Россия, Нефтеюганск
СДЕЛАЙТЕ СВОИ УРОКИ ЕЩЁ ЭФФЕКТИВНЕЕ, А ЖИЗНЬ СВОБОДНЕЕ
Благодаря готовым учебным материалам для работы в классе и дистанционно
Скидки до 50 % на комплекты
только до
Готовые ключевые этапы урока всегда будут у вас под рукой
Организационный момент
Проверка знаний
Объяснение материала
Закрепление изученного
Итоги урока
Была в сети 15.04.2025 14:07
Рипп Лариса Васильевна
Учитель русского языка и литературы, классное руководство
577
90 155 
Местоположение
Специализация
Книга "Деятельницы искусств".Проект Шимельфених А.,Воронянской Ю,11В класс
Категория:
Искусство
10.11.2024 22:06
Просмотр содержимого документа
«Книга "Деятельницы искусств".Проект Шимельфених А.,Воронянской Ю,11В класс»
Воронянская Юлия, Шимельфених Анастасия.
ДЕЯТЕЛЬНИЦЫ ИСКУССТВА
2023
© Составление. А.Р. Шимельфених, Ю. С. Воронянская.
© Иллюстрации. А. Р. Шимельфених.
Введение 4
ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО 5
Софонисба Ангвиссола 6
Лавиния Фонтана 10
Артемизия Джентилески 14
Ангелика Кауфман 18
Сара Биффен 22
Икэ Гёкуран 25
Уэмура Сёэн. 28
Фрэнсис Макдональд 30
Мария Башкирцева. 33
Зинаида Серебрякова 37
Людмила Маяковская 40
АРХИТЕКТУРА 43
Марион Махони Гриффин . 44
Елисавета Начич. 47
Элизабет Уитворт Скотт 48
Заха Хадид 49
Кадзуо Сейдзима 52
Аманда Ливит – 53
Лина Бо Барди 55
Антонина Пирожкова 57
Нина Александровна Алёшина. 58
Галина Балашова. 60
СКУЛЬПТУРА 63
Проперция де Росси 64
Мари–Анна Колло 66
Мария Львовна Диллон. 68
Мэри Эдмония Льюис 71
Анна Семёновна Голубкина . 73
Вера Игнатьевна Мухина 75
Луиза Буржуа. 78
Кэролайн Шоук Брукс 80
Джанет Эчельман 82
Лу Пинь . 84
ЛИТЕРАТУРА 85
Сапфо 86
Джейн Остин 87
Маргарет Митчел 89
Зинаида Гиппиус 90
Агата Кристи 93
Заключение 96
Источники 97
Введение
Ни любопытства, ни тоски.
Ни в ком не вызвал мой удел.
Никто не подал мне руки,
Никто в глаза не поглядел.
Иссяк фантазий дивный пыл,
Надежда обратилась в прах,
И дальше опыт мне открыл,
Что правды нет в людских сердцах.
О жизнь — как страшно было в ней
Зреть лицемерье, фальшь, разврат:
Бежать в себя и — что страшней —
В себе найти весь этот ад.
Эмили Бронте.
Эта книга – коллекция прекрасных работ и сложных, тяжелых судеб женщин, создававших искусство.
Разумеется, невозможно перечислить каждую – о многих мы даже не знаем. Всё же, здесь мы постарались собрать как можно больше историй, каждая из которых является уникальной, интересной и незабываемой.
В данном собрании специально не выделен определённый период, потому что нам хотелось показать, как трудились и боролись женщины на протяжении всей истории искусства.
Созданием этой книги нам бы хотелось отдать дань уважения тем великим женщинам, которые, несмотря на многие трудности, творили искусство и сами являлись его частью.
Истории этих людей не должны быть забыты. Эта книга – небольшой шажок на пути к повышению видимости женщин в искусстве.
В 1532 году в Итальянском городе Кремона в аристократической семье Амилькара Ангвиссолы на свет появилась девочка. Её назвали Софонисба. Другим еще шестерым детям родители тоже дали красивые и необычные имена: Минерва, Лючия, Елена, Эуропа, Анна-Мария, Газдрубал.
Отец остался один, его жена погибла после родов. Он постарался дать детям не только прекрасное образование, но и предоставить им все возможности для творчества. И не ошибся – дочь и сын стали литераторами, а остальные пять дочерей живописцами.
Мы понимаем, что дать полноценное художественное образование девочкам никто не мог. Женщинам было запрещено изображать мужскую и женскую натуру и учиться писать с нее, а также изучать анатомию, нельзя писать многофигурные полотна. Неприличным считалась работа в мастерских вместе с художниками мужчинами. Но Ангвиссола была очень способной ученицей и старалась получить образование, как могла.
В ранние годы Софонисба копировала некоторые работы своего учителя Бернардино Кампи, оттачивая мастерство в религиозных сюжетах (как бы не с натуры).
«Оплакивание Христа» учителя Кампи (слева) и ученицы Софонисбы (справа), 1550 год
«Бернардино Кампи, рисующий Софонисбу Ангиссолу»
Юной художнице было 18 лет, когда она написала эту работу. Примечательно, что учитель выглядит живым, более реальным, чем она, якобы написанная от его руки. Вся эта сцена — перспектива Софонисбы, и оба двухмерных героя оглядываются на неё. Софонисба является центром картины. Это показывает, что она не является продолжением руки Кампи, не он ее создатель, как некоторые считали.
Занятия с Микеланджело
Художница отправилась в Рим. Отец Софонисбы всё подстроил так, чтобы мастеру попался на глаза рисунок авторства её дочери — улыбающаяся девочка. Микеланджело хмыкнул и сказал, что нарисовать плачущего мальчика намного сложнее. Считается, что нарисовать разницу между крайними эмоциями спектра (например, грусть и смех) сложно: структурно эти выражения лица очень похожи, и задача художника —выделить более мелкие различия с помощью деталей. Софонисба справилась. Взамен Микеланджело два года обучал ее (вместе с пожилой компаньонкой, одной вместе с мужчиной находиться было неприлично). Джорджо Вазари уважал Софонисбу и однажды сказал: «If women know so well how to make living men, what marvel is it that those who wish are also so well able to make them in painting». Иными словами, раз женщины умеют давать людям жизнь, то, что же удивительного в том, что они также хорошо умеют создавать их в живописи.
Придворная художница
Через несколько лет слава знаменитой портретистки разнеслась по всей Италии. Пожелал иметь свой портрет и герцог Альба – прославленный испанский полководец. Он порекомендовал художницу своему патрону – испанскому королю Филиппу II
Следующие 15 лет она провела при испанском дворе: учила Елизавету Валуа и писала портреты испанской семьи. Недавно одному из популярных портретов Филиппа II, ранее ошибочно приписываемого кисти А.С. Коэльо, вернули авторство Софонисбы.
Нет сомнений, что автором портрета Елизаветы де Валуа является Софонисба Ангвиссола. Это был персональный заказ самого Папы римского Пия IV. После, он ответил художнице лично, заверив, что портрет включён в состав самых дорогих вещей и одобрив юный талант.
«Игра в шахматы» 1855 г.
«Портрет Елизаветы де Валуа»
«Портрет Бьянки Понцони» 1557 г.
«Испанские принцессы Исабель и Каталина»
«Игра в кости»
«Портрет испанской принцессы Каталины Микаэлы Австрийской»
Жизнь в Италии
На корабле по пути в Кремону художница познакомилась с капитаном. Его звали Горацио Ламелино. Ей было 47, ему 32. Софонисба и Горацио безумно любили друг друга прожили вместе долгих 45 лет. Он делал для своей обожаемой супруги всё, что было в его силах.
После венчания он построил большой дом в Генуе, в котором оборудовал живописную мастерскую. Там Софонисба могла спокойно работать и принимать учеников, среди которых был и молодой живописец Антонис ван Дейк.
« Портрет молодой женщины в профиль»
Сколько Ангвиссола создала работ, точно неизвестно. Некоторые из её полотен ошибочно приписываются именитым мастерам Эпохи Возрождения или её ученикам, ведь она почти никогда не оставляла автографа. Свои полотна художница не продавала – торговать искусством ей не позволяло аристократическое происхождение. Она создала свой собственный стиль, которому многие художники стремились подражать. Её успех открыл путь в художники другим женщинам эпохи Ренессанса, таким как Лавиния Фонтана, Барбара Лонги, Феде Галиция и Артемизия Джентилески.
«Автопортрет»
Последние годы
Последний автопортрет художница написала в возрасте 88 лет, уже почти лишившись зрения.
Софонисба Ангвиссола умерла в возрасте 93 лет. Горацио Ламелино скорбел о любимой супруге до самой своей смерти, а в год столетнего юбилея Софонисбы установил на её могиле памятник. Надпись гласила: «Софонисбе – одной из знаменитых женщин мира, умеющий создавать настоящие портреты. Горацио Ламелино, страдающий от потери своей великой любви, посвящает эту скромную дань величайшей женщине!»
«Автопортрет»
Лавиния Фонтана - болонская художница-маньеристка (1552 – 1614)
Лавиния Фонтана обучалась у своего отца Просперо Фонтана. Просперо был успешным живописцем, который работал в Риме и Флоренции. В качестве художника-портретиста он был представлен самим Микеланджело папе Юлию III и некоторое время даже получал жалованье от папского престола.
Лавиния считается первой профессиональной художницей в Западной Европе, поскольку ее доход зависел от продажи картин, при этом она работала вне женского монастыря.
Отец также повлиял на замужество Лавинии. Как отмечает историк Кэролайн Мёрфи, «он понимал, что для того, чтобы женщина могла работать публично, без прикрытия в виде аристократического двора или монастыря, чтобы она могла достичь почётного статуса, ей требовался муж…». Отчасти по настоянию отца Лавиния вышла замуж за его ученика, которого звали Джан Паоло Заппи. Он согласился переехать в дом Просперо, чтобы не разбивать семью и позволить своей жене продолжать обучение у отца. В браке у них родилось 11 детей.
В течение 20 лет, начиная с 1580-х, Лавиния была портретистом и достигла самой большой известности, как автор портретов дам высшего общества Болоньи.
Ее шедевром считается «Автопортрет за клавикордами со слугой». Картина была написана в качестве подарка семье Заппи на помолвку.
«Изабелла Рейн в роли Венеры»
«Автопортрет за клавикордами со слугой».
«Портрет Констанцы Алидози»
В дополнение к портретам, позже она создала крупномасштабные картины на религиозные и мифологические темы. Мифологические картины Лавинии, на которых изображены обнаженные фигуры, все чаще изучаются искусствоведами. Считается, что работы Фонтаны с мифологической живописью представляет собой, возможно, первое участие женщины-художника в этом жанре. Ранняя картина "Христос с символами Страстей Христовых", написанная в 1576 году, сейчас находится в Музее искусств Эль-Пасо.
«Христос с символами Страстей Христовых»
«Успение Богородицы»
«Мистический Брак Святой Екатерины со Святыми Франциском, Иосифом и Младенцем Святым Иоанном Крестителем»
«Спящие младенцы»
«Святое Семейство со спящим Младенцем, маленьким Иоанном Крестителем и Елизаветой»
«Святое семейство»
«Поклонение волхвов»
Лавиния Фонтана была приглашена Римским папой Клементом VIII в Рим, где написала картину «Мученичество святого Петра» для церкви Сан Паоло Фьори. В 1604 году она вновь приезжает в Рим и становится официальной художницей-портретисткой в суде Римского папы Павла V. В 1611 году скульптор и архитектор Феличе Антонио Казони преподнес ей бронзовый медальон с ее портретом.
Её крупнейшая работа — алтарный образ «Мученичество Святого Стефана» (1604) для церкви Сан-Паоло фуори ле Мура сгорела во время пожара.
«Юдифь и Олоферн»
Некоторые картины Лавинии Фонтаны были ошибочно приписаны Гвидо Рени. Например, это «Венера», «Богородица, поднимающая вуаль над спящим младенцем Христом» и «Визит царицы Савской к царю Соломону». На данный момент историки нашли записи о ста работах художницы, но пока обнаружены лишь 32 подписанных и датированных произведения. Существует ещё 25 картин, которые с высокой степенью вероятности могут быть приписаны ей. Таким образом, наследие Фонтаны может считаться самым обширным среди всех женщин-живописцев до 1700 года.
Лавиния является первой женщиной, которая была избрана в римскую Академию.
«Визит царицы Савской к царю Соломону»
Лавиния Фонтана, литая медаль, Феличе Антонио Казоне
Артемизия Джентилески— итальянский живописец XVII века, яркая представительница эпохи Барокко и талантливая караваджистка. (1593-1653)Артемизия Джентилески — первая женщина, ставшая членом флорентийской Академии живописного искусства. Творчество художницы посвящено религиозной и портретной живописи. Она часто изображала на картинах женщин, повергшихся насилию, и смелых мстительниц, жестоко отплативших обидчику.
Артемизия Джентилески — дочь известного римского мастера Орацио Джентилески. Мать Артемизии умерла, когда дочери было 12 лет. Отец был грубым, властным и распутным человеком. Несмотря на это, он дал ей основы художественного образования.
Девушка постигла в отцовской мастерской основы живописи и научилась передавать светотень в манере Караваджо.
«Автопортрет»
Караваджизм - стиль в живописи конца XVI начала XVII веков, сочетающий силу реализма и драматизм барокко. Он легко узнаваем благодаря выразительным цветовым контрастам и использованию красно-чёрных доминант. Также его называют «борьбой света и тьмы».
«Автопортрет»
Уже в 17 лет девушка создала «Сусанну и старцев». Артемизии хотелось развиваться, поэтому отец нашел ей наставника, пейзажиста Агостино Тасси. Он надругался над Артемизией.
Девушка настояла на том, чтобы отец подал в суд на Тасси. Последующий суд зафиксирован в мельчайших подробностях в документах, обнаруженных в 1876 году. Эти протоколы — яркая иллюстрация ужасного отношения к женщинам в Риме начала XVII века. Артемизию представили развратницей, подвергли унизительному гинекологическому осмотру на публике, а также пытали «сибиллой» (обмотанной вокруг пальцев и туго натянутой верёвкой), чтобы подтвердить показания.
Выдержав расследование и дознания под пытками, девушка победила — Тасси признали виновным и приговорили к одному году тюрьмы. Так, художница создала одно из самых эмоциональных произведений — «Юдифь, обезглавливающую Олоферна». Картину можно назвать двойным портретом: Юдифь художница писала с себя, а Олоферна — с насильника. Жертва, жестокая как настоящий убийца, наказывает обидчика, твердой мускулистой рукой отрезая ему голову.
Вскоре после суда Орацио выдал дочь за Пьерантонио Стьяттези. Супружеская пара сразу после свадьбы выехала во Флоренцию. Во Флоренции художница завоевала благосклонность и покровительство могущественного Козимо II Медичи, подружилась с Кристиной Лотарингской. Артемизия дружила с Галилео Галилеем — оба были членами Академии и были связаны с Великим герцогским двором во Флоренции. Интересно, что изображение брызг крови на картине «Юдифь, обезглавливающая Олоферна» согласуется с его открытием параболического пути снарядов.
«Юдифь, обезглавливающая Олоферна» 1614-1618 г.г.
Последующие семь лет Артемизия практически всё время была беременна. К сожалению, трое её детей умерли, не прожив и года. Ещё один мальчик скончался в пятилетнем возрасте. Выросла лишь дочь Пруденция, которую женщина назвала в честь своей матери.
Супруг стал ее распорядителем, из-за того, что женщинам не позволялось самостоятельно брать крупные заказы, заключать договора, покупать холсты и краски. Добившись членства в Академии искусств, художница сравнялась в юридических правах с мужчинами.
«Юдифь и голова Олоферна» 1618-1619 г.г.
«Юдифь и служанка» 1623-1625 г.г.
Артемизия ушла от мужа, забрав дочь (что для тех времен было страшным поступком). И художница, наконец-то, получила то, о чем мечтала всю жизнь — возможность быть независимой и успешной, зарабатывая на жизнь собственным трудом.
«Мария Магдалена»
Художница добилась небывалых высот. Среди заказчиков Артемизии Джентилески были Людовик XIII, Карл I, Мария Медичи и герцог Баварский.
В Неаоле Артемизия открыла мастерскую и художественную школу. Потом она согласилась на переезд в Лондон и на сотрудничество с родным отцом, работавшим над росписью королевского дворца в Гринвиче.
«Иаиль и Сисара»
В своей решимости быть равной коллегам-мужчинам Артемизия уверяла, что «имя женщины вызывает сомнения, пока её работы не увидят», а её творения «будут говорить сами за себя». Всего несколько месяцев спустя она написала фразу, которая стала крылатой в наши дни: «Я покажу вашей светлости, на что способна женщина».
«Эфирь перед Артаксерксом»
«Автопортрет в образе Святой Екатерины»
«Поклонение волхвов»
Ангелика Кауфман - одна из двух женщин - основателей Королевской академии искусств в Лондоне в 1768 году. (1741 – 1807 г.г.)Ангелика Кауфман родилась 30 октября 1741 года в швейцарском городе Кур, но ее детство прошло в Австрии. Девочка была единственной дочерью австрийского художника-монументалиста. Она овладела несколькими иностранными языками (английским, французским, итальянским и немецким). Уже в 12 лет она писала на заказ портреты представителей знати и духовенства, а также Ангелика мечтала стать певицей. Так как карьера певицы тогда считалась непристойной для девушки, отец настоял на профессии художницы
«Автопортрет с музами»
«Автопортрет с бюстом Минервы»
Так и вышло, что мир не знает никакой певицы Ангелики Кауфман – хотя и спустя много лет ее друг, археолог и историк искусства Иоганн Иоахим Винкельман, утверждал, что «она могла бы посоперничать с нашими виртуозами». Зато по всей Европе гремело имя художницы Ангелики Кауфман – одной из самых образованных женщин своего времени, создательницы великолепных портретов и роскошных мифологических сцен.
«Зевксис выбирает модель для Елены Троянской»
«Ариадна, покинутая Тесеем»
По приглашению английского посла и его супруги Ангелика с отцом отправились в Лондон, где прожили почти пятнадцать лет. Она стала стала одной из двух женщин-учредительниц Королевской академии вместе с Мэри Мозер. Интересный факт: на групповом портрете членов Королевской академии в Лондоне 1772 г. присутствуют все члены академии перед двумя обнаженными натурщиками. За одним важным исключением: единственные женщины-академики, Ангелика Кауфман и Мэри Мозер, из соображений пристойности присутствуют только в виде своих портретов, висящих на стене.
Иоганн Цоффани «Члены королевской академии»
У нее сложились сложные отношения с модным в те годы художником Джошуа Рейнольдсом. Он хвалил ее работы, они взаимно написали портреты друг друга, но чувства художника остались безответными. В Лондоне Ангелика крайне неудачно вышла замуж, став жертвой брачного афериста. Есть версия (вдохновила Виктора Гюго на создание драмы «Рюи Блаз»), что этому поспособствовал обиженный Рейнольдс, который сначала подговорил амбициозного молодого знакомого очаровать художницу, назвавшись графом, а потом торжественно раскрыл обман. Тот же самый Рейнольдс впоследствии написал портрет Кауфман со своеобразным жестом, намекающим на распутство.
«Телемах на острове Калипсо»
«Суд Париса»
При всей своей любви к исторической живописи, Кауфман не всегда достигала в своих работах желаемого уровня, поскольку женщинам не разрешалось работать с обнаженной натурой. В то же время ей удивительно удавались портреты – изысканные оттенки, тонкий психологизм, безупречная композиция. Кроме того, Кауфман увлекалась энкаустикой, успешно пробовала себя в гравюре, занималась тем, что сейчас назвали бы дизайном – придумывала мебель, оформляла интерьеры, разрабатывала орнаменты для посуды. В ее творческом багаже были и монументальные церковные фрески, и миниатюры.
«Ризничий и Анжелика»
«Женщина заплетает свои волосы»
Ангелика после второго замужества отправилась в Рим и открыла там собственную студию, пользовавшуюся большой популярностью. Кауфман тепло дружила с Иоганном Вольфгангом Гете и многими другими знаменитыми поэтами, философами, художниками и писателями. Ей заказывали работы монархи со всей Европы – не избежал этого соблазна и российский император Павел I, а его супруга писала миниатюры с картин «мисс Ангел». Ее заказчиками также были император Священной Римской империи Иосиф II, монархи Неаполя и Польши, Папа Пий VI и другие высокопоставленные персоны Европы и России.
«Портрет дамы в образе девственницы-весталки»
«Живописица преславна, Кауфман, подруга Муз!» - такими словами начинается ода, написанная ей поэтом Гавриилом Романовичем Державиным.
Умерла художница 5 ноября 1807 года, и в процессии ее пышных похорон участвовала вся Академия Святого Луки. В настоящее время работы этой незаурядной женщины хранятся в Эрмитаже, Британской галерее Тейт и других лучших музеях разных стран. В Австрии открыт музей Ангелики Кауфман, а на Венере есть кратер, названный ее именем.
«Портрет Анны Лаудаун, леди Хендерсон Фордел»
«Портрет Марии Каролины фон Эстеррайх
Сара Биффен - английская художница викторианской эпохи, родившаяся без рук и с рудиментарными ногами. (1784-1850)Сара Биффен – маленькая женщина с огромной волей к жизни, которой довелось писать портреты семьи королевы Виктории.
В детстве она демонстрировала чудеса ловкости, выносливости и сообразительности. Она научилась обслуживать себя, чинить одежду, зажимая нитку ртом, но для своей семьи все равно оставалась обузой, ведь работать на ферме она не могла.
«Автопортрет»
Когда ей было двенадцать лет, родители продали Сару в бродячий цирк, которым заправлял человек по имени Эммануэль Дьюкс. Сара оказалась не единственной в этом цирке, кто обладал физическими отличиями. Так называемые «цирки уродов» были тогда на пике популярности. В те годы у человека, родившегося с явной инвалидностью в бедной семье, было два пути – смерть и публичное унижение.
Автопортреты на медальонах
Дьюкс хотел обучить девушку нескольким приемам в рисовании. От нее требовалось написать парочку посредственных этюдов, но Биффен упорно тренировалась между выступлениями, создавая всё новые работы.
Сара научилась рисовать, держа кисть во рту . В этот период она проводила выставки, продавала свои картины и автографы, а также брала плату за вход, чтобы другие могли увидеть, как она шьет, рисует и пишет.
Вскоре люди начали платить не только за то, чтобы просто посмотреть, как лишенная конечностей девушка наносит краски на холст. Они были готовы покупать ее работы! Художница продолжала учиться, совершенствуя технику, точность и красоту исполнения. От набросков и этюдов Сара перешла к изысканным миниатюрам, портретам и пейзажам на слоновой кости.
«Портрет молодой девушки»
В викторианской Англии медальоны с портретом близкого человека (иногда там мог быть лишь искусно выписанный глаз, чтобы гарантировать анонимность), родной местности были безумно популярны. Такими крошеными рисунками можно было любоваться в одиночестве или подарить кому-то близкому. Сара Биффен выбрала для себя нелегкое, но стабильное и довольно денежное дело миниатюриста, создающего рисунки для медальонов. Разумеется, ее работам добавляло ценности еще и то, что написаны они были необычной женщиной. Биффен зажимала ртом крошечную кисть, концентрировалась до предела, работала быстро и качественно – и люди были покупать ее работы.
В 1808 году она выступала на ярмарке святого Варфоломея. Граф Мортон был скептически настроен по отношению к девушке, но попав на представление, он увидел не просто актрису, выучившую несколько движений кистью, а настоящую художницу! Граф был поражен. Он немедленно назначил Саре содержание и нашел ей учителя – художника Королевской академии Уильяма Крейга. Так Сара прямо из бродячего цирка вошла в число художниц Королевской академии.
Ее миниатюры были высоко оценены. В 1821 году Общество художников Королевской академии вручило ей медаль. Семья королевы Виктории заказала ей серию миниатюрных портретов. Граф Мортон помог Саре открыть собственную портретную студию на Бонд-стрит в Лондоне, ее слава гремела по всей Англии, а Чарльз Диккенс упомянул в своих романах «Николасе Кельби», «Мартине Чезлвит» и «Крошке Доррит», а также в «Статье о тарелках».
«Портрет королевы Виктории»
Сохранились гравюры, сделанные с ее автопортретов и портретов авторства других художников.
Граф Мортон умер в 1827 году. Без поддержки благородного спонсора Биффен столкнулась с финансовыми проблемами, когда ее менеджер использовал большую часть ее денег. Королева Виктория наградила ее пенсией по гражданскому списку, и она удалилась к частной жизни в Ливерпуле .
Сара Биффен умерла 2 октября 1850 года в возрасте 66 лет.
Родители дали ей имя при рождении Мати (町). В детстве ей дали художественное имя Гекуран, что означает "Волны драгоценных камней"
Этот пейзаж составляет пару с аналогичной работой, созданной мужем художницы. В истории японской живописи было несколько знаменитых пар, которые вместе занимались художественной карьерой, и ни одна из них не была так тесно связана и поддерживала друг друга, как Ике Тайга и Ике Гёкуран. Они вместе создавали искусство, взаимно влияя друг на друга, вместе играли музыку на досуге, как равные. Это было крайне необычно в стране, где женщины по-прежнему считались ниже мужчин. У каждого художника был свой особый стиль, и каждый добился успеха и славы как член литераторского сообщества.
Сюжеты этого свитка— два лодочника в водном пейзаже. На этой картине мудрец и сопровождающий идут в горы из леса.
Как и ее мать, Мати сочиняла стихи вака, но преуспела в живописи и каллиграфии. Гекуран начала учиться рисовать в раннем возрасте у известного художника-литератора Янагисавы Киена, который был постоянным посетителем чайного домика ее матери.
Гекуран рисовала складные ширмы и раздвижные двери, ручные свитки, подвесные свитки и веерные картины. Гекуран и ее муж Тайга посвятили себя созданию произведений искусства, жили на небольшие деньги и иногда сотрудничали. Художница тайно жила маленькой студии рядом с храмом Гион в Киото. Она также часто рисовала небольшие сцены, на которые каллиграфически вписывала свои стихи.
В 1910 году ее стихи были напечатаны вместе с гравюрой на дереве с изображением чайного домика Мацуя в храме Гион.
На этой веерной картине представлен осенний пейзаж с кристальными камнями на переднем плане и водопадом на заднем плане. Художница сочетает мягкие линии кисти и угловатые каллиграфические мазки с темной тушью. Обильные короткие сине-зеленые пятна и розовые точки показывают, как вечнозеленые деревья меняют цвет в горах.
Поэмы Гёкуран.
Одинокая сосна на этой работе тянется вверх в безоблачную гладь неба. Луна не видна, если только круглая печать в верхнем левом углу не является отсылкой к ней.
«Пион и бамбук у скалы»
Влияние Тайги заметно в технике, используемой для создания широкой, плавной линии контура камня и заостренных бамбуковых листьев. Работа датируется примерно 1768 годом. Хранится в музее искусств «The met» в Нью-Йорке
Уэмура Сёэн (1875-1948) - первая японская женщина-художница, получившая императорский орден.Уэмура Сёэн была второй, младшей дочерью торговца чаем, умершего за 2 месяца до рождения Сёэн. Под руководством матери она изучила японскую традиционную чайную церемонию. Рисовать Сёэн начала ещё в детстве, восхищалась работами художника Кацусики Хокусая. Изучала живопись в школе искусств префектуры Киото под руководством пейзажиста Судзуки Сёнэна. Изучала живопись школ Кано и Сэссю.
Картина на шёлке
«Пламя» 1918 г.
Уэмура Сёэн неоднократно получала призы на художественных выставках, таких как выставка Японской академии изящных искусств. Картину «Красота четырёх времён года», приобрёл принц Артур, сын британской королевы Виктории, прибывший в Японию с визитом
Художница проявляла интерес к ксилографии и старинным техникам живописи. В её работах проявляются сюжеты и образы из традиционного японского театра «Но». В период с 1917 по 1922 год она участвует в ряде выставок. В 1930-е годы Сёэн создаёт свои лучшие работы — картину «Весна и «Осень», навеянную образами театра «Но» и написанные акварелью на шёлке «Дзё-но-май» и «Соси-араи Комати».
«Дзё-но-май»
«Гейшу одевает служанка»
В 1941 году Уэмура Сёэн стала первой женщиной-художником, принятой в Императорскую академию искусств. 1944 году Министерством двора она назначена придворным художником. В годы Второй мировой войны националистически окрашенное творчество Сёэн использовалось японским правительством в пропагандистских целях. В 1941 году художница пишет картины «Сумерки и ясный день», в 1943 — картину «Поздняя осень».
«Японский наряд»
«Юрэй» — в японском фольклоре неупокоенные души умерших.
В 1948 году Уэмура Сёэн была награждена японским Орденом культуры. По мотивам созданных Уэмурой Сёэн произведений в Японии выпускались почтовые марки: в 1965 году, посвящённая Дзё-но-май, в 1980 году, на сюжет её работы Мать и дитя.
В 2000 году японское почтовое ведомство выпустило почтовую марку, посвящённую самой художнице.
Художница родилась в небольшом городке Вулвергемптоне, в 1890 году вся её семья переехала в Глазго. Френсис и её старшая сестра Маргарет поступили в живописный класс Школы искусств, где они познакомились со студентами архитектурного отделения Ч. Макинтошем и Г. МакНейром. Вместе они основали творческий союз «Группа четырёх». Их стиль был основан на прямых протяженных линиях и сильно отличался от причудливой изощрённости французского ар-нуво.
В середине 1890-х сёстры МакДональд открыли собственную независимую студию. Они занимались графикой (в том числе и для «The Yellow Book» Бёрдсли), книжными иллюстрациями, дизайном изделий из металла, текстилем. Рисунок, разработанный ими, основывался на национальных традициях кельтской орнаментики. Сёстры даже возрождали искусство иллюминированных рукописей, украшенных миниатюрами и орнаментами, которые в Средние века создавали кельтские монахи.
В 1899 году Френсис вышла замуж за МакНейра, и они уехали в Ливерпуль, где художник преподавал в Школе Архитектуры и Прикладного Искусства. Со временем Френсис тоже стала там работать. Вместе они занимались дизайном интерьеров. Особенно известен их собственный дом на Оксфорд-стрит 54, который они полностью декорировали сами. Ещё один знаменательный проект – «A Lady’s Writing Room» для Всемирной выставки современного искусства в Турине 1902 года. Это разработанный дизайн интерьера, полностью отвечающий стилистике «модерна Глазго».
«Спящая принцесса»
«Девушка с бабочками» «Весна»
Лучшие работы Френсис – серия символических акварелей, посвящённых женственности, выраженной через мотив незаполненной окружности. В этих поздних работах ярче всего проявляется творческая индивидуальность художницы.
Достижения Фрэнсис менее известны, чем достижения ее сестры, отчасти из-за ее отъезда из Глазго, но также и потому, что ее муж уничтожил многие ее работы после ее смерти. Работы обеих сестер также часто были омрачены достижениями Чарльза Ренни Макинтоша. Фрэнсис умерла в Глазго в 1921 году.
Большая часть ее работ, которые остались, хранятся в Хантерианском музее и художественной галерее и в Художественной галерее Уокера в Ливерпуле.
«Офелия»
«В одном холсте может заключаться 300 страниц» – точное и меткое выражение художницы о картинах, которые можно читать, как книги.
Мария Башкирцева – первый русский художник, чьи картины купил Лувр: «Встреча», «Жан и Жак», «Портрет натурщицы».
«Встреча»
«Жан и Жак»
Ее дневниками зачитывались Брюсов, Хлебников, Батай, Гладстон, Шоу; ее ругали Чехов, Лев Толстой и Розанов. М. Цветаева посвятила ей свой 1-ый сборник стихов «Вечерний альбом», одно из стихотворений – «Встреча». О ее романе с Ги де Мопассаном в 1938 году сняли итало-австрийский фильм. В Ницце ее именем названа улица. Откровенность и эмоциональность дневника, опубликованного через три года после ее смерти, стали примером для множества женщин-писательниц, которые печатали свои дневники в ХХ веке.
Мария происходила из зажиточного полтавского дворянского рода, чье поместье было в восьми верстах от знаменитой Диканьки князей Кочубеев. После развода мать уезжает с Марией в Европу. Там девушка влюбилась в герцога Гамильтона, а позднее в Ницце — в аристократа Бореля. Вскоре увлечение Борелем проходит, и в 1873 году гувернантка 15-летней девочки сообщает ей страшную новость: герцог Гамильтон женится, но, увы, не на ней. «Точно нож вонзается в грудь», — пишет Мария в своём дневнике.
В возрасте шестнадцати лет Мария узнаёт, что у неё туберкулёз. Теперь она проводит много времени на курортах и чувствует приближение скорой смерти. Девушка задумывается и о судьбе своего дневника, который решает издать.
Дневник Марии открывается словами: «Итак, предположите, что я знаменита, и начнем». Пожалуй, лучшее вступление к дневнику. Зная, что дневник писался именно для дальнейшей публикации, мать Марии действительно опубликовала работу, но вырезала всё, что сочла неприличным, то есть практически все. «У Марии было несомненное литературное дарование, которое материнская цензура от мира тщательно скрыла», — такой вывод, например, сделал современный исследователь её дневников Александр Александров.
«Портрет графини Дины де Тулуз-Лотрек, урожд. Бабаниной. Пастель»
Последние страницы дневника драматичны: умирает от рака учитель Марии, знаменитый французский художник Жюль Бастьен-Лепаж. Девушка ухаживает за своим учителем, но умирает первой в возрасте 25 лет.
Похоронена в Париже, на кладбище Пасси. Мавзолей Марии Башкирцевой, построенный Эмилем Бастьен-Лепажем, является также местом захоронения многих других членов семьи Башкирцевых-Бабаниных. Над входом в него — строчка из Андре Терье, а внутри хранятся мольберт Марии, её мебель, скульптура и некоторые картины, в том числе одна из последних работ Башкирцевой — «Святые жёны».
«Святые жены/Жены – мироносицы»
Валерий Брюсов писал в своем дневнике: «Ничто так не воскрешает меня, как дневник Башкирцевой. Она — это я сам со всеми своими мыслями, убеждениями и мечтами».
Высочайшую оценку дневнику Башкирцевой дал в своей литературной автобиографии «Свояси» Велимир Хлебников: «Заклинаю художников будущего вести точные дневники своего духа: смотреть на себя как на небо и вести точные записи восхода и захода звёзд своего духа. В этой области у человечества есть лишь один дневник Марии Башкирцевой — и больше ничего. Эта духовная нищета знаний о небе внутреннем — самая яркая чёрная Фраунгоферова черта современного человечества»
«Портрет девочки»
«Под зонтом»
«Автопортрет»
«Жизнь коротка, нужно смеяться, сколько можешь. Слез не избежать, они сами приходят. Есть горести, которых нельзя отвратить: это смерть и разлука, хотя даже последняя не лишена приятности, пока есть надежда на свидание. Но портить себе жизнь мелочами – никогда!», - Мария Башкирцева в своем дневнике.
«Мастерская женщин – художниц»
«Осень»
В музее Ниццы есть отдельный зал М. Башкирцевой. Ее картины – и в Америке, и в Русском музее, и в Третьяковской галерее, в Харьковском, Днепропетровском и Саратовском музеях. Скульптура – бюст Ш.- Р. Де Поль де Сен-Марко находится в Токийском музее Западного искусства. В Париже, в Люксембургском музее, есть статуя «Бессмертие». Скульптура в виде молодого гения, умирающего у ног ангела смерти, который держит табличку со списком рано ушедших великих людей. В списке всего 8 имен и только одно русское – Мария Башкирцева.
«Бессмертие»
«Часовня на могиле М. Башкирцевой на кладбище Пасси»
Детство Зинаиды прошло в одной из наиболее прославленных искусством семей Бенуа-Лансере. Её дед, Николай Бенуа, был знаменитым архитектором, отец Евгений Лансере — известным скульптором-анималистом, а мать Екатерина Николаевна была художником-графиком. Надежда Леонтьевна Бенуа (в замужестве Устинова), двоюродная сестра Зинаиды, была матерью британского актёра и писателя Питера Устинова — таким образом, он приходился Зинаиде Серебряковой двоюродным племянником.
В 1900 году Зинаида окончила женскую гимназию и поступила в художественную школу, основанную княгиней М. К. Тенишевой. В 1903—1905 годах она была ученицей художника-портретиста О. Э. Браза. Затем путешествует по Италии и занимается в Академии де ла Гранд Шомьер в Париже.
Зинаида старалась выразить свою любовь к красоте мира. Её ранние работы — «Крестьянская девушка» и «Сад в цвету» — рассказывают о поисках и остром ощущении красоты русской земли.
Широкую известность принёс Серебряковой автопортрет («За туалетом»), впервые показанный на большой выставке «Мир искусства» в 1910 году. За ним последовали «Купальщица», портрет Е. К. Лансере. В 1911 году Серебрякова вступила в общество «Мир искусства».
«За туалетом»
В 1914—1917 годах творчество Зинаиды Серебряковой переживало период расцвета. В эти годы она пишет серию картин на темы народной жизни, крестьянской работы и русской деревни, которая была так близка её сердцу: «Крестьяне», «Жатва», «Беление холста».
«Беление холста»
В 1914 году Александр Бенуа получил заказ на роспись зала ресторана Казанского вокзала в Москве. В работе участвовала и Зинаида Серебрякова. Росписи ресторана развивали лейтмотив всего вокзала — аллегория на тему «Россия соединяет Европу и Азию». Серебрякова выполнила эскизы для серии панно «народы Востока»: Индия, Япония, Турция, Сиам были представлены в виде обнаженных одалисок.
Зинаида встретила Октябрьскую революцию в родном имении Нескучном. В декабре 1917 года. Семья переехала в Змиев, а затем умер от сыпного тифа муж художницы. Серебрякова осталась с четырьмя детьми и больной матерью без средств к существованию. В ноябре 1919 года семейное имение Серебряковых было разграблено и сожжено. Из-за отсутствия масляных красок Зинаиде пришлось перейти на уголь и карандаш. В этот период были созданы одни из самых известных групповых портретов детей Серебряковой — «На террасе в Харькове» и «Карточный домик».
«Карточный домик»
«На террасе в Харькове»
Весной 1921 года художница с матерью и детьми перебралась в «фамильный дом» на улицу Глинки. В эту квартиру поселили артистов театра МХАТ. В последующие годы Серебрякова много рисовала на темы из театральной жизни. В 1924 году 14 её работ с успехом демонстрировались на выставке в Нью-Йорке. Особый интерес у публики вызвала картина «Спящая девочка на красном одеяле»
Осенью 1924 года Серебрякова поехала в Париж, получив заказ на большое декоративное панно. Вернуться ей не удалось, и она оказалась оторванной от Родины и детей (двух детей — Александра и Екатерину — удалось переправить за границу).
В 1928—1929 и 1932 годах. Зинаида Серебрякова едет в Марокко. Там она рисует горы, арабских женщин, африканцев в ярких тюрбанах. Ею также был написан цикл картин, посвящённый рыбакам Бретани.
«Бретань. Пляж в Камаре»
Во времена хрущёвской оттепели власти СССР разрешают встречи с Серебряковой. В 1960 году, после 36 лет разлуки, её посещает дочь Татьяна, ставшая театральной художницей во МХАТе. В 1966 году большие выставки работ Серебряковой были показаны в Москве, Ленинграде и Киеве. Она становится популярной в СССР, её альбомы печатаются миллионными тиражами, а картины сравнивают с Боттичелли и Ренуаром.
«Автопортрет в костюме Пьеро»
В СССР и России были выпущены почтовые марки, посвящённые Серебряковой.
В 1910 году окончила Строгановское училище, работала художником-дизайнером по тканям на московских комбинатах «Трехгорная мануфактура», где заведовала мастерской аэропечатания, и мастерской«Красная Роза». Маяковская являлась первой женщиной на фабрике, которая занимала административно-техническую должность до революции в России.
«Желая насаждать женский квалифицированный труд, я принимала только женщин и обучала их разным профессиям: аэрографист, резчик, монтер, набойщик», - писала она в 1914 году.
Помогала Владимиру Маяковскому готовить плакаты «Окна РОСТА» — способ тиражирования плакатов по трафарету был схож с методами изготовления набивных тканей, и Людмила даже принесла с фабрики инструменты для работы, что позволяло выпускать до 150 плакатов с одного шаблона.
В 1925 году участвовала во Всемирной выставке в Париже, где получила серебряную медаль за представленные ею работы. В том же году в России изобрела и запатентовала новый способ получения рисунков.
С 1929 по 1949 год преподавала на факультете художественного оформления ткани Московского текстильного института, была доцентом кафедры специальных композиций. Готовила художников по ткани в ВХУТЕМАСе. Среди её учеников были такие художники, как Татьяна Клюкас, Наталья Ганина-Кравцова, Наталья Киселева и др.
Людмилу Маяковскую называют выдающимся мастером текстильного дизайна. Произведения художницы условно можно разделить на дореволюционную и советскую эпохи с характерными для обеих эпох тенденциями в прикладном искусстве. Её творчество заложило основу прикладному русскому авангарду.
Она обучала своих студентов революционным методам росписи ткани через распыление краски, развивала технику аэрографии, использовала воздух для печати и рисования. Маяковская была активным инициатором новых методов работы с аэрографией. Так, например, заведуя аэрограрным цехом на фабрике, она предложила использовать метод «разбрызгиваемого краппа», подразумевавший разбрызгивание красок вместо распыления и позволивший создавать невероятные, буквально «космические» узоры. Ею же были придуманы рисунки, создаваемые при помощи узлов, верёвочных сеток, сжатия и прошивки ткани.
Произведения Людмилы Маяковской неоднократно экспонировались на международных, советских и российских выставках и получали призы. Имя Людмилы Маяковской включено в каталог «Женщины русского авангарда», изданный в США. Ее работы были представлены в проекте «Великая утопия. Русский и советский авангард 1915–1932», показанном весной 1992 – летом 1993 года во Франкфурте-на-Майне, Амстердаме, Нью-Йорке, Москве и Санкт-Петербурге, и вошли в одноименный каталог, изданный на четырех языках. Также работы Маяковской для американского каталога отобрал лично Джорджо Армани, выделив их из всех на выставке в Италии в 1987 году.
В 1964 году Людмила Маяковская была награждена орденом Трудового Красного Знамени.
Живописное наследие Людмилы Маяковской составляют два альбома с карандашными рисунками (1899), открытка «Старец, играющий на гуслях» (1905), выполненная рукой художницы, а также акварельный рисунок «Путя на диване» (1936), нарисованный Людмилой Маяковской в Москве.
После гибели Владимира Маяковского была членом Государственной комиссии по изданию его полного собрания сочинений и одним из его редакторов, много лет добивалась открытия мемориального Музея В. В. Маяковского в его квартире на Лубянке, передала в дар этому музею более 15 тысяч мемориальных предметов. Была консультантом при создании фильма «Маяковский начинался так».
С 1925 по 1972 годы опубликовала ряд профессиональных и биографических статей в газетах и журналах, таких как «Труд», «Молодёжь Алтая», «Октябрь», «Калининская правда», «Ленинские искры», «Смена» и многих других.
Скончалась в 1972 году, похоронена в Москве на Новодевичьем кладбище рядом c братом, матерью и сестрой.
Марион создала одни из лучших архитектурных рисунков в Америке и Австралии и сыграла важную роль в разработке планов проектирования столицы Австралии, Канберры. Махони внесла вклад как дизайнер в развитие Школы прерий — новаторского направления, которое произвело настоящую революцию в американской архитектуре. Она разработала свой визуальный стиль, вдохновленный техникой японских гравюр. На рисунках Марион дома утопали в пышной зелени и были изящно вписаны в ландшафт.
После окончания Массачусетского технологического института (M.I.T) Махони вернулась в родной город Чикаго, где стала первой женщиной, получившей лицензию на архитектурную практику в Иллинойсе. Марион была второй женщиной, окончившей M.I.T. после Софии Хейден. Затем она работала в архитектурной фирме своего двоюродного брата. Более века спустя она будет известна как один из величайших специалистов в области архитектуры, но при жизни ее талант рассматривался лишь как продолжение работы, проделанной мужчинами-архитекторами.
Украденные работы. Ее прекрасные акварельные изображения зданий и пейзажей были известны как основа стиля Ф. Райта, архитектора, создававшего «дома прерий». Вместе они проработали 14 лет, но Марион осталась почти незамеченной. Известно, что помимо всех работ, она писала работы акварелью, которые, составили почти половину эскизного портфолио Райта.
Время от времени он проводил внутренние дизайнерские конкурсы среди своих сотрудников, и большинство из них выигрывала Марион, вспоминали коллеги. Райт при этом забирал ее рисунки себе и хранил их для дальнейшего использования. Рисунки Марион, выполненные тушью, составили большую часть так называемого портфолио Васмута — объемного двухтомного фолианта с работами Райта, опубликованного в Германии в 1910 году. Эти работы оказали влияние на европейских модернистов, в том числе на легендарного Ле Корбюзье.
Союз архитекторов. У Махони и Гриффина были схожие идеалы и взгляды на жизнь. Оба они были влюблены в дикую природу и вдохновлялись ею в своих работах. В 1911 году Марион и Уолтер поженились. Это был не только брак, но и союз двух художников — Гриффины начали работать вместе.
Вскоре после свадьбы Марион убедила мужа принять участие в конкурсе на проектирование новой федеральной столицы Австралии, Канберры. Она нарисовала для него 16 визуализаций тушью. Марион сделала акцент на суровом австралийском пейзаже, который, по словам журналиста Фреда Бернстейна, как будто «обнимал здания».
«Акварель из Канберрского дизайна»
Работы Марион во многом обеспечили победу Уолтеру в конкурсе. Как пишет The New York Times, рисунки, которые, казалось, отражали суть Австралии — места, где сама Гриффин никогда не была, — сыграли важную роль в выборе судей. Однако ее имени не стояло ни на одной из работ.
Уолтер сообщил репортеру, что победа в конкурсе гораздо в большей степени принадлежит Марион, чем ему. «Моя жена — гений, а я всего лишь бизнесмен», — говорил Уолтер.
Энн Уотсон, магистр изящных искусств и обладательница докторской степени в области архитектуры Сиднейского университета, писала: «Махони явно была опорой в офисе [мужа], но, похоже, не хотела признавать свой вклад. Возможно, в те времена, когда женщины, как правило, были ограничены домашней жизнью, уже сама возможность заниматься архитектурной карьерой с любимым человеком, родственной душой приносила Махони достаточное удовлетворение». А также, возможно, Уолтер и Марион решили, что им будет проще выиграть конкурс, если указать только одно, мужское имя, так как женщины – архитекторы не признавались.
Резиденции, спроектированные Марион Махони
В 1935 году Уолтера пригласили в Индию: ему предложили спроектировать библиотеку Лакхнауского университета. Марион отправилась вслед за ним в 1936-м, однако уже в начале 1937-го Уолтер неожиданно умер после операции. Для Марион его смерть была ударом. В 1938 году она навсегда покинула город: «Я уехала из Каслкрага, настоящего кусочка рая на Земле, чтобы отправиться в следующее приключение».
Марион сменила направление деятельности: она провела следующие двадцать лет, работая над огромным томом, состоящим из 1400 страниц и 650 иллюстраций, подробно описывающим трудовую жизнь ее и Уолтера, который она назвала "Волшебство Америки".
Память. Марион Махони Гриффин умерла в бедности 1961 году в возрасте 90 лет и похоронена на Грейслендском кладбище. В ее свидетельстве о смерти по ошибке было написано, что она работала учителем в государственной школе. После ее смерти некоторые историки писали подлые вещи про нее, например, Брендан Гилл, автор биографии Ф.Райта называл ее «изможденной носатой красавицей».
Однако постепенно ситуация начала меняться. Сегодня о Марион Махони Гриффин все чаще вспоминают как о человеке, внесшем значительный вклад в развитие архитектуры.
В 2015 году пляж на Джарвис-авеню в Роджерс-парке, Чикаго, был назван в ее честь. Генеральный консул Австралии Роджер Прайс присутствовал на церемонии посвящения пляжа женщине, которая сыграла важную роль в создании дизайна австралийской столицы.
В 2021 году австралийская организация Национальное столичное управление (NCA) провела серию мероприятий и выставку в ее честь. «Я хочу, чтобы люди знали ее имя, — заявила куратор NCA Рослин Халл, — Просто знали, что она существовала и была фантастическим архитектором, дизайнером, художником и защитником окружающей среды».
Елисавета родилась в Белграде и в 1896 году. Она продолжала изучать архитектуру в Школе архитектуры Белградского университета. В возрасте 22 лет она стала первой женщиной, окончившей инженерный факультет. Елисавета искала работу в Министерстве строительства, но не смогла стать чиновником, поскольку для прохождения военной службы требовалось пройти военную службу.
Однако ей удалось получить должность архитектора в муниципалитете Белграда, где она стала первым главным архитектором города. В 1903 году она спроектировала Маленькую лестницу в белградском парке Калемегдан.
Наиболее известной работой является здание школы, которое она завершила в 1906 году, ныне известное как начальная школа Краля Петра I (короля Петра I).
Она также проектировала церкви, в том числе церковь Александра Невского в моравском стиле в Белграде и меньшую церковь в Косово. Больница, которую она спроектировала, была разрушена во время Второй мировой войны. Но многие из ее жилых зданий, от квартир до частных домов, некоторые в стиле модерн или с элементами неоренессанса, сохранились и по сей день.
Первое коллективное жилое здание для рабочих на Балкане было спроектировано Елисаветой Начич.
Во время Первой мировой войны она попала в лагерь в Венгрии, что положило конец ее творческой карьере. После войны Начич переехала в Дубровник со своим мужем Лукой Лукаем, с которым познакомилась в лагере. Ей была назначена государственная пенсия за ее жизненные достижения. Она умерла в Дубровнике в 1955 году.
Элизабет Уитворт Скотт (1898 –1972) - британский архитектор. Спроектировала Мемориальный театр Шекспира в Стратфорде-на-Эйвоне. Это было первое важное общественное здание в Великобритании, спроектированное женщиной.Скотт родилась в Англии в семье хирурга. Она была внучатой племянницей архитекторов Д.Скотта и Д. Бодли и троюродной сестрой Д. Г.Скотта, архитектора Ливерпульского собора. 1919 году она стала одной из первых учениц новой школы Архитектурной ассоциации на Бедфорд-сквер в Лондоне
В 1927 году был объявлен конкурс на замену сгоревшему Мемориальному театру Шекспира, в котором Скотт приняла участие. Реакция на проект Элизабет была неоднозначной. «Manchester Guardian» предположили, что, хотя дизайн отражает назначение здания, его большая часть в маленьком городке была «поразительной... чудовищной и жестокой».
«The Times» не соглашались, отмечая, насколько хорошо здание «соответствует линиям реки и ландшафта». С другой стороны, драматург Д.Шоу (член комитета SMT) был сторонником проекта Элизабет, как единственного, отражающего какой-то театральный смысл. А отсутствие в здании "бессмысленного декора" было одной из особенностей, воспетых в специальном выпуске журнала «Modernist Architectural Review» за июнь 1932 года.
С сегодняшней точки зрения театр, ныне называемый Королевским театром Шекспира, считается "национально значимым зданием", представляющим "лучший современный муниципальный стиль архитектуры". 14 октября 1980 года здание было внесено в список памятников II степени
По образному определению газеты «The Guardian», Заха Хадид — «королева кривой», которая «освободила архитектурную геометрию, придав ей совершенно новую выразительную идентичность»
Заха Хадид родилась в 1950 году в Багдаде (Ирак) . Её отец Мухаммад аль-Хадж Хусейн Хадид придерживался леволиберальных взглядов и был соучредителем Национально-демократической партии социалистического толка. Её мать Ваджиха аль-Сабунджи была художницей, родом из Мосула.
В разные годы она предлагает варианты постройки обитаемого моста над Темзой, перевёрнутого небоскрёба для английского города Лестера и клуба на вершине горы в Гонконге. Проектирует здания оперы в Кардиффе, Центров современного искусства в Огайо и Риме. Эти и другие проекты приносят ей победу в престижных архитектурных конкурсах, а затем и популярность среди профессионалов. Но они остаются на бумаге — во многом из-за неготовности заказчиков принять её нестандартный и оригинальный дизайн.
Первым крупным построенным объектом, подтвердившим мировое признание, стала пожарная станция Vitra в Германии. За ним последовали такие известные проекты, как Национальный музей искусств XXI века (MAXXI) в Риме, Центр современного искусства Розенталя в Цинциннати, Оперный театр в Гуанчжоу.
Пожарная станция «Vitra»
Как архитектор Хадид всегда пыталась разрушить общепринятые каноны и «растянуть» рамки привычного пространства, придав ему мощный динамический импульс. С этой же целью — усиления внутреннего движения и деформации — Заха Хадид, полностью отметая общепринятую геометрию, использует искажённую перспективу, выявляющую острые углы и кривые линии. Ранние работы Хадид характерны для деконструктивизма. В этих проектах прослеживается увлечение творчеством Малевича и Кандинского. В поздних же постройках конструкции стали плавными легкими и динамичными.
Национальный музей искусств XXI века (MAXXI)
Оперный театр в Гуанчжоу.
Кроме чисто архитектурной работы с крупными формами, Заха Хадид охотно экспериментирует в жанре инсталляции, а также создаёт театральные декорации, выставочные и сценические пространства, интерьеры, обувь, картины и рисунки. Заха — автор нескольких экспериментальных коллекций мебели. Её наиболее известные работы в области мебельного дизайна — светильник «Chandelier Vortexx» и кресло «Cristal», выполненные для Sawaya & Moroni.
Светильник «Chandelier Vortexx»
Наиболее заметными работами Хадид названы: Центр Гейдара Алиева в Баку, открытый в 2012 году, за создание которого она получила премию «Дизайн года» Британского Музея Дизайна; Центр водных видов спорта в Лондоне для проведения Олимпийских игр в 2012 году, мост шейха Зайеда в Абу-Даби, офисное здание «Dominion Tower» в Москве, состоящее из семи этажей и выступающих консолей, общая площадь помещений которого достигает 22 тыс. м².
Центр Гейдара Алиева в Баку
Центр водных видов спорта в Лондоне для проведения Олимпийских игр
Мост шейха Зайеда в Абу-Даби
Заха неоднократно бывала в России. 31 мая 2004 года в здании Эрмитажного театра (Санкт-Петербург) состоялась церемония вручения Захе Хадид Прицкеровской премии. Также в 2004 году Хадид выступила с программной лекцией в московском Центральном доме архитектора (ЦДА). В 2005 году в рамках выставки АРХ-Москва Заха Хадид провела мастер-класс.
Офисное здание «Dominion Tower» в Москве
В том же году компания «Капитал Груп» заявила о своём сотрудничестве с Хадид в процессе проектирования жилого комплекса «Живописная Тауэр» на Живописной улице в Москве.
В 2012 году в Подмосковье, в районе Рублёво-Успенского шоссе, был построен футуристический особняк по проекту Захи Хадид.
20 августа 2020 года стало известно, что бюро Захи Хадид стало победителем открытого конкурса на проектирование станции «Кленовый бульвар 2» . Большой кольцевой линии Московского метрополитена.
На счету Захи Хадид огромное количество проектов. Она была поистине гениальным архитектором, чье имя вошло в историю. Заха Хадид скончалась 31 марта 2016 года (в возрасте 65 лет) от сердечного приступа в Майами, где проходила лечение от бронхита.
Кадзуо Сейдзима – японский архитектор, вместе с партнером Рю Нишизавой стала лауреатом Притцкеровской премии.Кадзуё Сэдзима изучала архитектуру в частном женском университете. В 1987 году Кадзуё начинает самостоятельную деятельность и открывает бюро Kazuyo Sejima & Partner. С 1995 года возглавляет архитектурную фирму SANAA . Сейчас она профессор Университета Кэйо и приглашённый профессор в Японском женском университете.
Архитектурные проекты, разрабатываемые Кадзуё Сэдзимой, сочетают в себе самые современные стилевые решения и чувство свободного пространства. Кадзуё Сэдзима стала в 2010 году первой женщиной, руководившей проведением венецианского архитектурного биеннале (международной выставки архитекторов)
Она — мастер эфемерной архитектуры, которая ведет деликатный диалог с природой и окружением без претензии на монументальность. Одна из прекраснейших работ SANAA — временный павильон галереи Serpentine в Лондоне (2009) был поистине великолепен. Легкая форма растворена в природе.
в 2015-м ими было построено еще одно удивительное здание — корпус River на территории культурного центра Grace Farms в Нью-Кейнене (США). Узкая лента длиной 430 метров изгибается среди холмов. Между кровлей и основанием — изящные опоры и стеклянные стены, за которыми можно видеть различные помещения, включая библиотеку и зрительный зал.
Крупнейшим реализованным проектом SANAA стал Музей современного искусства XXI века в Канадзаве. Стекло абсолютно прозрачное. По-другому решено здание Нового музея современного искусства в Нью-Йорке: вертикальная башня в виде асимметричного нагромождения кубов. Сами здания не так интересны, пока они не наполнятся людьми и предметами. Наблюдать со стороны этот спектакль — большое удовольствие.
Сейдзима является обладательницей ряда международных наград в области архитектуры, в том числе Thomas Jefferson Foundation Medal, Притцкеровской премии и Премии Рольфа Шока Шведской королевской академии искусств (всех трёх — совместно с Рюэ Нисидзавой).
Аманда Ливит – дама - командор ордена Британской империи за заслуги в области архитектуры.Родилась в 1955 в уэльском городке Бридженд. В 1982 окончила школу Архитектурной Ассоциации в Лондоне. Осенью 2008 Аманда Ливит покинула Future Systems и основала собственную мастерскую Amanda Levete Architects.
Аманда стремится не только создавать фантастические здания из стекла и бетона, но и предлагать оригинальные решения общественных пространств. Например, ей принадлежит проект многоуровневых футбольных полей в мегаполисах.
Медиа-центр на стадионе для крикета Lord`s Cricket Ground в Лондоне.
Central Embassy, комплекс из отеля и торгового центра в Бангкоке.
Не так давно был завершён проект для Центра Мэгги — сети центров доверия, помогающих больным онкологией. «Саутгемптон Мэгги» — это невысокий павильон, расположившийся на автостоянке главного госпиталя Саутгемптон. В четырех блоках находятся частные комнаты центра, снаружи облицованные нержавеющей сталью — благодаря фактурной поверхности отражение сада играет новыми красками. Создается ощущение, будто вы попадаете в королевство кривых зеркал. У решения есть и другая функция: в зеркальные поверхности могли бы врезаться птицы, и архитекторы заранее предотвратили проблему.
«Саутгемптон Мэгги»
Музей MAAT в Лиссабоне
Творчество Аманды Ливит подвигло европейское архитектурное сообщество и управляющие структуры на обсуждение градостроительных реформ, связанных с экологичностью, функциональностью и доступностью городской среды.
Лина Бо Барди (1914 —1992) — один из самых заметных представителей бразильского модернизма. Занималась не только архитектурой, но и сценическими костюмами, живописью, мебельным и графическим дизайном, ювелирным искусством, была блестящей журналисткой и активистом.«Архитектура создается, «изобретается заново» каждым кто совершает попытку построить, каждым, кто бродит по ее пространству, поднимается по лестнице, опирается на балюстраду, поднимает голову, чтобы посмотреть, открыть, закрыть дверь, — писала Лина Бо Барди.
Ачилина Бо родилась в Италии, училась в Римском университете. Став дипломированным архитектором, Лина работала с Джо Понти. В 1943 году ее миланский офис был разрушен в результате авианалета, и она полностью переключилась на журналистику, став заместителем главного редактора журнала Domus и членом Коммунистической партии.
В 1950 году вместе с мужем Лина основала журнал Habitat, организовав первый в Бразилии курс по промышленному дизайну в Институте современного искусства.
В 1951 году спроектировала свой знаменитый Glass House — семейный дом в Морумби, районе Сан-Паулу. Стеклянная вилла считается одним из хрестоматийных образцов рационализма.
В 1951 Лина Бо Барди спроектировала свой самый известный предмет мебели — кресло Bowl в форме регулируемой полусферической чаши, опирающейся на стальную раму.
1958 она начала работу над художественным музеем. Здание расположено в центре Сан-Паулу на проспекте Паулиста.
Художественный музей в Сан-Паулу
Символическими можно назвать и другие ее проекты — в том числе Teatro Oficina (1984).
В 1959 году ее пригласили руководить Музеем современного искусства Байи. Барди решила разместить его в бывшей соляной мельнице и части сети исторических приморских зданий, которые она восстановила в 1963 году.
Музей современного искусства Байи
Бо Барди взяла на себя обязательство создавать уникальную бразильскую архитектуру. Она ввела термин Arquitetura Povera («бедная, простая» архитектура). Большая часть ее работы заключалась в перепрофилировании существующих сооружений, а также восстановлении и сохранении исторических зданий.
В течение 1980-х годов Бо Барди руководила проектами по консервации и реставрации. Ее крупным проектом был SESC Pompéia - развлекательный и культурный центр в Сан-Паулу. Бо Барди превратила старый завод по производству стальных барабанов в центр спорта, театра и досуга.
SESC Pompéia - развлекательный и культурный центр в Сан-Паулу.
Антонина Пирожкова (1909-2010) – одна из тех, кто создавал первые станции метрополитена Москвы.
После преждевременной кончины отца одновременно с учёбой работала репетитором по математике. В 1930 году окончила Сибирский Томский технологический институт им. Ф. Э. Дзержинского. Работала в конструкторском бюро Кузнецкстроя, после переезда в Москву поступила в Метропроект, впоследствии став главным конструктором этого института. Пирожкова была одной из первых, кто проектировал Московский метрополитен, в том числе станции «Маяковская», «Павелецкая», «Арбатская», «Киевская» и «Площадь Революции». Коллеги считали её одним из самых талантливых инженеров-проектировщиков.
Станция метро «Маяковская»
Станция метро «Павелецкая»
Она не только строила сама, но и передавала опыт молодому поколению инженеров: преподавала на кафедре тоннелей и метрополитенов в МИИТе, была соавтором первого и единственного учебника по строительству тоннелей и метрополитенов.
Станция метро «Арбатская»
В 1939 году Исаак Бабель, известный писатель и муж Антонины, был арестован сотрудниками НКВД. Ни мать писателя, ни Антонина Пирожкова не были извещены о его расстреле в тюрьме НКВД.
Будучи инженером-проектировщиком, А. Пирожкова в 1950-е годы участвовала в работах создания дворцов для курортных зон советского Кавказа.
Не вступая в повторный брак, она стала собирать материалы по жизни и творчеству великого писателя. В 1972 году стала составителем сборника воспоминаний и материалов «Исаак Бабель. Воспоминания современников», входила в Комиссию по литературному наследию Бабеля.
Станция метро «Киевская»
Станция метро «Площадь Революции»
В июле 2010 года Антонина Пирожкова была приглашена на родину писателя, в Одессу, где должна была одобрить макет будущего памятника Исааку Бабелю, но приехать сама не смогла. 4 сентября 2011 года, через год после смерти Антонины Николаевны, памятник Бабелю в Одессе был открыт. На церемонии присутствовали родные писателя — дочь Лидия, внук Андрей и правнук Николай.
А. Н. Пирожкова умерла 12 сентября на 102-м году жизни. О причинах её смерти официально не сообщалось.
«Делать нужно так, как будто чего-то немного не хватает» – любимая фраза Нины Алёшиной.
Родилась 17 июля 1924 года в Москве. Окончила Московский архитектурный институт в 1950 году. В МАрхИ училась у Б. С. Мезенцева. Начала трудовую деятельность в мастерской А. Н. Душкина, работая над проектом станции «Новослободская». Она готовила чертежи на облицовку путевых стен и цоколей пилонов, на оформление проёмов и витражей металлом, а её муж — художник Николай Иванович Алёшин помогал П. Д. Корину делать картоны для витражей.
Станция метро «Новослободская»
Нина Александровна – автор проектов 19 станций метро, девять из которых выполнены совместно с Н. К. Самойловой. За проект станции «Кузнецкий Мост» Алёшина и Самойлова удостоены Премии Совета Министров СССР. В то же время проектное решение реконструкции станции «Дзержинская» для создания центрального зала и пересадки на «Кузнецкий Мост» подверглось критике в связи с утратой первоначального облика авторства Н. А. Ладовского.
«Когда раскрывали центральный зал, нас умоляли сделать как можно меньше проходов, потому что разбивать монолитный бетон полтора метра толщиной — это колоссальный труд. Из-за этого пошёл совершенно другой ритм. Я оставила один участок со старым оформлением — в память о Ладовском».
«Кузнецкий мост»
Любимым её приёмом было активное использование металла. На станции «Октябрьское поле» впервые в метрополитене она использовала анодированный алюминий для облицовки колонн. На «Щукинской» анодированным под бронзу алюминием облицованы уже путевые стены. На станции Рижского радиуса «Медведково» металлические пирамидки, штампованные из анодированного под цвет светлой бронзы алюминия, символизируют ледяные глыбы.
«Октябрьское поле»
«Щукинская»
«Медведково»
Для облицовки колонн и путевых стен станции Калининской линии «Марксистская» использовался розовый мрамор сорта «буровщина». Она сама лично размечала на карьере в Иркутской области необходимые блоки камня . Светильники на станции представляют собой спирали из вертикально расположенных люминесцентных ламп, которые символизируют один из законов марксизма — принцип развития по спирали.
Нина Александровна ыла назначена главным архитектором Серпуховско-Тимирязевской линии в 1981 году, тогда же фактически возглавила архитектурный отдел института «Метрогипротранс». Главный архитектор института с 1985 по 1991 год.
Оформление открытой в 1983 году станции «Чертановская» посвятила А. Н. Душкину. Путевые стены «Менделеевской» отделаны вставками со стилизованными изображениями атомного и молекулярного строения. Станцию украшают оригинальные светильники, конструкция которых напоминает строение кристаллической решётки.
«Чертановская»
«Менделеевская»
Последней осуществлённой работой в московском метро стала «Чкаловская». Для подбора блоков облицовочного камня — мрамора сорта неродрама — она сама лично ездила на месторождение на севере Греции.
«Чкаловская»
Работала в Метрогипротрансе до последних дней своей жизни. В 1990-е — 2000-е активно занималась оформлением документации по станциям метро — памятникам архитектуры для Москомнаследия. Этот статус во многом благодаря усилиям Алёшиной получили 17 станций.
Скончалась 17 ноября 2012 года в Москве. Похоронена на Введенском кладбище рядом с мужем и дочерью.
Галина Балашова – создала вариант дизайна орбитального отсека космического корабля «Союз», лунного орбитального корабля и др.До 1964 года она занимается застройкой города и предприятия, проектирует цеха, заводы, здание Дворца культуры г. Куйбышева, занимается озеленением города.
В 1963 году в новом космическом корабле «Союз» появляется дополнительный жилой отсек, орбитальный модуль. Изначально он представлял собой аскетичное помещение, выполняющее только функциональные цели, о котором Королёв сказал: «В космос человек не может летать в туалете». Королёв предлагает спроектировать жилой интерьер для модуля. По заданию К. П. Феоктистова, руководителя проектного отдела, Балашова за несколько дней проектирует дизайн интерьера орбитального отсека. После нескольких редакций Королёв утверждает его в 1964 году.
Слева в орбитальном модуле размещается стол-сервант, предназначенный для хранения оборудования и бытовых вещей, справа — диван для отдыха, в котором также находится различное оборудование. Вверху отсека расположены 4 иллюминатора и поручни, внизу — посадочный люк. Модуль выполнен в форме сферы для учёта внутреннего атмосферного давления, вся мебель и приборы расположены равномерно в объёме отсека для уравновешивания бортов. Орбитальные модули всех последующих «Союзов» в дизайне интерьера придерживаются такого же принципа компоновки.
Интерьер орбитального отсека корабля «Союз», утверждённый С. П. Королёвым, 1964 г.
В автобиографической главе «Моя жизнь под звездами» Галина Балашова рассказывает о том, как она, выпускница Московского архитектурного института, почти случайно попала в особое конструкторское бюро ОКБ-1, которым заведовал Сергей Королев. Галине, учившейся проектировать типовые здания и «озеленять» районы, пришлось осваивать совершенно новую специальность. « Мне это показалось очень интересным, всё-таки настоящий космический корабль, и я довольно быстро, сейчас не помню, за ночь или за выходные, дома нарисовала проект интерьера».
В 1964 году Балашову принимают на должность инженера в проектный отдел разработки лунного орбитального корабля (ЛОК). Балашова не только проектирует интерьер жилого модуля, но и занимается размещением оборудования и приборов внутри него. Она предлагает новую форму корабля — это сфера, расширяющаяся в нижней части. После высадки американцев на Луну в конце 1960-х годов советскую программу закрывают, ЛОК был практически построен, но так и не увидел свет.
Интерьер орбитального отсека Лунного орбитального корабля (ЛОК)
Схема Лунного орбитального корабля
Проект Лунного посадочного корабля
В 1971—1975 годах участвует в создании «Союза-19» по программе «Союз — Аполлон». Балашова проектирует орбитальный отсек «Союза-19». Для выставки в Ле-Бурже в 1973 году создаёт проект экспозиции стыковки двух кораблей и значок с символом программы. Позже значок был утверждён Академией наук СССР и NASA эмблемой всей программы «Союз-Аполлон». Эта же эмблема была использована на нашивке костюмов у экипажей СССР и США. Эмблема стала всемирно известной, она использовалась в сувенирной продукции. Однако авторство Балашовой было засекречено, от гонораров за эмблему ей приказали отказаться, и кроме руководства ОКБ-1 никто не знал об отношении Балашовой к ней.
В 1976—1987 годах участвует в проектировании орбитальных станций «Салют-6» и «Салют-7», корабля «Буран», орбитальной станции «Мир». При работе над «Миром» занимается широким спектром работ от дизайна интерьера до размещения большого числа бортовых систем. Основная схема, заложенная Балашовой в «Мире», была использована при проектировании и строительстве МКС.
Проект компоновки интерьеров космической станции «Мир».
Орбитальный отсек корабля «Союз-Т», левый борт и правый борт.
В 1960-х годах создавала пейзажи, которые отправлялись в космос в орбитальных отсеках первых «Союзов» для снятия психологической нагрузки у космонавтов. Кроме основной работы, в 1977—1991 годах Балашова создает космические вымпелы в честь советских космических кораблей и станций и в честь международных космических полётов. Создала около 40 вымпелов.
С 1975 года — член Союза архитекторов.
В 1990 году Г. А. Балашова выходит на пенсию и посвящает себя акварельной живописи. В настоящее время живёт в Королёве.
Во времена СССР и вплоть до недавнего времени авторство работ Балашовой были засекречены, широкая общественность практически ничего не знала о её роли в космической программе СССР. Первая небольшая выставка работ Галины Андреевны состоялась в московском Центральном доме архитектора в 2000 году. Ещё две выставки проходили в Германии — в Федеральном выставочном зале в Бонне и в Немецком музее архитектуры во Франкфурте-на-Майне.
Проперция родилась в Болонье в семье нотариуса. Как и все состоятельные женщины эпохи ренессанса, она училась рисованию, музыке, танцам, поэзии и классической литературе. Её учителем рисования был Маркантонио Раймонди.
Проперция вырезала маленькие, но замысловатые миниатюры из персиковых, абрикосовых и черешневых косточках. Тематика этих работ была в основном религиозная, одна из самых известных работ — распятие Иисуса на персиковой косточке.
Проперция не происходила из семьи художников или скульпторов, что создавало дополнительный барьер для неё как для скульптора (особенно работающего с мрамором). Тем более что женщины-скульпторы в её время были редкостью. Но, несмотря на это, де Росси удалось поступить в Болонский университет и успешно его окончить. Де Росси стала одной из четырёх женщин, которых Джорджо Вазари включил в свои «Жизнеописания прославленных живописцев, скульпторов и архитекторов».
Джорджо Вазари скажет: «Удивительно, что во всех доблестях и во всех видах деятельности, к которым женщины когда-либо имели желание приобщиться, прилагая к тому хотя бы некоторые усилия, они неизменно достигали наивысшей степени совершенства и стяжали себе нечто большее, чем просто известность…»
Фигуры ангелов слева и справа также приписывают Проперции де Росси. (Ц. Сан Петронио в Болонье).
В тридцать лет де Росси начала работать с большими масштабами. Она стала известна своими мраморными портретными бюстами, которые обеспечили ей хорошую репутацию. Несмотря на то, что её конкурентами были мужчины-архитекторы, Проперции удалось выиграть право украсить западный фасад Базилики Сан-Петронио в 1524 году. Для базилики она создала скульптуры трёх предсказательниц и двух ангелов, а также пару барельефов, включая панель с изображением Иосифа и жены Потифара.
Иосиф и жена Потифара.
Джорджио Вазари в своей «Жизни мадонны Проперции де Росси» писал, что Проперция получила «самую нищенскую оплату за свою работу». Виной этому, по мнению Вазари, стал художник Амико Аспертини, пытавшийся помешать её работе. Сам он не прославился ничем кроме своих путешествий: «Но я нигде не видел, чтобы женщина занималась ваянием! Она же позорит почтенный город Болонью!».
О великом таланте Проперции узнал сам папа римский Климент VII. Он пожелал вызвать первую в мире женщину-скульптора в Рим. К сожалению, было поздно. В 1530 г. в возрасте 40 лет монна Проперция де Росси скончалась.
Изначально прославившись своими мастерскими миниатюрами на фруктовых косточках, а позже победив своих соперников-мужчин в борьбе за право украшать базилику Сан-Петроно, Проперция, тем не менее, умерла в нищете. Согласно записям, де Росси умерла в день коронации Карла V. Узнав о её смерти Климент VII сказал, что Проперция была «благородным и возвышенным гением».
По мнению Вазари, «Будь у нее столько же удачи и поддержки, сколько таланта, она бы не умерла в безвестности, а затмила бы лучших резчиков по мрамору».
Мари-Энн Колло родилась в Париже и начала работать натурщицей в возрасте 15 лет в мастерской Жан-Батиста II Лемуана. Он оказал определяющее влияние на ее карьеру портретиста.
Ее первыми работами были терракотовые бюсты друзей Фальконе, в том числе Дидро, актера Превиля, Мольера, и князя Дмитрия Алексеевича Голицына, посла России.
В октябре 1766 года Мари-Анна Колло сопровождала своего наставника Этьена-Мориса Фальконе в Санкт-Петербург, куда он был приглашен Екатериной Великой с целью создания статуи Петра Великого Медный всадник”. За это время она создала портреты членов русского двора. Все восхищались талантом 18-летней девушки.
Мария-Анна создала гипсовую модель, которая была выбрана для головы Петра Великого для статуи, после того как Екатерина Великая отклонила три попытки Фальконе.
Портрет Петра Великого кисти Мари-Анны Колло. Этюд для "Медного всадника" в Санкт-Петербурге.
В декабре того же года она представила свою работу Императорской академии художеств, членом которой была избрана 20 января 1767 года.
Колло изваяла бюст Фальконе по просьбе Екатерины Великой. Сейчас она находится в Музее изобразительных искусств в Нанси, Франция. Затем последовали бюсты Генриха IV Французского, Сюлли, Вольтера. Также несколько портретов самой императрицы, великого князя Павла I и его супруги великой княгини Натальи, а также мраморные медальоны с историческими персонажами и людьми, связанными с российским двором: Петром Великим, императрицей Елизаветой и леди Кэткарт, женой лорда Кэткарта, посла Великобритании в России.
«Бюст Вольтера»
«Мэри Кэткарт»
«Портрет Екатерины II»
«Фальконе»
В 1782 году Колло отправилась в Голландию по приглашению своей подруги, княгини Голицыной. Находясь там, она изваяла мраморные бюсты Вильгельма, принца Оранского, и его жены, принцессы Вильгельмины Прусской.
Медальон-барельеф Елизаветы Петровны
«Бюст Генриха IV»
«Бюст герцога Сюлли»
Французская революция полностью перевернула мир художников, писателей и философов. После смерти своего мужа, друзей в 1791 году мадам Фальконе купила загородное поместье в Маримоне во Франции. Там Анна-Мария вела тихую жизнь и умерла в 1821 году в Нанси. Похоронена в Бурдонне.
Мария Львовна Диллон (1858 — 1932) — первая в России женщина — профессиональный скульптор.Родилась в Ковенской губернии в семье еврея-откупщика. В ранней молодости была привезена в Санкт-Петербург, где родные обратили внимание на её страсть лепить.
В 1879 году Диллон поступила в Академию художеств, которую окончила в 1888 году. За выпускную работу «Андромеда, прикованная к скале» получила малую золотую медаль и звание классного художника 2-й степени.
«Андромеда, прикованная к скале»
С тех пор она почти без перерыва принимала участие в ежегодных академических выставках в Петербурге, выставляясь иногда и за границей. Побывала в Германии, Франции и Италии.
Из её академических работ выделяются небольшая фигурка «Вестник Марафонской победы». Выработав изящную технику и основательно изучив анатомию, Диллон специализировалась частью на нагих женских фигурах («Невольница», «Нега», «Мак», «Сомнамбула» и другие), частью на миловидных женских и детских головках, идеализированных и портретных. Из головок её наибольшую популярность приобрела «Лилия».
«Лилия». Фото, опубликованное в 1905 году.
Представляют интерес и её драпированные фигуры: «Татьяна», «Офелия», «Эсмеральда», «Капризница», «За чтением». «Татьяна» была впервые показана на академической выставке 1896 года и затем на Международной художественной выставке в Берлине в том же году. Кандидат искусствоведения Елена Карпова отмечает, что в дореволюционный период «Татьяна» была очень популярна: ее изображение помещали в газетах, журналах, на открытках и в изданиях Пушкина.
Головы девушек
В конце 1890-х годах Диллон создала ряд работ для интерьеров петербургского особняка А. Ф. Кельха. Для парадной лестницы особняка Диллон создала три аллегорические статуи: «Утро», «Полдень» и «Вечер» и монументальный декоративный камин в зале «Пробуждение весны».
«Утро», «Полдень», «Вечер»
Камин «Пробуждение весны»
Во Флоренции Диллон создала портретные бюсты, а также статуэтки Эсмеральды и «Итальянскую нищенку».
В Санкт-Петербурге Диллон для Каслинского чугунного павильона выполнила работы: эскиз горельефа «Птицы радости и печали Сирин и Алконост», модель для драконов, расположенных по углам верхнего яруса; канделябры внутри павильона.
Также создала бюст-памятник математика Н. И. Лобачевского (в Казани), памятник императору Александру II (в Чернигове), надгробные памятники министру путей сообщения Гюббенету и др.
Памятник математика Н. И. Лобачевского
Широкое распространение во всевозможных изображениях в России и за границей получила большая работа Диллон «На Дальнем Востоке» — сестра милосердия читает раненому солдату письмо с родины. Этой работой Диллон заслужила в 1905 году первую юбилейную премию в 2000 рублей на конкурсе Императорского общества поощрения художеств. Другую премию она получила за модели двух медалей в память 200-летия Петербурга.
«Задорная»
Мэри Эдмония Льюис (1845— 1907) — американская женщина-скульптор афро-индейского происхождения.Родилась в городе Олбани, штат Нью-Йорк. Отец — гаитянин африканского происхождения, мать — из индейского племени чиппева. Оба родителя умерли, когда она была ребёнком. Эдмония вместе со старшим братом жили в семье родственников матери. Через три года брат предложил ей отказаться от работы на дому и поступить в школу.
Училась в подготовительном Оберлин-колледже в Огайо — одном из первых учебных заведений США, куда принимали женщин различных рас. Именно там Эдмония заинтересовалась скульптурой и начала свою карьеру в искусстве.
«Гайавата» (вождь коренных американцев доколониальной эпохи и одним из основателей Конфедерации Ирокезов)
Инцидент в Оберлин-колледже. Во время зимнего семестра Эдмония отправилась кататься на санях с двумя подругами по колледжу. Затем она пригласила их домой. Вскоре после этого девушки серьёзно заболели. Врачи пришли к выводу, что к ним в организм попал какой-то яд. Через несколько дней подруги пошли на поправку, поэтому власти не стали предпринимать никаких мер. Тем не менее, разозлённые горожане подстерегли Эдмонию Льюис ночью и избили ее. Ответственных за избиение не нашли. Нападение вызвало общественный резонанс, и полиция арестовала Льюис по обвинению в отравлении подруг. От имени колледжа на процессе её защищал выпускник колледжа, единственный юрист - афроамериканец в Оберлине, Д. Лэнгстон. Хотя большинство свидетелей дали показания против Льюис, а сама Льюис отказалась от показаний, Лэнгстону удалось убедить суд в её невиновности.
Для продолжения обучения и практики она в 1865 году переехала в Рим. В Италии её экзотическая внешность вызывала прямо противоположную реакцию, чем та, с которой она сталкивалась в США. Благодаря обучению в Риме она развила свою технику в стиле неоклассицизма. Например, она изображала героев своих скульптур не в современной одежде, а в древних тогах или драпировке.
«Агарь в пустыне»
Через некоторое время она вернулась в США, где продолжила скульпторскую работу. Её произведения продавались за большие деньги. Её возросшая популярность превратила её студию в популярное место для посещений туристов. Среди тех, чьи бюсты она создала в тот период, были поэт Генри Лонгфелло, аболиционист Джон Браун, политик Чарльз Самнер, президент Авраам Линкольн, писатель Уэнделл Филлипс. Созданная ею скульптура Лонгфелло была помещена в библиотеке Гарвардского университета.
«Смерть Клеопатры»
Кроме бюстов, Льюис создала ряд известных фигур-скульптур, в том числе «Агарь в пустыне», «Гайавата», «Брак Гайаваты», «Отъезд Гайаваты», «Смерть Клеопатры».
«Купидон»
Её скульптура «Вечно свободные»— одна из известнейших работ в американской скульптуре. Она изображает пару афроамериканцев, разрывающих цепи.
«Вечно свободные»
Анна Семёновна Голубкина (1864— 1927) — русский скульптор.Анна Семёновна родилась в городе Зарайске Рязанской губернии в мещанской староверческой семье. В двадцать пять лет уехала учиться в Москву, поступила в Классы изящных искусств архитектора А. О. Гунста, где её способности заметил известный скульптор и педагог С.М. Волнухин. В 1894 году училась в училище при Императорской Академии Художеств в Санкт-Петербурге
Начиная с 1895 года, Анна Голубкина, в качестве продолжения своей учебы, трижды приезжает в Париж, посещает занятия Академии Коларосси. Работает в собственной мастерской. Изучает технологию обработки мрамора. Посещает музеи Лондона. С 1897 года пользуется консультациями французского скульптора Огюста Родена. В эти годы созданы такие её произведения как «Старость», «Портрет Э.-Ж. Бальбиани», «Женская маска в блоке». На Весеннем Парижском салоне удостоена бронзовой медали Академии за скульптуру «Старость».
«Старость»
«Портрет Э.-Ж. Бальбиани»
«Туман»
В 1899 году возвращается в Москву. В 1902—1903 годах выполняет рельеф «Пловец» над входом в Московский Художественный театр.
«Пловец»
«Березка»
«Портрет Л.Н.Толстого»
В число известных произведений, созданных скульптором в разные годы, входят портреты Л. Н. Толстого, А. М. Ремизова, Вяч. Иванова, Андрея Белого, В. Ф. Эрна, А. Н. Толстого и др.
«Тайная вечеря»
Скульптурные произведения Анны Семеновны Голубкиной находятся в крупнейших музейных собраниях (Третьяковская Галерея, Русский Музей, Музей Орсе и другие). Наряду с творчеством С. Т. Коненкова, А. Т. Матвеева, С. Д. Эрьзи, В. И. Мухиной — искусство Голубкиной определило значение отечественной скульптуры первой трети XX века.
«Лисичка»
В честь Анны Голубкиной назван кратер на Венере и ролкер проекта В-481(ПНР) «Скульптор Голубкина», входивший в состав флота ЧМП.
Вера Игнатьевна Мухина (1889-1953) — советский, российский скульптор-монументалист. Академик АХ СССР. Народный художник СССР. Лауреат пяти Сталинских премий. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Имеет ордена «Трудового Красного Знамени», «Знак почёта», «За гражданские заслуги» (Болгария), медаль «За доблестный труд в Великой Отечественной Войне 1941-1945гг».
Вера Мухина родилась 19 июня 1889 года в Риге (ныне в Латвии), в семье коммерсанта и мецената. Родители относились к купеческому сословию, семья была состоятельная.
Детские и девические годы провела в Феодосии. Здесь будущая художница получила первые уроки рисунка и живописи. После смерти отца Веру и её старшую сестру Марию приютили дяди и тёти, жившие в Курске, где она с отличием окончила гимназию. Затем обе девушки переехали в Москву.
М.Н.Нестеров. Фрагмент портрета В.И. Мухиной
На Рождество 1912 года с ней произошёл несчастный случай: во время катания с горы на санках она врезалась в дерево, сучок которого отрезал ей нос. Нос пришили в смоленской больнице, но шрамы (несмотря на восемь последующих пластических операций) остались на лице на всю жизнь. К тому же лицо девушки, восстановленное французскими хирургами, стало другим: большим, грубоватым и волевым.
В 1912—1914 годах жила в Париже, где училась в частной студии Коларосси и при этом посещала Академию Гранд Шомьер, в которой училась у французского скульптора-монументалиста Э. А. Бурделя. Позже путешествовала по Италии, изучая скульптуры и живопись периода Ренессанса.
В Москву вернулась летом 1914 года, а через две недели началась Первая мировая война. Окончив курсы медсестёр, стала работать в военном госпитале. Здесь она в том же 1914 году познакомилась с молодым военным врачом Алексеем Замковым. В 1918 году вышла за него замуж.
После победы в России Октябрьской революции был принят «Ленинский план монументальной пропаганды», в рамках которого скульпторы получали от государства заказы на создание городских монументов. В 1918 году выполнила проект памятника просветителю и публицисту Н. И. Новикову. Но он, выполненный из глины и хранившийся в неотапливаемой мастерской, растрескался от холода, так что проект остался неосуществлённым. Кроме этого Вера Игнатьевна создала эскизы скульптур «Освобождённый труд» и «Революция», а также памятников В. М. Загорскому и Я. М. Свердлову («Пламя революции»).
«Пламя революции»
В 1925 году совместно с модельером Н. П. Ламановой получила на выставке в Париже гран-при за коллекцию элегантной женской одежды, изготовленной из дешёвых грубых материалов — ткацкого сукна, бязи, холста и бумазеи, шляпы — из рогожи, пояса были оформлены крашеным горохом, а пуговицы выточены из дерева. Платья украшал оригинальный орнамент, включая придуманный ею «петушиный узор».
В 1927 году созданная ею скульптура «Крестьянка» была удостоена 1-й премии на выставке, посвящённой 10-летию Октября
.
«Крестьянка»
Самой знаменитой композицией скульптора стал 24-метровый монумент «Рабочий и колхозница», который был установлен в Париже на Всемирной выставке 1937 года. Композиция венчала советский павильон. По замыслу, солнце фронтально освещало монумент, создавая эффект сияния; обе фигуры при всей массивности казались летящими. Ощущение полёта усиливал введённый в композицию длинный развевающийся шарф. Монумент оценивался французской прессой как «величайшее произведение скульптуры XX века», а Пабло Пикассо писал: «Как прекрасны советские гиганты на фоне сиреневого парижского неба».
«Рабочий и колхозница»
После закрытия выставки монумент в разобранном виде перевезли в Москву и в 1939 году установили недалеко от северного входа на ВДНХ, однако дизайнерское решение было разрушено: скульптуру разместили на низком постаменте и спиной к солнцу, так что ощущение полёта исчезло.Тем не менее монумент стал одним из символов новой Москвы, а с 1947 года эта скульптура является эмблемой киностудии «Мосфильм». В 2003—2009 годах монумент реставрировали; теперь он был установлен на сооружении-пьедестале, по внешнему виду и высоте приближенном к Парижскому павильону 1937 года.
В 1938—1939 годах работала над скульптурами для щусевского Москворецкого моста: «Гимн Интернационалу», «Пламя революции», «Море», «Земля», «Плодородие», «Хлеб». «Хлеб»— это единственная композиция, осуществлённая ею, остальные были воссозданы по эскизам после её смерти.
«Хлеб»
«Земля и вода»
В. И. Мухина в годы войны и послевоенное время создаёт галерею скульптурных портретов: полковников И. Л. Хижняка и Б. А. Юсупова, балерины Г. С. Улановой, хирурга Н. Н. Бурденко.
Портрет Г.С. Улановой
Автор двух памятников Максиму Горькому: один из них был установлен в 1943 году в Москве у Белорусского вокзала, другой — в 1952 году в городе Горьком.
Наиболее романтичным и вдохновенным среди всех её работ считают памятник П. И. Чайковскому, установленный во дворе Московской консерватории. Эта скульптурная композиция располагается перед главным фасадом консерватории и является доминантой всего архитектурного комплекса. Скульптор изобразила великого композитора в момент творческого вдохновения.
Памятник П.И. Чайковскому
Вера Игнатьевна Мухина скончалась 6 октября 1953 года в Москве. Причиной смерти стала стенокардия. Похоронена на Новодевичьем кладбище.
Луиза Буржуа (1911 - 2010) – автор самой дорогой скульптуры, созданной женщиной.Буржуа родилась 25 декабря 1911 года в Париже. В 1930 году Буржуа поступила в Сорбонну, чтобы изучать математику и геометрию, предметы, которые она ценила за их стабильность. «Я обрела душевное спокойствие, только изучая правила, которые никто не мог изменить»,- говорила Луиза.
Смерть матери вдохновила ее бросить математику и начать изучать искусство. На одном из таких занятий Фернан Леже увидел ее работы и сказал ей, что она скульптор, а не художник. Буржуа устроилась на работу доцентом, ведущим экскурсии в Музее Лувр.
Для Буржуа начало 1940-х годов было связано с трудностями перехода в новую страну и борьбой за вхождение в выставочный мир Нью-Йорка. Ее работы в это время представляли собой вертикальные деревянные скульптуры, потёртости и загрязнения маскировались краской, а гвозди использовались для создания отверстий и царапин в попытке изобразить некоторые эмоции. «Спящая фигура» является одним из таких примеров. Луиза изобразила фигуру военного, которая не может противостоять реальному миру. На протяжении всей своей жизни работы Буржуа создавались на основе пересмотра ее собственного беспокойного прошлого: детских лет, когда она подвергалась жестокому обращению со стороны своего отца.
В 1954 году Буржуа присоединилась к группе американских художников-абстракционистов. В составе этой группы Буржуа перешла от дерева и вертикальных конструкций к мрамору, гипсу и бронзе, исследуя такие проблемы, как страх, уязвимость и потеря контроля. Этот переход стал поворотным моментом. Ее конфликты в реальной жизни позволили ей выразить свой опыт и борьбу с помощью уникальной формы искусства.
Вся череда работ под названием «Клетки» создана художницей, сосредоточенной на желании помнить и в то же время на желании забыть. Луиз всегда считала себя пленницей своих воспоминаний. Каждый из этих компонентов, как и внутреннее наполнение «Клеток», были для Луиз наполнены символическим смыслом. Например, прозрачность стекла символизировала мир без секретов. В последней работе из этой серии «Последнее восхождение», Луиз установила винтовую лестницу из своей бруклинской студии, откуда ей пришлось съехать. В 1978 году Администрация общего обслуживания поручила Буржуа создать «Грани солнца», свою первую публичную скульптуру. Работа была установлена в Манчестере.
«Клетка. Последнее восхождение»
«Клетки»
Самая дорогая скульптура.
В конце 1990-х годов Буржуа начала использовать паука в качестве центрального образа в своем искусстве. «Мама», высотой более девяти метров, представляет собой скульптуру из стали и мрамора, из которой впоследствии были отлиты шесть бронзовых скульптур. Луиза намекает на силу своей матери, используя метафоры прядения, ткачества, воспитания и защиты.
«Паук - это ода моей матери. Она была моей лучшей подругой. Подобно пауку, моя мать была ткачихой. Моя семья занималась реставрацией гобеленов, а моя мать руководила мастерской...»,— Луиза Буржуа.
Луиза Буржуа является рекордсменом (32,1 миллиона долларов в 2019 году) за «Паука», что является самой высокой ценой, уплаченной за скульптуру, приписываемую женщине.
Кэролайн Шоук родилась 28 апреля 1840 года в Цинциннати, штат Огайо. Ее отец, Абель Шоук, производил пожарные машины и паровозы. Кэролайн проявила свои художественные таланты еще в детстве, увлекаясь живописью и рисованием. Ее первым скульптурным проектом, вылепленным из глины из ручья, была голова Данте.
Брукс была первым известным американским скульптором, работавшим в области масла. В 1867 году она создала свою первую скульптуру из масла, которая нужна была как обычный источник дополнительного дохода. Вместо традиционных инструментов для лепки она использовала лопатки для масла, кедровые палочки, соломинки для метел и карандаши из верблюжьей шерсти.
К. С. Брукс и ее скульптура в масле на публичной выставке в Эмори-холле, Бостон, США, в 1877 г.
В конце 1873 года Брукс прочла стихотворную драму датского поэта и драматурга Х. Герца "Дочь короля Рене". По сюжету героиня Иоланты - слепая принцесса, которая не понимает этого, так как ее родители скрыли от нее правду. В свой шестнадцатый день рождения она осознала, что другие люди способны видеть. Брукс была вдохновлена этим персонажем и создала масляную скульптуру "Спящая Иоланта", изображающую невинную девушку незадолго до осознания правды. В статье, опубликованной в «New York Times», говорилось, что «прозрачность [масла] придает цвету лица насыщенность, а также мягкость и гладкость, которые очень поразительны", и что «ни одна другая американская скульпторша не создала лицо такой ангельской нежности, как у Иоланты».
«Спящая Иоланта»
Брукс создала другие версии "Иоланты", в том числе рельеф, который был выставлен на Столетней выставке - всемирной выставке 1876 года, проходившей в Филадельфии. Ее масляная скульптура в Женском павильоне привлекла толпы людей. Ей было предложено перейти из Женского павильона в главное выставочное пространство, чтобы продемонстрировать свои навыки скульптора. Чтобы доказать подлинность своей работы, она создала еще одну голову за полтора часа. Наблюдатели были впечатлены как быстрым исполнением с использованием грубых инструментов для лепки в необычной среде, так и художественными качествами готовой работы. Один путеводитель провозгласил «Иоланту» самым красивым и уникальным экспонатом Столетия. В комментарии к ее произведению говорилось, что «следует учитывать трудности, связанные с использованием такого материала, хотя следует признать, что, какой бы материал ни использовал художник, сама работа демонстрирует высокую степень таланта».
В 1878 году, она открыла студию в Вашингтоне и вылепила маслом скульптуру "Спящая Иоланта" в натуральную величину и отправила ее на Всемирную выставку в Париже. Ей показалось забавным, что таможенники указали ее скульптуру не как произведение искусства, а как «110 фунтов сливочного масла» (около 50 кг).
«Спящая Иоланта» этюд из масла, Кэролайн С. Брукс, 1878
Наконец, получив финансовую возможность приобрести мрамор, она использовала этот материал для создания различных скульптур.
Брукс выставляла свои работы во Дворце изящных искусств и Женском доме на Всемирной колумбийской выставке в Чикаго. Сюда вошли барельеф Христофора Колумба в масле и четыре мраморные скульптуры – «Леди Годива уходит», «Леди Годива возвращается», «Ла Роза» и мраморная версия «Спящей Иоланты».
Кэролайн Брукс с масляным барельефом Колумба, 1893.
Сливочное масло как художественная среда. Работа с масляными скульптурами, их транспортировка поставили Брукс перед уникальным набором проблем. Чтобы сохранить свои нежные масляные скульптуры, она создавала их в плоских металлических формочках для молока, которые ставила в большие формы, наполненные льдом. Так она могла поддерживать свои масляные скульптуры в хорошем состоянии в течение нескольких месяцев. Также проблемы были при транспортировке изделий. Тем не менее, Брукс очень любила это дело и посветила ему большую часть жизни.
Джанет Эчельман (1966) — американская скульптор, специализирующаяся на паблик-арте и искусстве инсталляции.Работы художницы расположены на открытых территориях в разных уголках Европы и Северной Америки, для своих творений использует сверхлёгкий материал и инновационные технологии в области проектирования программного обеспечения.
Родилась 19 февраля 1966 года в городе Тампа, штат Флорида, США. С отличием окончила Гарвардский университет в области визуальных и экологических исследований. В 1987 году переехала в Гонконг для изучения китайской каллиграфии и пейзажной живописи в Университете Гонконга, который окончила в 1988 году. Затем Эчельман жила и работала на Бали, где она сотрудничала с ремесленниками, сочетая традиционные текстильные методы с современной живописью.
«Она изменяется»
3 марта 2011 года выступила на очередной сессии конференции TED с сообщением «О серьезном отношении к воображению», которое позже было переведено на 33 языка мира. «Эта история о серьёзном отношении к воображению.14 лет назад я впервые столкнулась с таким обычным материалом, как рыболовная сеть, которую используют уже в течение многих столетий. Сегодня я использую её для создания прочных, трепещущих, пышных форм, размером с огромные здания в крупных городах по всему миру…».
«Её секрет в терпении»
Джанет Эчелман создает живую, дышащую скульптурную среду, которая реагирует на силы природы — ветер, воду и свет — и становится привлекательным центром общественной жизни.
Исследуя потенциал необычных материалов, от рыболовной сети до распыленных частиц воды, она сочетает древнее ремесло с передовыми технологиями.
«1.26»
Недавние выдающиеся работы включают «Ее секрет в терпении», который охватывает два городских квартала в центре Феникса, «Сад водного неба», премьера которого состоялась на зимних Олимпийских играх 2010 года в Ванкувере, и «Она меняется», преобразившая площадь на набережной в Порту, Португалия.
«Космос между нами»
Сегодня Джанет разрабатывает строительство скульптур из экологических чистых материалов в различных уголках планеты. По её словам, видит народное искусство как командный вид спорта, а также сотрудничает с рядом профессионалов, включая инженеров-механиков, архитекторов, ландшафтных дизайнеров, специалистов по освещению и авиационной инженерии. Ею создана одноимённая студия, которая специализируется на постройках сложных сооружениях в стиле паблик-арта.
«Изгибающаяся арка»
Обучалась в Шанхайской Высшей школе издательства и печати, затем в 2002 окончила с отличием факультет скульптуры Варшавской Академии изящных искусств.
В течение двух лет Лу Пинь была ассистентом на факультете скульптуры Института художественного образования Свентокшишской академии в г. Кельце.
С 1996 года живёт в Польше.
Лу Пинь - автор самого большого в мире памятника польскому композитору Фридерику Шопену в Шанхае, начала свой творческий путь именно благодаря Польше. Она приехала в Варшаву 17 лет тому назад, после того, как встретила в Шанхае двух польских художников.
Пятилетняя учеба в Варшавской академии изящных искусств не только позволила осуществить мечту, но и принесла успех. После окончания с отличием факультета скульптуры, Лу Пинь выиграла конкурс на создание памятника Шопену. Памятник по ее проекту был установлен в Шанхае в 2007 году. Она также автор памятника польскому композитору в Пекине. Теперь Лу Пинь главным образом занимается созданием ювелирных изделий.
Лу Пинь работает над созданием памятника Шопену
Памятник композитору Фридерику Шопену в Шанхае.
ЛИТЕРАТУРА 
Была рождена на острове Лесбос в Митилене, и росла среди природных красот, что способствовало развитию тонкого эстетического вкуса. Родственники Сапфо принадлежали к знатному роду эллинских аристократов из образованных семей. В их обществе было принято обучать наукам и искусству всех без исключения детей.
Величественные храмы, которые посещала поэтесса, вызывали у неё состояние благоговения и гармонии с прекрасным, что помогло ей развить фантазию и раскрыть природные способности. В малочисленных исторических материалах также упоминается о муже Сапфо – представителе итальянских племен. Андриец Керикл, отец Клеиды, единственной из детей поэтессы.
Значение Сапфо в античной поэзии
Сапфо относили к категории девяти величайших греческих лириков, она считалась талантливым автором мелодичных любовных стихов. Чувство слова и ритма обнаружилось у Сапфо в юном возрасте, и, по-видимому, уже с ранних лет она писала гимны, имевшие отношение к культу Артемиды, Геры и Афродиты, но при этом отличающиеся субъективным характером. Помимо гимнов Сапфо писала оды, элегии, праздничные и застольные.
По данным ученых, Сапфо написала девять сборников стихотворений, но до нашего времени схоронилось только 170 фрагментов. Заслугой древнегреческой поэтессы стало введение в стихосложение высоко оцененных потомками новых ритмических образцов. Благодаря этому любовная лирика исполнялась под ненавязчивую музыку, и женщину часто изображали со струнными инструментами в руках. Традиционные формы культового фольклора наполняются у Сапфо личными переживаниями; главным достоинством её стихотворений считается напряжённая страстность, обнажённое чувство, выраженные с чрезвычайной простотой и яркостью. Любовь в восприятии Сапфо — страшная стихийная сила, «сладостно-горькое чудовище, от которого нет защиты». Сапфо стремится передать своё понимание синтезом внутреннего ощущения и конкретно-чувственного восприятия: огонь под кожей, звон в ушах и т. п.
Смерть
Об обстоятельствах и причинах смерти греческой поэтессы ничего не известно, был миф, что женщина погибла, добровольно спрыгнув с Лефкадских скал. Трагическое самоубийство связывали с несчастной любовью к Фаону, который плавал в открытом море и отношений не желал.
Джейн Остин – первая леди английской литературы, известная читателям своими романами нравов. (16 декабря 1775 - 18 июля 1817г.г.)Родилась в небольшом городке Стивенсон, находящемся на юге Великобритании в многодетной семье. Остины жили скромно, отец Джейн был священником, а мать вела домашнее хозяйство. В период с 1783 по 1786 гг. вместе с сестрой Кассандрой училась в Оксфорде, Саутгемптоне и Рединге. Но во всех учебных заведениях случались проблемы. Впоследствии, было принято решение перевести девочек на домашнее обучение.
Джордж Остин занялся их образованием сам, особое внимание уделив литературе. Он привил девочкам хороший литературный вкус, научил любить классических авторов, поэтому девочки с раннего возраста полюбили Шекспира, Юма, Голдсмита и других писателей. Формирование личности Джейн Остин проходило в интеллектуальной обстановке — среди книг, постоянных бесед о литературе, обсуждений прочитанного и происходящего.
Остины никогда не были богатыми, а после смерти отца их финансовые обстоятельства стали ещё более стеснёнными. Джейн обшивала семью и помогала матери по хозяйству.
Творчество
Джейн начала увлекаться писательством с 14-летнего возраста. Тогда она сочинила дебютное произведение «Любовь и дружба». Также в юношестве были написаны передразнивающий школьные учебники бурлеск «История Англии» и сочинение «Прекрасная Кассандра», которые иронично высмеивали творчество сентименталистов 18 века, например, Руссо и Шатобриана, для которых чувства стояли превыше разума. Джейн Остин вошла в историю литературы как сподвижница реализма, по законам которого жизнь описывалась в её типичных чертах, без лишних метафор и чересчур претенциозных оборотов. Сдержанность была не только в творчестве Джейн, но и являлась неотъемлемой частью ее жизненной позиции. Связано это было с тем, что поэтесса воспитывалась в семье с сильными английскими традициями, где принято проживать все внутри себя и быть сдержанными в проявлении чувств.
В 1811 году выпускает роман «чувство и чувственность», который повествует о жизни двух сестер. Через образы девушек автор противопоставляет чувство разуму. Так в воображении читателя происходит диссонанс между человеческими чувствами.
Через три года Джейн публикует роман «гордость и предубеждение». Роман изначально не произвел впечатления на издателей, поэтому рукопись пылилась на полке около 15 лет. За это время поэтесса набиралась жизненного опыта и пересмотрела свои взгляды, после чего доработав роман и изменив его почти до неузнаваемости.
Юность и зрелость Джейн Остин пришлись на беспокойные времена: войны, революционные восстания, промышленные перевороты. Все это оставило неизгладимый след в судьбе девушки, а письма, полученные в этот период, дали ей бесценный материал для её романов. В последнем её романе «Доводы рассудка», изображается немало моряков, только что вернувшихся на сушу после военных действий, отличившихся в сражениях и плававших в Вест-Индию. Однако Остин не считала себя компетентной подробно писать о военных действиях и начавшейся колониальной экспансии Англии.
Последние годы
Джейн Остин скончалась 18 июля 1817 года в Уинчестере, куда приехала лечиться от болезни Аддисона. Перед сметью она не успела завершить произведения «Сэндитон» «Уотсоны» и «Леди Сьюзан». Творчество Джейн Остин не нашло подлинного понимания у современников, настоящее признание к ней пришло только после смерти.
Родилась 8 ноября 1900 в Атланте в семье адвоката и Юджина Митчелла и суфражистки Марии Изабеллы, часто упоминаемой как Май Бэлль.
Детство Маргарет прошло в атмосфере рассказов о событиях гражданской войны, чему способствовало то, что её отец был председателем местного исторического общества. Оба деда писательницы сражались на стороне южан.
Начала свой путь получения образования Маргарет Митчел в частной Вашингтонской семинарии для девочек. Она активно участвовала в драматическом кружке, выступая в школьном кружке, и в литературном клубе. А в 1918 году поступила в престижный женский Смитский колледж в штате Массачусетс. Однако проучилась она всего год, так как ее мать умерла от испанки, после чего девушка вынуждена была вернуться домой, чтобы взять на себя хозяйство.
Летом 1925 года Маргарет Митчел вышла замуж за Джона Марша, с которым она провела остаток жизни.
Работа над романом
Маргарет начала писать рассказы еще в детском возрасте, сначала о животных, затем сказки и приключенческие истории, которые не были опубликованы.
В 1926 году муж покупает Маргарет пишущую машинку, после чего она начинает работу над романом, действие которого происходит в период с 1861-1873 г.г. В процессе написания романа Митчел опиралась на воспоминания родных, прежде всего бабушки, о той эпохе, которые она впитала с детства.
В 1935 редактор издательства заинтересовался работой писательницы и уговорил её дать ему прочить свой роман. Не раздумывая, он предложил ей опубликовать книгу. Но Маргарет была не готова, она еще полгода вносила правки, переписывала некоторые части и выверяла исторические даты.
Книга была опубликована в 1936 году и стала бестселлером. Несмотря на успех работы, писательница так и не написала продолжение.
Смерть
Жизнь писательницы с мировым именем трагически оборвалась 16 августа 1949 года, ей было всего 48 лет. 11 августа Маргарет и ее супруг направлялись в кино, собирались смотреть «Кентерберийскую историю». На нее налетел автомобиль, которым управлял нетрезвый водитель по имени Хью Грэвитт, бывший работник службы такси. Местом вечного упокоения всемирно известной писательницы стало кладбище Окленд Атланты в штате Джорджия. Несколькими годами позже Джон Марш был похоронен вместе с супругой.
Зинаида Гиппиус – сильфида, сатанесса, ведьма. (20 ноября 1869 – 9 сентября 1945г.г.)Родилась в городе Белеве в обрусевшей немецкой дворянской семье. Отец, Николай Романович Гиппиус, известный юрист, который некоторое время служил обер-полицейским. Мать Анастасия Васильевна была дочерью екатеринбургского обер-полицмейстера. В связи с работой отца, семья часто переезжала, из-за чего дочь не получила полноценного образованию. Вскоре из-за туберкулеза умирает отец семейства, это становится большим потрясением для поэтессы. Мать, обеспокоенная возможной склонностью дочерей к туберкулезу, решает перевезти их в Крым. Во время поездки девочка занимается двумя своими любимыми вещами: верховой ездой и литературой.
В 1888 знакомится с Д. С. Мережковским. Ощутив мгновенную духовную и интеллектуальную близость. Не раздумывая, согласилась на его предложение руки и сердца. В будущем их союз будет считаться одним из самых оригинальных и творчески продуктивных, так как сыграл важнейшую роль в развитии и становлении литературы «Серебряного века».
Литературный путь
Стихи поэтесса начала писать с семи лет. При этом девочка много читала и вела дневники. Уже для первых поэтических упражнений девочки были характерны мрачные настроения.
Изначально Зинаида заключила с мужем негласный уговор: она пишет прозу, а он поэзию. Первым договор нарушил Мережковский пожелав писать прозу. У Гиппиус к тому времени уже состоялся дебют в жанре прозы, были несколько рассказов, а также романы «Без талисмана», «Победители», «Мелкие волны». В 1888 году в «Северном вестнике» вышли два стихотворения. Эти стихотворения отражали «общую ситуацию меланхолии и пессимизма 1880-х годов». Зинаида Гиппиус состоялась не только как прозаик, но и как поэтесса. В. Я. Брюсов отмечал «непоколебимую правдивость», с какой поэтесса фиксировала различные эмоциональные состояния жизни своей «плененной души». Со временем Гиппиус отрекается от декадентства и полностью принимает идеи Мережковского. Гиппиус оказалась у истоков зарождающегося в России символизма. Наряду с Федором Сологубом, Валерием Брюсовым, Николаем Минским, Константином Бальмонтом, Иннокентием Анненским ее возвели в ранг «старшего символиста» еще при жизни. Если в прозе она сознательно ориентировалась «на общий эстетический вкус», то стихи Гиппиус воспринимала как нечто крайне интимное, созданное «для себя». Она обладала острым умом и не менее острым языком, поэтому во многом сама для провокации общественности, тщательно продумывала своё социальное и литературное поведение, сводившееся к смене нескольких ролей, и умело внедряла искусственно формировавшийся образ в общественное сознание. Считалось, что в Гиппиус уживались «демоническое, взрывное начало, вызов покою налаженного быта, духовной покорности и смирению». Она, чувствуя себя центром символистского быта, и его, и саму жизнь «воспринимала как необыкновенный эксперимент по преображению реальности». В литературных кругах столицы Зинаида Николаевна была на передовых позициях: при ее содействии состоялся литературный дебют Александра Блока, она вывела в люди начинающего Осипа Мандельштама, ей принадлежит первая рецензия на стихи тогда еще никому не известного Сергея Есенина.
Гиппиус и революция
Изначально политика была вне сферы ее интересов, но события 9 января 1905 года («Кровавое воскресенье») явились для нее большим потрясением, которое решило её судьбу на ближайшие года. Они с мужем стали противниками самодержавия и борцами с консервативным государством России. После чего последовала добровольное «изгнание» в Париж. Там Зинаида устраивала «субботы», для других литературных деятелей оказавшихся в эмиграции. В эти парижские годы супруги много работали: Мережковский — над исторической прозой, Гиппиус — над публицистическими статьями и стихами. Увлечение политикой не сказалось на мистических исканиях последней: лозунг создания «религиозной общественности» оставался в силе, предполагая соединение всех радикальных движений для решения задачи обновления России. В 1910 году вышло «Собрание стихов» второй том сборника Зинаиды Гиппиус, во многом созвучный первому. Его основной темой стал душевный разлад человека. К этому времени многие стихи и некоторые рассказы Гиппиус были переведены на немецкий и французский языки.
Октябрьская революция ужаснула Мережковского и Гиппиус. Спустя три дня после вооружённого переворота она напишет своё знаменитое стихотворение под названием «Веселье»:
«О бедная, о грешная страна!
Какому дьяволу, какому псу в угоду,
Каким кошмарным обуянный сном,
Народ, безумствуя, убил свою свободу,
И даже не убил — засёк кнутом?»
Супруги эмигрируют в Париж. Сохранив воинствующе резкое неприятие большевизма, они остро переживали свою отчуждённость от родины. Было принято решение по созданию литературно-философского общества «Зеленая лампа».
Зеленая лампа
В доме Мережковских объединились многие литераторы и мыслители зарубежья, такие как Иван Бунин, Марк Алданов, Николай Бердяев, Георгий Иванов и многие другие. Они читали доклады на философские, литературные и общественные темы, дискутировали о миссии литературы в изгнании.
Последние годы
В 1939 году в Париже вышла книга стихотворений Гиппиус «Сияния». Это последний сборник поэтессы: после него выходили только отдельные стихотворения и вступительные статьи к сборникам. В 1941 из жизни уходит Мережковский. Смерть мужа стала для поэтессы сильнейшим ударом. Она посвятила свои последние годы работе над биографией покойного мужа; эта книга осталась неоконченной и была издана в 1951 году. Скончалась Зинаида Гиппиус в 1945 и была похоронена под одним надгробием с Мережковским на кладбище Сент-Женевьев-де-Бу.
Агата Кристи – английская писательница, прозаик и драматург, создательница Эркюля Пуаро и мисс Марп. (15 сентября 1890 – 12 января 1979г.г.)Родилась писательница в курортном городке Торки, в семье Фредерика и Клариссы Миллер, став третьим ребёнком. В детстве Агата получила хорошее домашнее образование, которое, в основном, дал ей её отец, американец. Её мать, Клара, была отличным рассказчиком и не хотела учить чтению свою любимую младшую дочь до восьмилетнего возраста. Но девочка, от скуки, самостоятельно научилась читать в возрасте пяти лет. Также она отличалась богатой фантазией, поэтому успешно придумывала для себя воображаемых друзей. Ещё посещала занятия танцами и с детства тянулась к литературе, пробуя себя в поэзии и прозе.
В 1901 году, в возрасте одиннадцати лет, Агата лишилась отца: он умер, перенеся несколько сердечных приступов, связанных с появлением у него финансовых трудно. В возрасте восемнадцати лет она развлекалась написанием коротких рассказов, некоторые из которых были опубликованы в пересмотренной форме в 1930-х годах английским драматургом и другом семьи Иденом Филлпоттсом.
Первая мировая война
В годы войны Агата, к тому времени вышедшая замуж, и взявшая фамилию Кристи, вступила в добровольный отряд Красного креста. В течение нескольких лет она работала медсестрой, а затем и регистратором в больнице Торки. Получила квалификацию, а затем занимала должность помощницы аптекаря. Этот опыт позволил ей в дальнейшем успешно использовать истории с ядами в своих романах. 1916 году ей удалось завершить свой первый успешный роман – «Таинственное происшествие в Стайлз». Перейти к жанру детективного произведения ее побудило увлечение творчеством Артура Конан Дойла. Собственного детектива начинающая писательница наградила полным набором странностей: роскошными усами, яйцевидной формой черепа, бельгийским акцентом. Прообразом Эркюля Пуаро стали бельгийские военные, лечившиеся в госпитале в Торки, где работала Агата. Издательства долго не принимали роман, но «Бодли Хэд» к заявке отнеслись положительно, правда с условием исправления финала, и Агата согласилась.
ЛИТЕРАТУРНАЯ КАРЬЕРА
В 1922 году она написала второй роман с участием двух детективов Томми и Таппенс Бересфордов. Гонорар в 50 фунтов стал неплохим подспорьем для бюджета молодой семьи. Однако в то же время в жизни Агаты в то время было немало перемен. Оставив дочь с сестрой и матерью, она с мужем отправилась в круиз, где в течение 10 месяцев объехала весь земной шар, попутно освоив серфинг. В 1926 году мать писательницы умерла после долгой борьбы с болезнью. Агата тяжело переживала эту трагедию. Она оставила мужа, и уехала в Биарриц, проводя время на побережье. Тяжелая депрессия оказалась довольно затяжной. Дополнительным ударом стала измена мужа. После чего следует случай с «таинственным» исчезновением писательницы. После расставания с мужем, Агата продолжает создавать свои произведения, по книге в год. Известно, что Агата Кристи не раз мечтала покончить с Пуаро как с героем, он был ее своеобразным проклятием. Поэтому Кристи решает отдохнуть от своего бельгийского сыщика. В конце 1933 года выходят 13 ее рассказов о мисс Марпл в одном сборнике. «Тринадцать загадочных случаев» придали героине необходимую популярность. Теперь она становится одной из ключевых фигур в творчестве Кристи
Самыми яркими детективными романами Агаты Кристи считаются: «Убийство Роджера Экройда» (1926), «Убийство в Восточном экспрессе» (1934), «Смерть на Ниле» (1937), «Десять негритят» (1939), «Багдадская встреча» (1957). Среди работ позднего периода эксперты отмечают «Ночную тьму» (1968), «Вечеринку на Хэллоуин» (1969), «Врата судьбы» (1973).
У поэтессы получилось выстроить в своих книгах собственную вселенную, которая вызывает трепет в сердцах многих людей. Ей удалось изменить представления о детективном жанре и стать одной из самых известных писательниц в мире. А произведения Агаты Кристи стали одними из самых публикуемых за всю историю человечества.
Вторая мировая
Во время военных действий люди меньше уделяют внимания литературе. Кристи идет работать в аптеку, расположенную при больнице Университетского колледжа. Но она продолжает писать романы и рассказы. Один из них даже привлекает внимание британской разведки – так точно в нем описана работа шпиона. За период с 1940 по 1945 год вышло 10 романов писательницы.
Последние годы
С 1946 года Агата Кристи, пребывающая уже в статусе признанного мастера детектива, уверено экспериментирует с формой и сюжетом. В это время написана «Лощина», «Мышеловка», позже ставшие пьесами. Создан сборник «Подвиги Геракла», и другие произведения о Пуаро. Финалом цикла стал «Занавес», в котором автор все же попрощалась с этим персонажем.
Цикл о Мисс Марпл получил продолжение в 1950 году. Затем были созданы великолепные произведения «Карман, полный ржи», «В 4.50 из Паддингтона», «Карибская тайна» и «Отель Бертрам». Финалом цикла из 12 романов стало «Забытое убийство», вышедшее в 1976 году, после смерти автора. Жизнь «королевы детективов» оборвалась, в собственном доме в Уинтербрук-Хаус, в возрасте 85 лет, в окружении семьи. Причиной стала простуда, которую не перенес ослабленный возрастом и хроническими заболеваниями организм. Похоронена на кладбище Святой Марии в деревне Чолси.
Линда Нохлин в своём эссе сказала: «Как заметил больше ста лет назад Д. Милль: «Всё привычное кажется естественным. Коль скоро подчинение женщин мужчинам — общепринятый факт, то любое отступление от него вполне естественно кажется неестественным».
В данной книге мы не поднимали тему того, что же такого происходило за всю историю искусства, что женщин в нем оказалось меньше. Виной этому недопущение женщин к образованию вплоть до XIX века, запрет на письмо с натуры, что играет огромную роль в становлении художника или скульптора, предрассудки и осуждение, которое не позволяло женщинам творить. Многие из собранных здесь историй – исключения из правил. Как вы заметили, большинство художниц, которые смогли стать известными, были дочерьми художников, то есть у них был, хоть и неполный, но доступ к образованию.
Нельзя сказать, что такое неравенство в обществе – полностью пройденный этап. Заха Хадид, одна из самых влиятельных архитекторов мира, про которую уже было сказано в нашей книге, говорила: «Женщине очень трудно побывать в архитектуре, очень и очень трудно. Это по-прежнему мужской мир. Чтобы добиться признания, мне всегда приходилось делать все в десять раз лучше», «Раньше люди думали, что женщинам не хватает логики. Ну, это абсолютная чушь. Нет никакой разницы в возможностях, по крайней мере, формально с точки зрения зданий. Могут быть различия в лидерских качествах женщин или в их проблемах с эго, но мы можем разрабатывать одинаково, если у нас будет шанс».
Одиль Декк, одна из ведущих европейских архитекторов, основательница собственной архитектурной школы, лауреат многочисленных наград, в том числе Золотого Льва, говорила: «Быть женщиной в архитектуре — это привилегия и трудность одновременно. Женщина должна бороться больше, должна быть сильнее, чем мужчина». И, как истинная француженка, добавляла: «Ты можешь делать все, что угодно — ведь ты женщина».
В этой книге мы рассмотрели разные удивительные биографии женщин, творивших искусство. Надеемся, что она будет полезна для многих: кому-то она прибавит уверенности, а кто-то расширит свой кругозор. Спасибо за прочтение!
Интернет - источники
https://ru.wikipedia.org/
https://gorodovoy.ru/news/746653
https://mus-col.com/events/19461/
https://kiozk.ru/article/nauka-i-zizn-2/skulptor-maria-dillon
https://viromiro.livejournal.com
https://translated.turbopages.org/proxy_u/en-ru.ru.
https://www.culture.ru/live/movies/8442/pervaya-russkaya-zhenshina-skulptor
https://dzen.ru/a/YRA03UIJoQgBPD4Y
https://kulturologia.ru/blogs/060319/42420/
https://tito0107.livejournal.com/1680545.html?noscroll
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/56/Porperzia_de%27_rossi%2C_annunciazione.JPG
https://stroi.mos.ru/photo_lines/sil-nyi-slabyi-pol-kakimi-byli-zhienshchiny-arkhitiektory-moskovskogho-mietro
https://www.interior.ru/architecture/8843-farrell-i-maknamara-mi-mozhem-krasivo-izmeniti-mir.html
https://www.elledecoration.ru/heroes/design/chelovek-legenda-eylin-grey/
https://archi.ru/architects/world/10851/amanda-livit
https://birdinflight.com/ru/pochemu_eto_shedevr/20170421-zhizn-shedevr-luiz-burzhua.html
https://dzen.ru/a/Y37VwbI_iQztgiDO
Литература
«Гендерная теория и искусство. Антология: 1970-2000» Линда Нохлин. Перевод Бредихина Л.М.
«Мария Башкирцева. Дневник».
«Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» Джорджо Вазари.
Стихотворение «Веселье» Зинаида Гиппиус (отрывок).
Стихотворение «Ни любопытства, ни тоски…» Эмили Бронте (отрывок).
Стихотворение «Как должны писать женщины» Евдокия Ростопчина (отрывок).54
Вебинар для учителей
Свидетельство об участии БЕСПЛАТНО!
