Современное искусство и его значение в мировой культуре

Муниципальное общеобразовательное учреждение

Средняя общеобразовательная школа №3

С углублённым изучением английского языка г.о. Жуковский

ИНДИВИДУАЛЬНЫЙ ИТОГОВЫЙ ПРОЕКТ

ПРЕДМЕТНАЯ ОБЛАСТЬ «ИСКУССТВО»

ТЕМА «СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО И ЕГО ЗНАЧЕНИЕ В МИРОВОЙ КУЛЬТУРЕ»

Выполнен

обучающейся 9А класса

МОУ школа №3 г.о. Жуковский

Копыловой Таисией Николаевной

Руководитель проекта

Коровина Елена Серафимовна

Учитель

Г.о. Жуковский, 2020 год

Оглавление

1. Введение …………………………………………………………………………………………………….. 3

2. Основная часть……………………………………………………………………………………………. 4

3. Заключение………………………………………………………………………………………………… 14

4. Использованные источники………………………………………………………………………. 15

2

Введение

Тема моего проекта – это «современное искусство и его значение в мировой культуре».

Проблема наших дней состоит в том, что довольно большое количество людей могут считать современное искусство бесполезным и не несущим в себе никакого смысла, однако я постараюсь опровергнуть это ложное утверждение.

Цель моего проекта: рассказать о важности современного искусства в мировой истории и культуре, пролить свет на его собственную историю и объяснить его значимость.

Мой Проектный продукт представляет собой доклад с презентацией визуализирующие историю развития и скрытые смыслы современного искусства.

Задачи проекта:

- изучить материалы на данную тему

- рассмотреть самые необычные направления современного искусства

- развить художественное воображение и творческое мышление

Объект исследования: современное искусство

Предмет исследования: картины современных художников и их история

3

История современного искусства

(1)Сегодня я хочу поговорить о Современном искусстве и его значимости в мировой культуре и истории. В наше время не редко можно услышать претензии и осуждение в сторону современного искусства. И его непонимание зачастую приводит к ложному впечатлению. Не редкой будет фраза « Ой, да такое и пятилетний ребёнок нарисует, а ЭТО продают за миллионы! » но давайте разберемся, почему же так высока цена современного искусства и что оно в себе несёт?

(2)Термин «современное искусство» включает в себя произведения второй половины 20 или 21 века. Зародился он примерно в 1990-х годах. Но давайте я покажу вам это наглядно:

(3)Перед вами простейшая схема развития искусства, начиная с доисторических времён. И вся левая его часть – это история искусств до 1900 года. И тут всё довольно просто и понятно. Одно постепенно вытекает из другого. Но в 90-х годах прошлого столетия происходит самый настоящий «взрыв», и вместо этой стройной схемы, со стилями, направлениями и эпохами, сменяющими друг друга, одновременно образуется клубок самых разных направлений, между которыми уже, казалось бы, нет какой-то логической связи. Однако мы попытаемся этот клубок распутать.

4

Начнём мы с того, что в целом вся история 20 века – это история того как постепенно раздвигалось само понятие «искусство». Как искусством становилось то, что ранее искусством не считалось, и сложно было даже представить что-то за рамками классической (4)скульптуры и живописи.

Самое первое, что происходит ещё на рубеже 19 и 20 веков, это то, что художник больше не обязан изображать натуру, такой, какая она есть. (5) Появляется фотография, кинематограф, новые технические средства восприятия этого мира. И художник впервые за всю историю искусства получает право говорить « я так вижу». Это авторское виденье легко можно показать на таком примере: (6) перед вами два портрета одного и того же человека: Амбруаза Воллара (это один из самых значительных торговцев произведениями искусства в Париже в конце XIX – начале XX века). Первый – в исполнении Поля Сезанна. Второй – Пабло Пикассо, написанный спустя 10 лет после первого. В то время как Сезанн пишет портрет, отталкиваясь от цельной структуры произведения, Пикассо делит полотно на множество разных угловатых фигур, но при всё при том, мы всё ещё узнаем черты лица.

И раздвигая границы вопроса « как это должно быть, выражено?», появляется вопрос «а чем это должно быть выражено?». В самом начале 10х годов 20- го столетия появляется такая техника как (7) «коллаж»,

техника «коллаж»

и фраза поэта Гийома Аполлинера «Можно писать чем угодно: курительной трубкой, почтовыми марками, открытками или игральными картами, канделябрами, кусками клеенки, накладными воротничками, обоями или газетой». Ещё одно достижение того времени это полное освобождение произведения искусства от сюжета. Появление абстрактного искусства. (8) Для примера такая историческая фигура как Константин Бранкузи - Французский скульптор и художник. В его скульптуре (9) «Мадемуазель Погани» мы не видим ярко выраженных черт женского лица, вместо них лишь изогнутые линии, но всё же мы легко узнаём их значение.

5

«Мадемуазель Погани»

На фоне всего этого на обсуждение выносится вопрос красоты. К этому моменту в мире происходят уже такие большие перемены, что само существование «неоспоримых идеалов красоты» не представляется возможным. (10) Большим ударом в мире стала первая мировая война, разломившая все понимания о красоте и искусстве на «до» и «после». Знаменитые работы (11)Кеты Кольвец, (12)Карла Шмидта-Ротлуффа, (13) Отто Дикса – всё это дети первой мировой войны. Страшные, жуткие и безобразные, пугающие и не скрывающие ужасов войны. Такие образы не было принято изображать.

(14) Но не всё вокруг было порабощено войной. Воспитывалось поколение восхищающееся машинами, пленённое будущим в своих мечтах. Возникает новое веяние, а следовательно, и новый стиль, название которого вытекает из самого слова «будущее» и имя ему «футуризм».

Туллио Крали – «Городской пейзаж»

6

(15) Художники восхищаются механизмами, они дышат мечтами и человеке будущего, о человеке-машине. Один из взглядов того времени отражается во фразе (16) Филиппа Томмазо Маринетти: "...тогда как литература до сего времени превозносила бездеятельную мечтательность, экстаз и сон, мы хотим превозносить агрессивное движение, лихорадочную бессонницу, быстрое движение, опасные прыжки, пощечину и удар кулака... Мы хотим прославить войну – единственную гигиену мира... Мы хотим разрушить музеи, библиотеки, бороться против морализма и фетишизма... Мы будем воспевать огромные толпы, волнуемые трудом, погоней за удовольствием или возмущением, прожорливые вокзалы, заводы, мосты, локомотивы с широкой грудью, которые несутся по рельсам, подобно огромным стальным коням... Наше сердце не испытывает ни малейшей усталости! Ибо оно вскормлено огнем, ненавистью и быстротой".

На той волне рождаются новые формы в искусстве. (17) Перед нами 4 работы

голландского художника Питта Мондриана, на которых изображена одна единственная яблоня. С одного и того же угла, ракурса и в неизменяющемся масштабе. Наглядно показана эволюция художника в совершенно определённом направлении: чем дальше, тем меньше цвета, меньше линий и ближе к плоскости. И отсюда всего один шаг до канонических работ Мондриана.

Но время идёт дальше, не останавливаясь ни на мгновение, переосмысливая и бросая в огонь все понятия и образы о том каким должно быть мастерство художника и нужно ли его вмешательство. (18) И вот перед нами возникает весьма похожая на работы Мондриана картина, но уже другого автора с именем Ласло Мохой-Надь. Но что же в ней такого особенного? Ответ на этот вопрос таится в её названии « Телефонная картина ».

7

Ласло Мохой-Надь позвонил по телефону на фабрику, которая занималась производством вывесок и буквально надиктовал, как должны выглядеть эти картины (это была целая серия). Он заказал размеры произведения, определил где, в каких местах, на каких расстояниях друг от друга и какие элементы должны находится и по его заказу эти картины были сделаны и доставлены ему. То есть он ни только не докасался до них, но даже не присутствовал при их создании. Но при этом это его работы, подписанные его именем. В этот момент идея ставится выше материального предмета.

(19) Ещё дальше идёт такой творец как Марсель Дюшан. Он не создаёт предметы, он берёт их из повседневной жизни и ставит под неожиданным углом, комбинируя и придавая новое значение. Широкую общественную известность приобретает такое его произведение как « фонтан». Чаще его называют «писсуар», но верное его название «фонтан». Как мы видим, на нем стоит подпись творца, но это один из его псевдонимов. И что не удивительно, экспонат не допускается организаторами до показа на выставке. На что Дюшан отвечает такой заметкой в журнале: «Не важно, сделал ли Ричард Мутт (так было подписано произведение) «Фонтан» своими руками или нет. Он ВЫБРАЛ его. Он взял обычный предмет и показал его так, что вся его польза и весь смысл, связанный с ней, исчезли под воздействием нового названия и новой точки зрения. « - Это важнейшая цитата говорящая нам о том, что произведением искусства может стать что угодно, если так решит художник. Теория сегодняшнего современного искусства основывается именно на этом высказывании. «Искусство – это всё, что считает таковым его автор и ещё хотя бы один человек». То есть в нашем случае, если редактор журнала согласился с Дюшаном, что это искусство, то значит, оно таковыми является.

8

(20) Следом за свободой мысли и свободой образа творчества в мир приходит такое понятие как «сюрреализм». Художники этого направления были чрезвычайно увлечены психоанализом, теорией бессознательного и в своём творчестве они зачастую пытались вытащить на свете образы, которые в основном являются нам во сне, в бреду или в ночных кошмарах и так далее. Они использовали множество разных техник и в основном называли это «автоматическим» письмом, то есть тем письмом, которое исходит не от разума, а от глубинных, подсознательных слоёв нашего мозга. (21) Ну, например, вот этот рисунок, получивший название «изысканный труп» сделан по принципу «буриме» - когда несколько участников рисуют какие-то фрагменты на листе бумаги, потом этот лист загибается, и следующий участник не знает, что там было изображено. И в результате этих не сложных махинаций возникает нечто подобное.

« Изысканный труп »

Сюрреалисты очень много думают о том, как связаны слово и изображение. Как связано то, что мы видим глазом и, то, как мы привыкли это называть. Например, (22) знаменитая картина Рене Магритта с надписью «это не трубка» изображающая именно трубку. И вот мы уже в замешательстве. Мы не знаем чему нам верить! Тому, что мы сейчас прочитали или своим глазам? Магритт говорил: «объект не настолько сильно привязан к своему названию, чтобы нельзя было найти другой объект, который пошел бы его названию ещё лучше».

9

Сюрреализм оказался довольно стойким и прошёл не только через вторую мировую войну, но и до сих пор есть художники, двигающиеся и работающие в этом направлении.

Рене Магритт «Это не трубка»

И вот художники не хотят рисовать реальность! Они хотят от неё отмахнуться, считая её ужасной, (23) и на арене появляется такая фигура как Джексон Поллок – фигура легендарная и неповторимая. И в то время как тот же Мондриан мечтал об идеальном человеке, идеальном мире, Поллок наоборот, такой задачи перед собой не ставит, но яростно пытается расширить границы понятия искусства.

Перед вами сам процесс работы Джексона Поллока и мы видим, как он в буквальном смысле входит в пространство холста, живет и творит уже внутри своего произведения. Он говорил об этом так : « На полу мне работается легче

10

всего, потому что мне нужно сопротивление твёрдой поверхности. Я чувствую себя частью картины, могу обходить её, работать со всех сторон и в буквальном смысле находится внутри произведения. Когда я внутри картины, я не отдаю себе отчёт в своих действиях. Моя живопись живёт своей собственной жизнью». И вот в статичную, казалось бы, живопись привносится жизнь, время, случайность и некая игра. И в результате этого шаманства возникают такие картины как эта (24), когда краска не наносится аккуратно кистью, а разбрызгивается по всему холсту. Вы наверняка наблюдали за тем, как люди долго замирают перед такими произведениями, или вы сами останавливались перед ними на долгое время. И возникает вопрос: « А что же люди пытаются там увидеть?». Но в действительности такие вещи очень гипнотизируют, потому что опять ничего не изображено, но хочется заглянуть за этот занавес из красочной паутины.

Но такое эмоциональное искусство понятно не всем, и как антипод на сцене появляется «минимализм»(25), продолжающий в каком-то смысле начатое Мондрианом, Ласло Махой-Надем. Минимализм – это стиль характеризующийся лаконичностью выразительных средств, простотой, точностью и ясностью композиции. Отвергая классические приёмы творчества и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм, нейтральных цветов и малых объёмов. (26) Например, работы Дональда Джадда. Вы можете видеть какое-то количество прямоугольников прикреплённых к стене, отличающихся лишь ритмом и цветом.

Дональд Джадд

(27) Следующим нашим персонажем является поэтика обыденного, банального, совершенно простого и во многих случаях буквально найденного на помойке, как в работах художника Роберта Раушенберга, который действительно ходит по

11

свалкам и собирает там самые разные предметы и их остатки и потом собирает из них такие композиции. Трудно, да и в целом не нужно искать в них какой-то скрытый смысл, какое-то индивидуальное прочтение или подтекст. Но и оставлять такие работы совсем без смысла тоже не стоит. Для примера в данном случае и правда есть какое-то прочтение, в большей степени иронизация фамильных гербов и головами оленей, подвешенных над камином в гостиной. Переиначивание признаков и атрибутов буржуазии и подмена их на современные реалии, которые не могут не расстраивать.

Всё это приводит к тому, что искусство вторгается в жизнь. Уже нет разделения на «высокое» и «низкое», на «красивое и «страшное», искусством становятся простые вещи, эмоции и истории. И такое искусство вошло в историю под названием «поп - арт». (28) Искусство массовое, искусство доступное и искусство которое, во-первых, создаётся из массовых предметов, а во-вторых, понятно массовому зрителю. Это тот самый момент, когда что бы понять, что тебе хотят донести, не нужен какой-то дополнительный комментарий.

12

Здесь всё понятно, кока кола знакома каждому, все её пробовали или, по крайней мере, видели. Искусство поп-арта работает очень узнаваемыми вещами, работает с клише и массовой культурой, с кино, масмедиа и обществом. (29) Хорошо его описывает цитата Ричарда Гамильтона: « Искусство поп-арта предназначено для широкой аудитории, оно временное и краткосрочное, одноразовое, легко забывающееся, недорогое, массово производимое, молодое и нацеленное на молодых, остроумное с выкрутасами, гламурное искусство большого бизнеса».

13

Заключение

При создании этого проекта больше всего меня увлекла эволюция и изменение произведений искусства и понятий связанных с ними. Крайне увлекательно было наблюдать за взаимовытекающими процессами в обществе, идеях людей и истории в целом.

Эта тема крайне обширна и до конца не раскрыта, и я попыталась пролить свет лишь на малую её часть. Вывод: двигаться в этом направлении можно долго и всегда открывать для себя что-то новое, так как пока живо человечество, жить будет и искусство.

14

Источники

• Википедия — свободная энциклопедия

• Екатерина Кочеткова. Лекция «История современного искусства: откуда оно взялось и почему оно такое?»

https://www.youtube.com/watch?v=ah7gIRxMLRM

15