Модернизм и его разновидности.
Отход от реалистического воспроизведения мира – основная черта модернизма. Страх перед антиэстетической действительностью вел художников к отрыву искусства от действительности. Эстетический бунт против установившихся с эпохи Возрождения канонов и традиций – вот что такое модернизм.
В августе 1911 г. в статье журнала «Штурм» философ-идеалист Вильгельм Воррингер применил термин экспрессионисты к группе французских художников: Сезанну, Ван Гогу и Матиссу. В дальнейшем этот термин стал применяться к явлениям искусства, в которых происходит искажение действительности ради особой выразительности в передаче духовного мира художника.
Фовисты (звери хищной породы, дикие). Эта группа выступила против импрессионистов, против натуралистического правдоподобия. Фовисты отстаивали идеи декоративности живописи, чрезмерной остроты композиций, отрицали линейную перспективу, утверждали субъективизм ( Я так вижу!) К Фовистам принадлежали Матисс, Альбер Марке, Вламинк, Руо. Марке прошел путь от фовизма к реализму. Такова его работа «Собор Парижской богоматери» 1910 г. в Эрмитаже, где он находит новые средства пейзажа, тонко передает влажный воздух, смягчающий контуры Собора, зеленоватый тон вод Сены, портретно точное место при лаконичности средств.
Анри Матисс (1869 – 1954)
Родился на севере Франции в семье хлеботорговца. Первоначально он готовил себя к карьере юриста, но в 20 лет получил от матери в подарок краски и заболел живописью. Он уехал в Париж, где встретился с такими же как он бунтарями. Основной идеей Матисса стало высвобождение цвета от власти формы, лучистая энергия света на его полотнах передавала мечту о гармонии. Он уподоблял живопись сочинению музыки, в которой всего 7 нот. Довольно скоро он добился славы и стал одним из ведущих художников 20 века. «Я мечтаю об искусстве уравновешенном, чистом, спокойном»,- говорил Матисс. Главная его задача – передать свое впечатление от увиденного. Это были пейзажи Южной Франции, Северной Африки, фрукты, восточные декоративные ткани, интерьеры с фигурами людей.
Цвета Матисса повышенной интенсивности: холодно-синий, изумрудно-зеленый, огненно-желтый, жаркая киноварь. Структура изображения линейно-ритмическая, плавный рисунок, гибкий арабеск. Ритм музыкальный, волнообразный, легкое трепетное движение, бездумный покой.
«Танец» 1909 –1910г. (Эрмитаж)
Три цвета определяют гамму картины: красный (киноварь), им изображены фигуры, плотно-синий – небо и ярко-зеленый – земля. Такое упрощение до схемы напоминает иконопись, которой были увлечены многие авангардисты. Сияющий свет и цвет волн Средиземноморья были для Матисса источником вдохновения на протяжении всей его жизни. Он стремился передать те скрытые чувства, которые вызывает в нас то или иное сочетание цветов. В 19 веке благодаря экспериментам науки были получены новые виды пигментов и красок. Поколение Матисса получило их первыми, причем эти материалы были уже смешаны и стоили относительно недорого. Эти краски и позволили Матиссу начать эксперименты с цветом.
«Красная комната» 1908 г. (Эрмитаж)
Фигуры вплетены в орнаментально-плоскостные композиции. Синие арабески на красном фоне стены и поверхности стола, фигура женщины и пейзаж за окном объединены мягко-волнистым ритмом.
«Красные рыбы» 1911г. (ГМИ)
Перед нами та же сила цвета, созвучий любимых цветов Матисса. Плоскостное построение картины, отказ от перспективы и глубины пространства, стремление взглянуть на предмет сразу с нескольких точек – влияние Сезанна.
«Улитка» 1953 г.
Это одно из последних произведений Матисса, когда больной художник уже не мог работать кистью и вырезал изображение из кусков бумаги, которые он окрашивал предварительно в нужные тона. Улитка – взаимотношение цветов, напоминиющее жаркий день на берегу Средиземного моря, песок, зелень, фрукты, солнце. Фигуры над синим квадратом расположены по спирали, так что воспроизводят спиралевидную форму раковины улитки. Матисс использует гармонирующие красный и розовато-лиловый и контрастные синий и оранжевый цвета. Эта гамма создает радостное настроение картины. Черный прямоугольник доминирует в композиции и придает интенсивность другим цветам.
Ту же роль играют оставшиеся незакрашенными участки холста, на фоне которых еще ярче выступают радостные цвета картины. Расположенный в центре узор окаймлен блистающим оранжевым цветом и заключает полотно в подобие рамы.
Матисс создавал радостное искусство, но цена за него была такой же, как у Гогена: отказ от драматического изображения жизни.
Эдвард Мунк и Джеймс Энсор
Этим художникам свойственны ощущение призрачности жизни, искажение действительности, передача ужаса, который внушает художнику сама жизнь.
Англичанин по рождению, Энсор начинал как реалист, но постепенно его все больше стали увлекать символистические тенденции, его полотна начинают напоминать бредовые видения. На картине «Въезд Христа в Брюссель» 1888 г. въезд возглавляет военный оркестр, толпа несет лозунги и знамена, на трибунах стоят администраторы в шарфах. Толпа полна людей с искаженными, оскаленными лицами. Постепенно на картинах Энсора живых людей начинают заменять маски, скелеты. Картины Энсора были встречены враждебно, но с началом Первой мировой войны его творчество стало находить все большее признание.
Любовь, ревность, смерть – главные темы произведений норвежского художника Эдварда Мунка. В них он проявлял то, что его современники назвали (криком времени». Такова его картина «Крик» 1893 г.
В 1909 – 1911 гг. в Мюнхене В. Кандинский и другие художники организовали объединение «Синий всадник». Эта группа продолжала тенденции антиматериализма и антиреализма. Они шли еще дальше в стремлении к абстракции, столь же нетерпимо относились к импрессионистам. Своей задачей художники «Синего всадника» считали раскрытие невидимой сущности вещей, отказ от социальности, формалистические поиски.
В. В. Кандинский (1866 – 1944)
Основоположник абстракционизма. Родился в Москве, учился в Московском университете на факультете права и экономики. Уехал в Европу, с 1909 года в Мюнхене. В 1914 г. вернулся в Россию, но в 21 году вновь уехал в Германию. Преподавал в «Баухаузе». Когда фашисты закрыли школу, уехал в Париж. Его больше всего интересовала взаимосвязь между живописью и музыкой. Свои взгляды он обосновывал теоретически.
Задачей абстракционизма должно быть влияние на человеческие чувства без воссоздания действительности. Линия, цвет и форма – вот что должно оказывать главное воздействие – утверждал Кандинский.
«Композиция 8» 1923 г. Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке.
Прямые линии моложавы, кривые передают зрелость, точка – малый мир, минимальная окружность, более или менее обтесанный со всех сторон – так утверждал Кандинский. Желтый цвет, по теории Кандинского, способен подниматься все выше и выше, пока не станет невыносим человеческому взгляду, синий – спускается в глубины, а голубой звучит, как флейта. Зеленый уравновешен и звучи, как слабые звуки скрипки, красный создает впечатление громкого барабанного боя, а синий – глубокий звук органа. Острый угол треугольника, врезающийся в круг, производит огромное впечатление – утверждал художник. Горизонтали звучат холодно и плоско, а вертикали тепло и возвышенно. Острые углы теплые, пронзительные, активные, желтые, а прямые холодные, строгие, окрашенные красным. Звучание кларнета художник находил в лимонно-желтом, контрабас - в пурпурно-фиолетовом. Такие довольно субъективные принципы и воплощал Кандинский в своем абстракционистском творчестве.
Пауль Клее (1879 – 1940)
Родился в Швейцарии, недалеко от Берна. Его родители были музыкантами, и сам он стал профессиональным скрипачом, но возобладала страсть к живописи и Клее уехал в Мюнхен, бывший в то время одной из столиц современного искусства. Клее привлекали искания абстракционистов. Поворотным моментом в его биографии стала поездка в Тунис, где его поразил пестрый арабский мир, яркость света и цвета, невероятный сплав разных культур, необузданность воображения. Клее создает свой стиль, основанный на непосредственном, как у детей, восприятии мира. Этот стиль можно условно назвать инфантилизмом.
«Памятники в Г.» 1929 г. Метрополитен-музей в Нью-Йорке.
После поездки в Египет Клее пишет эту работу, в которой стремится передать свое впечатление от увиденного. Это- некий итог его представлений об Египте. Тонкие ленточки ассоциируются с монотонностью бескрайней песчаной пустыни и полосками возделанной земли по берегам Нила. В то же время здесь можно увидеть Египет с птичьего полета или вид на пирамиды на заднем плане через деревья на переднем. Беспредметное искусство дает много возможностей для толкования.
Вероятно, острые углы напоминают пирамиды, а желтый цвет, согласно учению Кандинского, должен вызвать музыкальные ассоциации и возвысить душу. Вдоль левого полотна идет полоса терракотового, зеленого и красного цветов, что создает устойчивый ритм, напоминающий монотонный бой барабана и служит контрастом полоскам желтого и изломанным линиям.
С 1920 г. Клее преподавал в «Баухаузе» живопись и рисунок, он отличался незаурядным педагогическим талантом. Нацисты закрыли «Баухауз» в 33 году, а Клее к этому времени уже вернулся в Швейцарию.
Густав Климт (1862 – 1918)
Австрийский живописец, проживший всю жизнь в столице – Вене, отразил в своем творчестве противоречивые тенденции венской жизни накануне Первой мировой войны. Именно в Вене родился психоанализ Зигмунда Фрейда, трактующий совершенно по-новому отношения мужчины и женщины. Творчество Климта очень близко этому учению. Главная тема Климта - сущность влечения противоположных полов.
«Поцелуй» 1907 –1908 гг.
Герои картины – мужчина и женщина одновременно разъединены и литы, испытывают разные ощущения, но полны одинакового блаженства, неотделимого от ликующей земли и цветущей природы. Композиция символична, отсюда такая декоративная яркость. Климт учился не только технике живописи, но и искусству фрески и мозаики, отсюда особая роль золотого фона и цвета на картине. Этот фон и цветочный ковер рождают ассоциации с мозаикой Византии, которую Климт видел в Равенне, где она произвела на него очень сильное впечатление. Каждый из персонажей носит свой золотистый покров, но и мужчину. И женщину объединяет некий золотистый конверт, который символизирует соединение мужского и женского начал. Большое влияние на Климта оказало и декоративное искусство Египта и древней Греции. Женщина предстает на полотне Климта как искусительница, источник наслаждения и символ материнства. Ее наряд напоминает цветочный ковер, на котором она стоит, а узоры ее одежды объединяют ее с ее возлюбленным. Одеяние мужчины украшают черно-белые геометрические фигуры, в которые вписаны узоры, напоминающие рисунок на одежде женщины. Руки и соприкасающиеся пальцы изображены особенно выразительно, а лица мужчины мы не видим. Климт часто изображал руки персонажей, в то время как их лица не были видны или оставались бесстрастными.
Кубизм
Кубизм родился во Франции в 1907 – 1908 гг. Художники данного направления подвергли пересмотру все, что со времен Ренессанса считалось обязательным: воспроизведение формы предметов, пространства, цвета, саму технику исполнения. Системе перспективы они противопоставили свое право двигаться вокруг предмета, включая в его живописное воспроизведение информацию, почерпнутую ранее. В кубизме с необыкновенной силой проявились антиматериалистические тенденции, философия идеализма и субъективизма, отказ от научного познания мира, замена его неким мистическим постижением сущности явлений. Главные деятели кубизма – Пикассо, Брак и Леже.
Это была эпоха перед Первой мировой войной, когда разжиревшая Европа паразитировала на богатствах всего мира. Но в душах наиболее чутких представителей мира искусства жило ожидание катастрофы, неизбежного возмездия за сытую и благополучную жизнь, оплаченную кровью и трудом миллионов. Этот взгляд вел к тому, что буржуазная действительность стала на полотнах новых художников подвергаться разложению, осмеянию, ужас перед силами механической цивилизации, терзающими душу и тело, вел к поиску новых средств. Стремление задеть, оскорбить благополучного буржуа, исказить его культурный мир диктовало такие уродливые формы искусства как кубизм. Предтечей кубизма был Сезанн, утверждавший, что в основе натуры лежат простые геометрические объемы: шар, цилиндр, конус. Кубисты пошли еще дальше, разложив вещи на простейшие составные элементы, внесли ритмические диссонансы, сдвинули плоскости. Они отказались от изображения человека во всем его своеобразии, увлеклись чисто формальными поисками. Новое направление заявило о себе весной 1907 г. Сам термин кубизм появился, когда в 1908 году художник Жорж Брак выставил картину «Дома в Эстаке», про которую Матисс сказал, что она похожа на детские кубики. Вскоре один из критиков заметил, что живопись Брака – это изображение кубов.
Главный враг кубизма при этом – не буржуазный мир, а зрительное восприятие мира, глаз как таковой. Если мир плох, - говорит кубист, - виновато зрение, которое его все время воспроизводит перед нами. Это переворачивание причины и следствия с ног на голову и стало законом кубизма.
Пабло Пикассо (1881 – 1973)
Его отличали беспокойные искания, страстное и саркастическое отношение к миру. Метания от формализма к реализму, от абстракций к большим современным темам. Пикассо был живописцем, графиком, мастером прикладного искусства. Пикассо родился в Испании, но почти всю жизнь провел в Париже, где поселился в 1904 году. В 1904 году он встретился с поэтами Аполлинером, Жакобом и Сальмоном, поклонниками Рембо и Малларме. К этому времени Пикассо уже полностью овладел техникой традиционного рисунка и, и начался его первый период в живописи, который получил название «голубой» или «розовый». Героями его произведений 1905 – 1906 гг. героями картин Пикассо этого времени были простые люди: акробаты, женщины, странствующие комедианты, нищие. Это люди одинокие, обделенные, хрупкие, изможденные. Лица их печально-сосредоточенны, невидящие глаза, они смирились со своей судьбой. Такова картина «Старый нищий с мальчиком» 1903 г. (ГМИ).
«Любительница абсента» 1901 г. (Эрмитаж)
Перед нами сумрачная женщина, картину отличает психологическая острота, женщины испитое угловатое лицо, сурово сжатые губы, опустошенный взгляд, нервные движения гибких рук – трагический образ человека, покорившегося судьбе. Цветовая гамма сине-голубой, розово-золотистый серебристо-голубой тона раскрывают тончайшие лирические настроения, поэтическую прелесть образов. Силуэты изящны и хрупки.
«Девочка на шаре» 1905 г. (ГМИ)
Сине-голубая цветовая гамма. Девочка кажется беззащитной и в то же время беззаботно-смелой. Контраст угрюмо-неподвижного атлета с квадратной спиной и хрупкой девочки составляет главный нерв картины. Беспокойно- угловатые движения рук контрастны нежным линиям фигурки девочки. Замечательно красное пятно цветка в ее черных волосах.
И уже в этот период творчества Пикассо удлиняет руки, заостряет формы, то есть немного отходит от реализма.
1906 – 1907 г. – рождение кубизма. В 1907 г. Пикассо написал пародию на вывеску публичного дома и назвал ее «Авиньонские девицы». Изменились сами приемы работы, цветовая гамма. Стали господствовать темно-коричневые тона, оливково-бурые, сами девицы предстали в гротесково-уродливом виде пародией на трех граций. Группа художников: Пикассо, Брак, к ним примкнули Фернан Леже, Робер Делоне мечтали о новом искусстве.
«Портрет Воллара» 1909 – 1910 гг. (ГМИ)
Портрет строится как ритм бесплотных рассыпающихся геометрических пластиной, исчезли объем и цвет.
На картинах Леже мир предстал как хаотический набор пирамид и цилиндров. Борьба с объемной живописью достигла предела, исчезла глубина, светотень, цветовое пятно стало неинформативным. Отсюда – полное отречение от сознания, так как живопись кубистов не стремится проникнуть в тайны мира, а превращает картину в предмет как таковой.
После Первой мировой войны Пикассо обратился к светлым и даже идилличным образам сильных и здоровых людей, увлекся античной скульптурой и вазописью.
«Мать и дитя» 1921 г.
Монументальные образы, массивные округлые формы передают ощущение здоровой силы.
«Сидящий Арлекин» (1923г.)
Пикассо находил сходство между художником и шутом: тот и другой печальны, одиноки и обязаны развлекать публику. В этой работе, проникнутой чувством умиротворения, ощущается влияние классического итальянского искусства. На картине портрет друга Пикассо каталонского художника Жасинто Сальвольдо. Заметны внимание к модели, тщательность письма, при этом Пикассо не дописывает некоторые части костюма, заставляя нас принять участие в «додумывании» деталей портрета и тем самым вовлекая в процесс творчества. Лицо вылеплено по законам светотени, техника передает трехмерность пространства.
«Обнаженная в красном» (1929г.)
Это произведение производит совсем другое впечатление. Созданное в год начала великой депрессии, возможно, оно отражает те настроения, которые захватили цивилизованный мир. Мы видим глубокое смятение, охватившее художника. Вновь воскресли приемы кубизма: образ разъят на части, женщина предстает свирепым чудовищем, чувствуется сильное влияние возникшего в 1925 г. сюрреализма: тема смерти, своеобразно переплетающаяся с эротикой, нечто из кошмарных сновидений. Цвета яркие, без полутонов, чистые, отсюда – еще большее ощущение контраста между ведущими цветами картины. При этом человеческое тело занимает главное место и на этом полотне, но разъятое на части, со смещенными чертами лица и частей самого тела. Этим он достигал непосредственности и остроты в передаче драматизма мира.
«Герника» (1937г.)
В 1937 г. Пикассо навсегда покинет Испанию после того, как в ней установится фашистский режим Франко. По своим политическим убеждениям Пикассо был республиканцем, так же как американский писатель Хэмингуэй, совесткие интернационалисты. Самое известное произведение Пикассо этого времени – «Герника», полно символизма, трагического ощущения кошмаров эпохи. Герника – небольшой город в Испании, на который 26 апреля 1937г. обрушились сотни бомб немецкой авиации. Погибло 1654 человека, 889 было ранено. Герника стала первым городом, уничтоженным в ходе авиационного налета. Главная идея картины: искусство вторгается в жизнь и ужасается ей. Отсюда – центральный образ полотна: муза с лампой, пытающаяся осветить ужас происходящего. Картина построена как триптих: центральное изображение обрамлено двумя створками, но это не церковная, а светская живопись. Сдержанный колорит отвечает сюжету картины. Мертвое дитя на левой створке безжизненно свешивается с рук матери, ее открытый в крике рот и неистовый вопль переданы при помощи языка, напоминающего кинжал или осколок стекла. Такие осколки рассеяны по всему полотну. На картине немало подобных ребусов, что вступало в противоречие с задачей, поставленной художником. На переднем плане отрубленная голова и рука, сжимающая обломок меча. Возможно, это – образ страшной и бессмысленной бойни. Лампочка над головой коня – всевидящее око Божие. Хрупкий цветок рядом с обломком меча напоминает о хрупкости и вечном торжестве самой жизни. Руки, воздетые в бессильной попытке остановить падающие бомбы, напоминают центральный персонаж «Расстрела третьего мая 1808 г.» Гойи, которого Пикассо очень высоко ценил. Впервые Пикассо выставил «Гернику» в Париже в 1937 г. на всемирной выставке. Споры вокруг художественных достоинств картины и ее политического смысла разгорелись сразу же. Они длятся и по сегодняшний день, хотя картина уже давно признана одним из самым значительных шедевров 20 века и хранится в Испании, в музее Прадо, в отдельном зале за пуленепробиваемым стеклом.
Пикассо стал членом Французской компартии, испытывал симпатии к Советскому союзу. В 1949 г. он создал рисунок «Голубь мира», ставший самой знаменитой эмблемой, получил премию мира. Противоречивое и необыкновенно яркое творчество Пикассо стало отражением сложнейших процессов, происходивших в искусстве 20 века.
Амедео Модильяни (1884 – 1920)
Родился в Италии в еврейской семье. Большое влияние оказала на него мать. Она открыла сыну мир декадентской поэзии Бодлера и Рембо. Позже Амедео познакомился с идеями Ницше, согласно которым искусство - это бегство от пошлости буржуазного мира. В 22 года юноша перебрался в Париж, где стал завсегдатаем кафе и завел знакомства в среде парижской богемы. В это же время Модильяни вырабатывает свой стиль, для которого характерны соединение традиций прошлого и идей авангардизма. Для стиля Модильяни характерны некоторая трогательность, изломанность вытянутых фигур, четкий контур, обязательно длинная шея. Напоминающая изогнутый стебель цветка, наклоненная набок голова, как бы продолжающая сравнение фигуры с цветком. К таким же неповторимым чертам стиля художника относятся миндалевидные глаза и тонкий разрез губ. Эти черты вызывают в памяти произведения Боттичелли. Сам Модильяни не был по натуре борцом, каким был Пикассо, и стремился уйти в свой мир фантазий и грез. Свои картины он писал в состоянии сильнейшей экзальтации, нередко злоупотреблял спиртным. На портрете Жанны Эбютерн (поздняя работа художника) видно влияние идей Сезанна и кубизма. Фон предстает перед нами как наклоненная развернутая плоскость. В упрощенности форм и линий заметно влияние Матисса. В чертах лица женщины заметно влияние африканской деревянной скульптуры, которой увлекся художник. А миндалевидные глаза кажутся окнами, сквозь которые проглядывает бездонная синева неба. Это подчеркивает безучастность модели. Богемная жизнь привела художника к ранней смерти. Он умер в 35 лет в больнице для нищих, а изображенная им на полотне женщина, возлюбленная художника, покончила собой через сутки, не в силах пережить Модильяни.
97 840
152 
