазовский (маринист)
А.С. Степанов
А.М. Васнецов
В.Н. Бакшеев

Особое внимание надо уделить личности П.М. Третьякова, основателя известной Картинной галереи.

Русская музыка дала следующих композиторов:

П.И. Чайковский	«Лебединое озеро», «Евгений Онегин»
М.П. Мусоргский	(Модест Петрович) «Борис Годунов»
Н.А. Римский-Корсаков
А.П. Бородин	«Князь Игорь»

Самой выдающейся постройкой того времени был храм Христа Спасителя в Москве (арх. Константин Александрович Тон). Храм воплощает собой православие, самодержавие, народность. Стилистически в нем соединились элементы византийской, киевской, владимирской архитектуры. В целом же архитектура этого периода характеризуется отсутствием стиля, что получило дальнейшее развитие в период царствования Александра III.

Русское искусство конца XIX- начала XX века.

На рубеже веков возник последний большой стиль модерн, главным содержанием которого стал отказ от реализма передвижников к культу красоты как единственной ценности и стремление к художественному синтезу всех видов искусства.

Литература Живопись

Ф.К. Сологуб В.М. Васнецов

К.Д. Бальмонт М.В. Нестеров

А.Н. Белый Е.Д. Поленов

А.А. Блок В.А. Серов

С.А. Есенин И.Э. Грабарь

А.П. Чехов М. Врубель

М. Горький

В 1907 году в Москве открылась первая выставка русского авангарда.

Музыка

А.Н. Скрябин

Самая характерная черта «русского стиля» - провозглашенная

Ф.М. Достоевским «всемирная отзывчивость» русских, их постоянная готовность учиться у других народов, принимая культурные формы, придавая им размах и масштабность, соответствующие пространствам России.

Историческая последовательность стилей.

1. Архаика.

2. Классика.

3. Эллинизм.

4. Помпезный стиль.

5. Византийский.

6. Романский.

7. Готика.

8. Возрождение.

9. Маньеризм.

10. Барокко.

11. Классицизм.

12. Рококо.

13. Просвещение: классицизм,

реализм,

сентиментализм.

14.Романтизм.

15.Критический реализм.

16.Импрессионизм.

17.Модерн.

65