Особенности подбора песенного репертуара: правила и нюансы.

Думаю, ни для кого не секрет, что правильно подобранный репертуар – это уже половина успеха. И я на собственном опыте, исполнительском, а позже и при работе с детьми, в этом сама лично убедилась.

Каким же должно быть идеально подобранное произведение?

Первым делом, оно должно совпадать с исполнителем «по духу», назовём это так. Коснёмся детей и учеников. Зная характер, темперамент, внутренний мир и энергетику ребёнка, будет глупо взять для разучивания произведение, которое ему, мягко говоря, «не близко». Есть дети, предпочитающие лирику, есть те, кто любит повеселее, позажигательней. Главный и, пожалуй, единственный секрет заключается в том, что ПЕСНЯ ДОЛЖНА НРАВИТЬСЯ ребёнку! Всегда старайтесь найти для ученика «его» произведение. Для этого при подборе репертуара достаточно даже просто представить себе эту песню в исполнении того или иного ученика. Если картинка «не монтируется», то скорее всего надо искать что-то другое для исполнения. Конечно же, никто не говорит, что ученик должен петь однохарактерные и однотипные песни. Ни в коем случае! Пробовать нужно всё. Ребенок должен раскрываться, как для вас, так и для самого себя, открывать свои новые грани и скрытые возможности. Но все эти творческие и вокальные эксперименты (если вам не жалко своего времени и достаточно терпения) должны происходить в вокальном классе, на репетициях и т.д., но не более. Если же говорить о концертном номере на публике, то не стоит тешить себя надеждой, что, например, скромная девочка из категории «серая, нерешительная мышка» вдруг на сцене превратится в яркую, озорную барышню – не бывать такому никогда! То же самое, кстати, касается и возрастного ценза в подборе песни. Бывают случаи, когда вокальные способности, а иногда и внешний вид ребенка подталкивают нас дать ему «что-то эдакое», такое взрослое, серьёзное, «голосистое», а возможно ещё и на иностранном языке, чтоб все ахнули. Изначально глупая затея, подкреплённая, конечно же, нашими педагогическими амбициями. Спеть-то ребёнок споёт, а что на выходе.? А на выходе это выглядит примерно так же, как если ребёнка одеть во взрослую одежду. В итоге ученику будет не комфортно, вам будет стыдно, а зрителям смешно. Говоря в общем, ученик должен быть с песней «на одной волне». Он должен чётко понимать – о чём и для кого он поёт. Хоть в 6, хоть в 15 лет – произведение должно быть для ученика (как и для взрослого исполнителя) осмысленным. Только так можно добиться правильных эмоций, сцендвижений и передачи образа от исполнителя.

Второй очень важный, а порой и решающий, момент при подборе репертуара – это диапазон исполнителя. Это, пожалуй, самый трудоемкий и «болезненный» процесс для преподавателя. Тут, конечно, мы (педагоги) мало что можем изменить, но подкорректировать возможно. Будет звучать банально, но скажу: проблемные места стоит прикрывать, достоинства – подчеркивать. Опять же, как в одежде. Допустим, знаете вы, что у ученика нет верхних нот, даются они ему тяжело и звучат не совсем уверенно. Значит - не надо давать ему песни с явно звучащими верхними нотами. Покажите его «низы». Пусть ребенок удивляет всех своим нижним регистром, в котором ему комфортно и легко. Пусть это будет что-то даже почти речетативное, но очень эмоциональное. В данном случае стили джаз и соул вам в помощь. Джазовый репертуар не построен на вокализации нереально высоких, истеричных нот. Джаз – это, в первую очередь, эмоции и чистое интонирование.

Бывает, что песню хотелось бы подкорректировать буквально на 0,5-2 тона вверх/вниз. Тогда ещё проще. Если позволяет качество фонограммы-1, то Интеренет и всевозможные аудиоредакторые и программы вам на вооружение. Иногда достаточно опустить или повысить фонограмму (далее «минус») буквально на полтона, как картина исполнения кардинально меняется. Пять минут «колдовства» в программе, и вот уже песня, которая только что была на грани ваших (или ученика) вокальных возможностей, стала «вашей» и звучит у вас уверенно и чисто. Есть, конечно, ярые сторонники того, что песня должна исполняться исключительно в оригинальной тональности, но, как мне кажется, это более актуально и принципиально для проф.исполнителей. В работе же с детьми главным, на мой взгляд, считается комфорт ребенка (физический, моральный и вокальный). Поэтому заставлять ученика «рвать связки» в верхнем регистре или «давиться» на нижних нотах, которых нет – очень глупо. Поверьте, то что вы поёте не в оригинальной тональности, могут определить только лишь люди с абсолютным слухом, коих единицы. А вот то, что вы фальшивите и срываетесь, пытаясь достать заветную ноту – это однозначно услышат все.

Однако, стоит отметить, что исполнитель (ученик) ни в коем случае не должен петь постоянно в диапазоне своих «заветных», хорошо звучащих нот. Если отойти от концертной тематики и коснуться репетиционного и учебного процесса, то скажу, что пробовать петь нужно всё. Это так же, как и с подбором песни к характеру исполнителя. Связки – это, своего рода, мышцы, и их тоже надо держать в тонусе, упражнять и в буквальном смысле «растягивать». А точнее – надо стараться дотянуться до песни и сделать её «своей» по диапазону. Каждое новое произведение должно быть чуть сложнее по вокальным приёмам и чуть шире по диапазону, чем предыдущее. Вы (ученик) должны выходить из «зоны комфорта». Только в таком случае будет перспектива роста и развития. Из собственного исполнительского опыта могу сказать, что некоторые (а в последующем иногда и самые удачные для исполнителя) произведения могут разучиваться годами. На самом деле это нормально. Достойное и порой сложное произведение должно, как хорошее вино, в буквальном смысле «созреть». Точнее вы должны до него дойти самостоятельно, как морально, так и физически. Если произведение очень уж нравится, но никак, по вашему мнению, у вас не звучит, попробуйте оставить его на пару месяцев, а возможно и на 1-2 года. Не исполняйте нигде эту песню и возможно даже не слушайте. Вернитесь к ней позже. Уверена, результат вас удивит. Это будет совершенно другое прочтение и звучание. Конечно же, данный долгосрочный опыт разучивания не очень применим к детям, т.к. они имеют свойство взрослеть и песня попросту может потерять свою актуальность.

Отдельного внимания заслуживает тембровое совпадение с песней. Бывает так, что Вы (ученик) вроде бы успешно вписываетесь в диапазон изучаемого произведения, но тем не менее, песня никак не звучит. Верхний регистр не звучит так звонко, как вам хотелось бы, либо нижние ноты не особо глубоки и наполненны. То есть песня звучит как-то усреднённо, проще говоря – никак, без развития, кульминации, достаточно ровно. Исполнять в таком случае, конечно, не возбраняется, но «магии» не произойдет, а это необходимо, чтобы произвести впечатление на зрителя. Мой совет – оставить подобное произведение, оно просто «не ваше». При разучивании таких песен, голос чувствует себя «ни в своей тарелке», в нём мало природной индивидуальности, голос не раскрывается в привычном ключе, отсюда и монотонность исполнения. Лучше подобрать другое произведение, подходящее для вашего тембра и раскрывающее его в полной мере.

Следующий и очень важный момент – это анализ мелодической линии песни. В идеале его должен делать именно педагог. И не просто сесть за инструмент и, нажав один аккорд, узнать тональность песни, а желательно даже самостоятельно пропеть эту мелодию. Для чего это делается? Для того, чтобы Вы сами непосредственно на себе ощутили сложности нового произведения. В данном случае хотелось бы сказать про «вокальную усталость» или зажим, с которыми внезапно для себя сталкиваются исполнители. Почему внезапно? Поясню.

Иногда в песнях, с обычным казалось бы диапазоном, возникают проблемы, а именно: Вы (или ученик) уже к середине произведения или к его кульминации изрядно устаёте (а точнее ваши связки). Связано это может быть с мелодической линией песни. Например, весь куплет, либо припевы звучат в основном на 2-3 нотах, переходных или не очень удобных для вас. В женском (девичьем) диапазоне это чаще всего бывают ноты ля-до# первой октавы. То есть, по сути, они не такие высокие, если брать их лишь периодически, либо пару-тройку раз за всю песню. Если же мелодия напоминает некую вокальную «долбёжку» на одной-двух нотах, это сильно напрягает связки и выводит их, а тем самым и исполнителя, из равновесия. Итог: связки, даже без всяких кульминаций и мелизматики, безумно устают, влияя тем самым даже на чистоту интонирования. Как я уже говорила, связки – это мышечная ткань, и они, как и любые мышцы, для нормального функционирования, должны из точки пикового напряжения переходить в расслабленное состояние и наоборот. Именно этим объясняется то, что зачастую легче исполнять песни с «бегающей» по всему диапазону мелодией, нежели те, в которых звучат 3-5 нот, но достаточно часто и ритмично повторяющихся в течении 3-4 минут. Технически это достаточно сложно, вам это подтвердит любой профессиональный исполнитель. Тоже самое, кстати, касается и скачкообразной мелодии, когда интервалы между нотами составляют септиму или октаву. Это достаточно большой скачек для вокализации, и исполнять его чисто, да еще и в достаточно быстром темпе, сможет не всякий взрослый, не говоря уже о детях. Поэтому глупо, возмущаясь, кричать на ученика: «Ну здесь же всего “си”! Неужели достать не можешь?!». Если ребенок уже последние 2 минуты «толчётся» на этой “си”, то его усталость вполне объяснима.

Ещё один немаловажный момент, о котором забывают или даже не предполагают исполнители и педагоги, это – буферная зона диапазона. О чём это я?

Данное определение я придумала сама, лично для себя и для работы с учениками. Возможно я изобрела велосипед, и данное понятие уже существует в некой другой интерпретации, но я такого не встречала в литературе и профессиональных кругах. Итак, «буферная зона диапазона» – это крайние ноты (0,5 тона - 1 тон) диапазона (верхнего и нижнего регистров), позволяющие исполнителю практически в любом не комфортном для него состоянии полноценно спеть (достать, озвучить) самые низкие и самые высокие ноты исполняемого произведения. Проще говоря, это ноты, которые должны оставаться, по возможности, свободными и незадействованными в разучиваемом произведении. К примеру, ваш максимум в верхнем регистре – это Ре второй октавы. Следовательно, в песне, которую вы собираетесь исполнять, самая верхняя нота должна быть До-До#. Поясню для чего.

Выступление на публике, а тем более на большой сцене, включает в себя множество нюансов, которые непосредственно влияют на исполнение солиста. Перечислю только основные:

- плохой микрофон;

- некачественная или неправильно выстроенная мониторная линия (подзвучка);

- неопытный/не слышащий звукорежиссер;

- погодные условия;

- не удовлетворительное/болезненное состояние исполнителя (у детей – ломка голоса, у женщин/девушек – гормональные перестройки);

- отсутствие возможности полноценно подготовить перед выступлением голосовой аппарат (отсутствие помещения, инструмента и времени для распевки, разогрева резонаторов);

- стрессовое состояние во время исполнения (волнение, страх);

- прочие отвлекающие факторы (шум в зале, не комфортная одежда и тд.).

Так вот. Любой из выше перечисленных факторов может нещадно уничтожить вашу самую высокую ноту, а может даже всю кульминацию. Почему так происходит?

Наш голос так устроен, что влияет на него абсолютно всё, и об этом нельзя забывать. Конечно же, высший пилотаж – это стабильное исполнение и работа голосового аппарата в любом состоянии и при любых условиях. Но достигают этого не многие. А так как моя статья для тех, кто «на пути» или только начинает, то моё пожелание будет следующим. Берите для выступления произведение, уровень сложности которого (диапазон, громкость, техничность), позволяет вам исполнить его более менее достойно и стабильно в любых комфортных и НЕкомфортных для вас условиях. В какие-то определенные дни, а может даже часы, мы можем достигать, своего рода, апогея наших вокально-технических возможностей. Это ваш пик, и ваш максимум. Однако, ощущение того, что те или иные ноты вам покорились, может быть ошибочным, в виду того, что голосовой аппарат не может выдавать ежечасно и каждодневно 100% своего КПД. Еще раз повторюсь: связки очень тонкий и капризный аппарат, на который влияет абсолютно всё, начиная от микрофона, заканчивая погодой! Да-да!

Теперь вернемся к «буферной зоне». Всё выше сказанное я вела к тому, что не стоит брать песню на пределе своих возможностей, надеясь лишь на то, что всё будет безупречно спето. Если уж ну оочень нравится произведение, изменяйте его (транспонируйте, редактируйте в программе), чтобы у вас были ещё запасные, те самые, «буферные» 0,5-1.5 тона, которые позволят достойно спеть даже самые сложные места без фальши и нареканий. Проверить голосовую готовность можно и еще одним способом: постарайтесь спеть (и можно вообще это периодически практиковать) разучиваемую песню ещё как минимум в двух тональностях – на полтона ниже и на полтона выше. В идеале, они тоже должны звучать. Другими словами, связки должны быть готовы к большей нагрузке. И нагрузка эта на сцене обязательно понадобится. Некачественный микрофон, неправильная работа звукорежиссера или, элементарно, сильный ветер на открытых площадках заставят вас петь гораздо громче и напряжённее, нежели это требовалось в привычной аудитории в любимый микрофон. Да что там говорить? Одно волнение чего только стоит. Оно способно «срезать» 0.5-1,5 тона наших возможностей. Больше всего, конечно же, волнению подвержены дети. Профессионалы в основе своей умеют справляться с волнением, но вот все остальные, кто к ним не относится, рискуют потерпеть фиаско, исполняя песню, на пределе своих возможностей и не будучи готовыми к различным «подводным камням», с которыми сталкивается практически каждый эстрадный артист.

Надеюсь, я охватила все вопросы и нюансы, с которыми можно столкнуться при работе в вокальном эстрадном классе. ))